Enviado para um colégio interno quando adolescente em 1920 “para limpar as arestas e se preparar para a faculdade”, a artista Doris Lee cortou o cabelo para se rebelar contra o ambiente – “o menos aventureiro e imaginativo” em sua vida, sem acesso para pintar. Este ato de rebelião foi recebido com suspensão e a advertência da escola de que “garotas bonitas têm cabelo comprido”.
A julgar pelas muitas fotos que restaram de Lee (1904-1983), ela nunca mais cortou o cabelo. Mas ela continuou a abrir seu próprio caminho nas quatro décadas seguintes.
Um talentoso pintor figurativo da era da Depressão e um artista comercial de tremendo sucesso durante as décadas de 1940 e 50, Lee aprendeu desde muito jovem que, para permanecer no jogo, precisava pelo menos fingir que obedecia às regras. Suas cenas de fazenda e reuniões de família podem evocar um sentimentalismo rockwelliano ou a salubridade da vovó Moses (com quem ela às vezes é comparada), mas sob a superfície de sua cultura americana está um feminismo fervendo.
Mulheres destemidas e confiantes protagonizam a maioria de suas obras, e não se restringem a atividades estereotipadamente femininas. Nós os vemos lutando com cavalos, atirando flechas e tendo prazer. Vladimir Nabokov até se referiu a uma de suas pinturas em “Lolita”. É uma perspectiva que não vemos em nenhum outro lugar no momento – não em Thomas Hart Benton ‘s homens no campo, o povo hipócrita de Grant Wood ou os aspirantes à tela de prata de Reginald Marsh.
Lee mostrou com galerias proeminentes, vendeu obras para grandes museus e pintou três murais para o WPA A revista Life a enviou ao redor do mundo como artista-correspondente e ela produziu arte premiada para as principais campanhas publicitárias. Mas, como muitos pintores figurativos da época, especialmente mulheres, Lee caiu em relativa obscuridade quando o expressionismo abstrato assumiu o gosto do século XX. Esses artistas que trabalharam nas décadas de 1930 e 40 foram simplesmente “marginalizados pela moda”, disse o negociante de arte Deedee Wigmore, que representa a propriedade de Doris Lee desde 1990.
Mas uma grande retrospectiva nova, “Simple Pleasures: The Art of Doris Lee,” viajando nacionalmente até 2023, está reintroduzindo-a ao público por meio de mais de 70 exemplos de suas belas obras de arte comerciais. Uma mostra paralela na D. Wigmore Fine Art em Manhattan, até 28 de janeiro, apresentando outras 40 obras.
“Ela está neste nexo realmente interessante de arte popular, cena americana e modernismo”, disse Melissa Wolfe do Museu de Arte de Saint Louis, que fez a curadoria da atual retrospectiva com Barbara Jones do Westmoreland Museum of American Art em Greensburg, Pensilvânia, onde está em exibição até 9 de janeiro. “Mas, basicamente, ela foi vista como muito pouco séria para ser levada a sério. Seu trabalho é figurativo, acessível e poderia ser decorativo e essas coisas eram percebidas como feminizadas e não levadas a sério. Eu sei que a Escola de Nova York não era monolítica, mas um trabalho que era percebido como masculino – o ativo, grande, agressivo, problemático, cheio de dúvidas – isso era o que era levado a sério ”.
Nascida Doris Emrick em Aledo, Illinois, filha de pai banqueiro-comerciante e mãe professora, Lee cresceu como uma autodescrita “moleca” nas fazendas dos avós, pulando aulas de piano para pintar na varanda de seu vizinho. Ela se formou em filosofia em 1927 e se casou com Russell Lee, que se tornou um fotógrafo aclamado pela Farm Security Administration.
Lee estudou pintura em Paris com Andre L’Hote, um pintor cubista, e também em San Francisco com o pintor realista Arnold Blanch. Em 1931, os Lee seguiram Blanch e sua esposa, Lucile Lundquist, para a colônia de artistas em Woodstock. Lee também alugou um estúdio na 14th Street em Manhattan. Lee trocou Russell por Blanch em 1939. Eles viveram juntos, mas nunca se casaram, passando os verões em Woodstock, onde eram figuras centrais na cena social do mundo da arte e exibindo regularmente, e os invernos na Flórida.
Woodstock era um lugar progressista, e Lee se encaixava nele. Ela ingressou no Congresso de Artistas Americanos, que tinha como objetivo combater a ascensão do fascismo na Europa, e deixou claras suas opiniões sobre a desigualdade. Em uma palestra em 1951 intitulada “Mulheres como artistas”, ela destacou como era “estúpido” que as jovens fossem ensinadas a encontrar maridos e disse ao público: “Não podemos negligenciar ou desencorajar qualquer talento por causa das barreiras artificiais de raça, classe ou sexo. ”
Se seu trabalho não fosse abertamente político, ela colocava algumas mensagens ali, muitas vezes difundindo qualquer crítica cultural aberta com um senso de humor lúdico e humanizador. Em “Illinois River Town” (1937), um dos vários críticos de obras chamado “Bruegelian”, figuras zumbem na praia enquanto uma mulher levanta as gavetas para se aliviar. Em “The View, Woodstock” (1946), uma mulher está diante de uma casa azul cuidando de sua horta com um forcado enquanto um homem preguiça nas proximidades. “Normalmente, é o homem que nos apresenta a propriedade”, disse a Sra. Wolfe, que suspeita que Lee está maliciosamente citando Grant Wood’s “Gótico americano” (1930).
Lee se levantou pela primeira vez com os pintores de cena americanos – um movimento que floresceu durante a Depressão, quando artistas como Wood e Benton abandonaram o modernismo europeu para desenvolver sua própria forma de arte, registrando tudo o que imaginavam que tornava a América americana – sua terra, seus costumes, ideais, aspirações. Lee também trouxe arte popular, que ela e Blanch colecionaram, e que o MoMA reconheceu como uma forma de arte distintamente americana. E ela nunca esqueceu sua educação europeia.
O trabalho de Lee não era para todos. (No entanto, ela relatou que recebeu “muitas cartas de fãs de pessoas em prisões e asilos, longas cartas contando tudo”.) A crítica pública a catapultou para o cenário nacional, quando ela pintou “Ação de Graças” – uma cena de cozinha movimentada de mulheres de várias gerações – ganhou o prestigioso Prêmio Logan de Compra de $ 500 no Art Institute of Chicago em 1935. Se as figuras de desenho animado de Lee canalizam o artista Dada alemão George Grosz, seu foco – a intensidade do trabalho feminino – parece muito mais fiel vida do que as representações mais típicas da época da idílica mesa de Ação de Graças.
A doadora do prêmio, Josephine Hancock Logan, chamou publicamente o trabalho de Lee de “coisa horrível” e, em seguida, fundou o movimento Sanity in Art para eliminar os “grotescos modernistas” do surrealismo e do dadá da arte americana. O Art Institute of Chicago respondeu comprando a obra . Enquanto isso, Lee disse ao The Washington Post que “pintar belas fotos não era meu objetivo” e que se alguns dos rostos pareciam “desenhos animados”, como havia sido sugerido pela Time Magazine e outros, “algumas pessoas também”.
Naquele mesmo ano, a revista Fortune escreveu que “ela particularmente não gosta que a última palavra sobre sua pintura seja ‘otimismo’”, e a citou dizendo que o que ela realmente sentia era “uma espécie de violência”. A revista Life posteriormente interpretou seu comentário como um “senso cômico de violência”, mas Wolfe pensa o contrário.
“Muitos de seus primeiros trabalhos parecem ser sobre esse tipo de agitação interior ou um desejo de liberdade física”, disse o curador, referindo-se a trabalhos como “The Runaway” (1935), que mostra uma mulher a cavalo fugindo de uma fazenda.
O privilégio relativo de Lee ajudou-a a subsistir como artista durante a Depressão, assim como Gertrude Vanderbilt Whitney. Como observou o historiador cultural John Fagg, que contribuiu para o catálogo “Simple Pleasures”, a herdeira renegada criou o Whitney Studio Club, onde artistas como Lee podiam mostrar e vender seus trabalhos. (Lee foi incluído na primeira Whitney Biennial, em 1932 .)
Logo ela chamou a atenção de diretores de arte e editores também. O estilo de Lee havia se tornado mais nítido e plano, com grandes áreas de cores delineadas e suculentas, o que o tornava mais fácil de reproduzir. (Ela também tinha olho para detalhes de design – móveis, arquitetura, plantas, tecnologia, joias – que se prestavam bem às ilustrações.)
Em 1941, ela ingressou na Associated American Artists, a movimentada galeria do empresário Reeves Lewenthal, que pretendia ganhar dinheiro levando belas-artes às massas. À medida que o consumismo e a era da publicidade explodiram, ele produziu suas gravuras e conseguiu seus empregos em empresas como American Tobacco e General Mills, e também a fez projetar tecidos e cerâmicas e ilustrar livros, incluindo o Rogers & Hart Songbook. “Ela era tão tenaz”, disse Jones. “Ela foi atrás de tudo. Muitas vezes ela era a única mulher que trabalhava com esses grupos de homens, e ela realmente conseguia se controlar. ”
Sua primeira missão para a Life, em 1939, foi comemorar o musical “Showboat”. Foi a primeira produção da Broadway com um elenco racialmente integrado, que ela retratou ensaiando. Life então a encarregou de pintar mulheres afro-americanas na Carolina do Sul “como uma fonte de inspiração da moda” para uma edição de 1941. Mais tarde, ela retrabalhou uma das nove gravuras de moda em “Siesta” (1944) – uma pintura vagamente erotizada de uma mulher negra dionisíaca – que ganhou o terceiro prêmio no desfile do Carnegie Institute. Seguiram-se atribuições no Norte da África, México, Cuba e Hollywood.
Lee não diferenciou muito entre sua arte fina e comercial. Um traço comum é sua descrição persistente de mulheres como felizes e confiantes, seja na fazenda ou em Hollywood. “Ela não se desculpa por suas mulheres e por sua alegria, o que eu acho que mostra uma grande dose de liberação”, disse Emily Lenz, diretora e sócia da D. Wigmore.
Seu trabalho se tornou mais simplificado e abstrato nas décadas de 1950 e 1960. Lee e Blanch eram próximos de Milton Avery e sua esposa, Sally Michel, e alguns argumentam que ela estava sob a influência deles. (Wolfe argumenta que era recíproco.) Lee estava passando mais tempo na Flórida e suas pinturas refletem o ambiente ensolarado e náutico.
Em 1968, Lee foi diagnosticado com Alzheimer. Ela morreu em 1983 em Clearwater, Flórida. Ela não teve filhos e em uma palestra de 1951 discutiu como isso irritava as pessoas. “Lembro-me de ouvir uma mulher dizer: ‘A coisa mais maravilhosa que uma mulher pode criar é sua família e seu lar e você nunca conhecerá esse sentimento’”, contou ela. Sua réplica: “E você nunca conhecerá a sensação de ser uma artista.”
Discussão sobre isso post