O uso do termo “autoridade” por Perl deve muito a Hannah Arendt, cujos dois ensaios “O que é autoridade?” e “O que é liberdade?” muito provavelmente o levou a aplicar suas meditações sobre poder e totalitarismo ao enigma de como as artes deveriam funcionar em uma sociedade livre. “Autoridade” para Arendt é um valor positivo. Ela observa que o termo deriva do latim aumentar, “Aumentar.” Ao reconhecer a autoridade, aumentamos, literalmente “acrescentamos”, as bases sobre as quais mantemos nossa ordem social. É, nas palavras de Perl, a “antiga tradição que os vivos abraçam”. Segue-se que a autoridade no melhor sentido da palavra é conservadora. É baseado em regras, convencional (novamente, no sentido positivo). Para Perl é “uma hierarquia de valores sobre a qual um grupo de pessoas concorda”. É o familiar, o canônico, o histórico. Implica valores coletivamente reconhecidos pelos quais julgamos algo, uma espécie de grade experiencial através da qual, consciente ou inconscientemente, encontramos e avaliamos nossas impressões, sejam elas familiares ou estranhas, reconfortantes ou perturbadoras. Assim, fala-se da “autoridade” do retângulo que emoldura uma pintura, da “autoridade” do soneto que organiza o enunciado do poeta, da “autoridade” da forma sonata que dá estrutura e sentido aos acontecimentos melódicos e harmônicos do discurso musical.
No léxico de Perl, “liberdade” é tanto o oposto de autoridade quanto seu complemento: é tudo o que é intuitivo, inventivo, que quebra as regras, fantasioso, arriscado, desafiador de gênero, revolucionário – em suma, compreende todos aqueles impulsos que desafiam as convenções e que, se bem cultivados, mantêm as artes vivas e em constante evolução. O arquétipo popular do artista criativo, o “gênio” radical, intransigente e inovador representa o lado mais glamoroso da “liberdade” da equação de Perl. Mas fosse Beethoven ou Van Gogh ou Emily Dickinson ou Jackson Pollock, cada um deles “intransigente” e “radical” na imaginação do público, todos tinham uma base firme na convenção e todos tinham o comando supremo das ferramentas de sua arte. “Liberdade artística”, escreve Perl, “sempre envolve o envolvimento com alguma ideia de ordem, que se torna uma autoridade que o artista entende e reconhece, mas à qual o artista não necessariamente se submete inteiramente”.
Apesar das preocupações ansiosas sobre a relevância forçada que inspirou o livro, “Autoridade e Liberdade” na maioria das vezes parece uma cornucópia de encontros reveladores que Perl teve com livros, poesia, música, pintura, escultura, arquitetura, cinema e dança. . Ele irradia puro prazer com suas respostas muito pessoais à arte de todos os tipos, escrevendo com calor e um sentimento de gratidão pelas muitas experiências de pico que teve em uma vida inteira de engajamento. Embora ele seja mais conhecido por seus ensaios críticos sobre pintura e escultura – Perl foi por anos colunista de arte para The New Republic – ele é um onívoro de todas as mídias. Às vezes, sua propensão para checar nomes ao longo dos séculos pode se tornar alucinante: um único parágrafo pode nos levar de Homero a Michelangelo a Mallarmé, Duchamp, Gertrude Stein e John Cage. Ele verá afinidades em todos os lugares – entre Picasso e Aretha Franklin, Mozart e Jane Austen, ou entre Balthus, Borges e Balanchine. Mas esses pontos de referência estão todos a serviço de seu principal leitmotiv: que a arte que perdura, que transcende o tempo e o lugar de sua concepção, é o produto de uma união alquímica de comando técnico, conhecimento de precedentes e uma concomitante determinação de romper com esse precedente.
“Somente quando os artistas se sentiram livres o suficiente para absorver os padrões e propósitos de uma forma de arte específica, eles podem começar a afirmar sua própria liberdade”, escreve ele. É outra maneira de reiterar o velho ditado: “Você precisa conhecer as regras para quebrá-las”.
Portanto, é desconcertante por que, após os repetidos alarmes de Perl sobre a ameaça de “relevância”, ele não dá exemplos do que exatamente ele vê que o incomoda tanto. Quem ele sente que está exercendo essa pressão para ser relevante? Ele está se dirigindo a museus, companhias de dança e teatro, orquestras sinfônicas, todos os pesos-pesados culturais que, particularmente na esteira do Black Lives Matter, estão redirecionando a energia para projetos voltados para a justiça social? São as fundações, muitas das quais estão agora direcionando seu financiamento para causas sociais? Ele aprovaria ou desaprovaria uma recente doação de US$ 300.000 da Hewlett Foundation ao California Shakespeare Theatre, que “redefine o teatro clássico através das lentes da equidade, diversidade e inclusão”? A pressão vem de críticos que escolhem qual arte discutir? Ou são os próprios consumidores de arte, públicos, frequentadores de galerias, leitores e ouvintes? Resta-nos ligar os pontos. Alguém se pergunta se o verdadeiro motivo de seu silêncio aqui é a ameaça agora familiar de ser cancelado. Como resultado, o livro tende a permanecer no “metaplano” a maior parte do tempo – sério e pensativo, mas sem o brio rabugento, o mijo e o vinagre de suas colunas de arte, como quando, por exemplo, ele escreveu sobre Sigmar Polke como “um cruzamento entre um provocador desleixado e um esteta brutal” que mistura “hedonismo fanático e desafeto ostensivo”.
O uso do termo “autoridade” por Perl deve muito a Hannah Arendt, cujos dois ensaios “O que é autoridade?” e “O que é liberdade?” muito provavelmente o levou a aplicar suas meditações sobre poder e totalitarismo ao enigma de como as artes deveriam funcionar em uma sociedade livre. “Autoridade” para Arendt é um valor positivo. Ela observa que o termo deriva do latim aumentar, “Aumentar.” Ao reconhecer a autoridade, aumentamos, literalmente “acrescentamos”, as bases sobre as quais mantemos nossa ordem social. É, nas palavras de Perl, a “antiga tradição que os vivos abraçam”. Segue-se que a autoridade no melhor sentido da palavra é conservadora. É baseado em regras, convencional (novamente, no sentido positivo). Para Perl é “uma hierarquia de valores sobre a qual um grupo de pessoas concorda”. É o familiar, o canônico, o histórico. Implica valores coletivamente reconhecidos pelos quais julgamos algo, uma espécie de grade experiencial através da qual, consciente ou inconscientemente, encontramos e avaliamos nossas impressões, sejam elas familiares ou estranhas, reconfortantes ou perturbadoras. Assim, fala-se da “autoridade” do retângulo que emoldura uma pintura, da “autoridade” do soneto que organiza o enunciado do poeta, da “autoridade” da forma sonata que dá estrutura e sentido aos acontecimentos melódicos e harmônicos do discurso musical.
No léxico de Perl, “liberdade” é tanto o oposto de autoridade quanto seu complemento: é tudo o que é intuitivo, inventivo, que quebra as regras, fantasioso, arriscado, desafiador de gênero, revolucionário – em suma, compreende todos aqueles impulsos que desafiam as convenções e que, se bem cultivados, mantêm as artes vivas e em constante evolução. O arquétipo popular do artista criativo, o “gênio” radical, intransigente e inovador representa o lado mais glamoroso da “liberdade” da equação de Perl. Mas fosse Beethoven ou Van Gogh ou Emily Dickinson ou Jackson Pollock, cada um deles “intransigente” e “radical” na imaginação do público, todos tinham uma base firme na convenção e todos tinham o comando supremo das ferramentas de sua arte. “Liberdade artística”, escreve Perl, “sempre envolve o envolvimento com alguma ideia de ordem, que se torna uma autoridade que o artista entende e reconhece, mas à qual o artista não necessariamente se submete inteiramente”.
Apesar das preocupações ansiosas sobre a relevância forçada que inspirou o livro, “Autoridade e Liberdade” na maioria das vezes parece uma cornucópia de encontros reveladores que Perl teve com livros, poesia, música, pintura, escultura, arquitetura, cinema e dança. . Ele irradia puro prazer com suas respostas muito pessoais à arte de todos os tipos, escrevendo com calor e um sentimento de gratidão pelas muitas experiências de pico que teve em uma vida inteira de engajamento. Embora ele seja mais conhecido por seus ensaios críticos sobre pintura e escultura – Perl foi por anos colunista de arte para The New Republic – ele é um onívoro de todas as mídias. Às vezes, sua propensão para checar nomes ao longo dos séculos pode se tornar alucinante: um único parágrafo pode nos levar de Homero a Michelangelo a Mallarmé, Duchamp, Gertrude Stein e John Cage. Ele verá afinidades em todos os lugares – entre Picasso e Aretha Franklin, Mozart e Jane Austen, ou entre Balthus, Borges e Balanchine. Mas esses pontos de referência estão todos a serviço de seu principal leitmotiv: que a arte que perdura, que transcende o tempo e o lugar de sua concepção, é o produto de uma união alquímica de comando técnico, conhecimento de precedentes e uma concomitante determinação de romper com esse precedente.
“Somente quando os artistas se sentiram livres o suficiente para absorver os padrões e propósitos de uma forma de arte específica, eles podem começar a afirmar sua própria liberdade”, escreve ele. É outra maneira de reiterar o velho ditado: “Você precisa conhecer as regras para quebrá-las”.
Portanto, é desconcertante por que, após os repetidos alarmes de Perl sobre a ameaça de “relevância”, ele não dá exemplos do que exatamente ele vê que o incomoda tanto. Quem ele sente que está exercendo essa pressão para ser relevante? Ele está se dirigindo a museus, companhias de dança e teatro, orquestras sinfônicas, todos os pesos-pesados culturais que, particularmente na esteira do Black Lives Matter, estão redirecionando a energia para projetos voltados para a justiça social? São as fundações, muitas das quais estão agora direcionando seu financiamento para causas sociais? Ele aprovaria ou desaprovaria uma recente doação de US$ 300.000 da Hewlett Foundation ao California Shakespeare Theatre, que “redefine o teatro clássico através das lentes da equidade, diversidade e inclusão”? A pressão vem de críticos que escolhem qual arte discutir? Ou são os próprios consumidores de arte, públicos, frequentadores de galerias, leitores e ouvintes? Resta-nos ligar os pontos. Alguém se pergunta se o verdadeiro motivo de seu silêncio aqui é a ameaça agora familiar de ser cancelado. Como resultado, o livro tende a permanecer no “metaplano” a maior parte do tempo – sério e pensativo, mas sem o brio rabugento, o mijo e o vinagre de suas colunas de arte, como quando, por exemplo, ele escreveu sobre Sigmar Polke como “um cruzamento entre um provocador desleixado e um esteta brutal” que mistura “hedonismo fanático e desafeto ostensivo”.
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