Desde o início da categoria de melhor filme de animação do Oscar em 2001, a Academia tem celebrado esporadicamente obras tematicamente maduras ao lado de potências de bilheteria destinadas a públicos de todas as idades. Esses títulos mais voltados para o público adulto são muitas vezes produções desenhadas à mão concebidas no exterior em outros idiomas que não o inglês e sem o envolvimento de grandes corporações.
Alguns desses candidatos notáveis incluem o romance ambientado em Cuba “Chico e Rita”, o drama poético em língua francesa sobre o destino, “I Lost My Body” e uma adaptação da graphic novel autobiográfica de Marjane Satrapi “Persepolis”.
Seu reconhecimento no Oscar ajuda a superar qualquer suposição de que a única virtude do meio é servir como veículo para narrativas voltadas para crianças.
Também evidencia que a indústria de animação americana, dominada pelos estúdios, raramente financia esse tipo de produção cinematográfica audaciosa. Uma exceção que ganhou um aceno da Academia é a meditação em stop-motion de Charlie Kaufman e Duke Johnson sobre solidão e companheirismo, “Anomalisa”.
O atual lote de candidatos que disputam uma vaga entre os cinco finalistas apresenta vários exemplos de narrativa com substância emocional abordando assuntos adultos com um toque visual idiossincrático.
Anteriormente indicado para a fantástica saga familiar “Mirai”, o diretor japonês Mamoru Hosoda volta a se interessar pelas vidas online que levamos – um tópico que ele assumiu em “Summer Wars” (2009) – com o emocionante e cheio de música , conto de fadas digital “Belle” (nos cinemas em 14 de janeiro).
Emprestando tropos de “A Bela e a Fera” da Disney de 1991, mas adaptado para se adequar à sua estética vibrante, Hosoda constrói um universo virtual conhecido como U, onde as pessoas coexistem na forma de avatares coloridos sob medida para seus traços físicos e personalidades.
Dentro deste reino intangível, o adolescente apreensivo Suzu (dublado por Kaho Nakamura) se transforma em uma estrela pop hiper-confiante. Mas quando um usuário problemático, um enigmático dragão encapuzado, começa a causar estragos, a realidade sangra nessa fuga aparentemente idílica. A ação empolgante, a construção de mundo inspiradora e a trilha sonora fascinante desmentem assuntos mais difíceis.
Com seriedade comovente, “Belle” enfrenta o lapso de comunicação entre pais e filhos, bem como a negligência e os abusos cometidos contra os jovens por seus responsáveis. Ainda assim, em vez de demonizar as interações que temos por meio de nossas personas na internet, Hosoda apresenta esse modo alternativo de engajamento como um caminho para uma conexão sincera.
Por outro lado, o drama de escalada de montanha fascinantemente imersivo “The Summit of the Gods” (transmissão na Netflix) mapeia uma história de dupla obsessão que se desenrola inteiramente em iterações animadas de locais existentes: Monte Everest, Alpes, Tóquio, todos não menos notáveis em representações pictóricas. O filme produzido na França (baseado no mangá de Jiro Taniguchi) retrata a atividade extenuante e perigosa como uma busca espiritual.
Determinado a alcançar o pico mais alto do mundo, o alpinista recluso Habu (dublado por Éric Herson-Macarel) passou anos se preparando para alcançá-lo sozinho. Ao mesmo tempo, o fotojornalista Fukamachi (Damien Boisseau) está em busca da câmera que pertenceu ao alpinista da vida real George Mallory, que morreu na face norte do Everest. Seus desejos separados logo se tornam inextricavelmente entrelaçados.
Antes de fazer “Summit”, o diretor Patrick Imbert atuou como diretor de animação em projetos hiper estilizados, como a aclamada fábula “Ernest and Celestine”. Mas aqui, seu primeiro esforço de direção solo, há uma abordagem mais austera ao design de personagens para fazer a exploração do anseio humano pelo desconhecido, e não a estilização, o foco. Embora a maioria de nós possa nunca entender o que leva as pessoas a arriscar tudo em tais altitudes, “Summit” tenta nos aproximar desse zênite tanto quanto possível por meio de impressões sensoriais.
Permanecendo em nosso mundo real suficientemente complicado, dois filmes este ano reforçam uma tendência que aponta a animação como um caminho para entender os meandros culturais e geopolíticos do Afeganistão. Essas entradas se juntam a destaques recentes, como o indicado ao Oscar do Cartoon Saloon “O Ganha-Pão” e o título francês comovente “As Andorinhas de Cabul”.
Primeiro, há a já multipremiada odisseia de refugiados “Flee”, de Jonas Poher Rasmussen, uma peça de não-ficção que traça a traiçoeira trajetória de um jovem de Cabul dos anos 1980 em tumulto até a segurança de seu lar adotivo em Copenhague. O sujeito, Amin (pseudônimo usado para proteger sua identidade), fez amizade com o cineasta quando ambos eram adolescentes.
Dada a gravidade das circunstâncias retratadas e que elas são baseadas em fatos reais, “Flee” lembra “Waltz With Bashir”, de Ari Folman, um documentário animado de Israel que foi indicado ao Oscar de melhor filme internacional em 2009.
A animação capacitou Rasmussen e sua equipe a materializar as memórias mais nebulosas e traumáticas de Amin de maneira lírica e permitir que os espectadores entrassem no passado não apenas como aconteceu, mas também como ele o experimentou, com um imediatismo vívido e ressonante. Subjacente à sua perigosa passagem está a ocultação de Amin de sua orientação sexual.
“Flee” (nos cinemas) faria história no Oscar se recebesse indicações nas três categorias de animação, documentário e longa-metragem internacional (representando a Dinamarca).
Sua presença marcante nesta temporada de premiações, já tendo ganho o prêmio de melhor filme de não-ficção do New York Film Critics Circle e o prêmio de melhor animação da Los Angeles Film Critics Association, fornece um excelente estudo de caso para o mérito e eficácia da animação em todos os gêneros e gêneros. formatos.
O outro relato contundente que ocorre no Afeganistão, embora décadas depois, “My Sunny Maad”, recebeu uma indicação surpresa do Globo de Ouro em apuros. A experiente animadora tcheca Michaela Pavlatova, que foi indicada ao Oscar por seu curta-metragem de 1993 “Palavras, Palavras, Palavras”, aqui faz seu primeiro longa de animação com este drama doméstico baseado em um romance de Petra Prochazkova.
A estudante tcheca Herra (dublada por Zuzana Stivinova) se muda para Cabul depois de se casar com um afegão. Incapaz de ter filhos, eles adotam o tímido órfão Maad (Shahid Maqsoodi) para formar um núcleo amoroso, mas a dinâmica doméstica com os membros da família estendida, bem como a crescente agitação nacional, pressiona continuamente seu casamento.
Embora até agora tenha tido apenas uma corrida limitada de qualificação para prêmios nos cinemas, este filme implacavelmente comovente merece grande atenção. Misturando realismo mágico subjugado com verdades duras não filtradas, Pavlatova aborda a posição vulnerável das mulheres em uma sociedade estritamente patriarcal.
Embora os concorrentes mencionados anteriormente sejam produções internacionais, dois raros títulos independentes americanos também se aprofundam em temas adultos: a aventura maluca de Dash Shaw “Cryptozoo” (streaming no Hulu) e o macabro épico de fantasia de Morgan Galen King e Philip Gelatt “The Spine of Night” (disponível sob demanda).
Uma explosão de invenção despretensiosamente profunda, “Cryptozoo” centra-se em inúmeras criaturas mitológicas, conhecidas como cryptids, sendo assombradas tanto por aqueles que desejam exibi-las em um parque de diversões quanto pelos militares dos EUA para serem usados como armas.
Tanto “Cryptozoo” quanto “Spine” são adições bem-vindas ao cenário de filmes animados maduros nos Estados Unidos que por muito tempo teve poucos modelos ferozmente autônomos, como o animador veterano Bill Plympton e o prolífico Don Hertzfeldt, que conseguiram manter o controle criativo total de suas comédias idiossincráticas trabalhando com recursos limitados.
Quer isso signifique beneficiar de fundos estatais europeus (“The Summit of the Gods, “Flee”, “My Sunny Maad”), estabelecer uma empresa auto-suficiente (como o Studio Chizu de Hosoda) ou tornar-se habilmente frugal para sustentar uma carreira, o comum denominador entre esses filmes parece ser que eles existem fora dos sistemas que impedem todo o potencial da animação.
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