Já faz um tempo desde que um desfile da New York Fashion Week atrasou uma hora e quase ninguém se importou.
Algum tempo depois daquele tipo de energia criativa anárquica – o tipo que uma vez definiu o espaço conhecido como “centro”, onde as pessoas subiam as escadas precárias de um cortiço no Lower East Side para ver Miguel Adrover fazer um vestido com o velho colchão de Quentin Crisp e derrubar o status quo — era suficiente para ocupar um quarto.
Isso não é apenas porque o Covid-19 congelou tudo por dois anos, mas porque um certo comportamento educado e bem-comportado se tornou uma característica definidora da moda de Nova York – uma estética anestesiante que prezava o bonito acima do risco, palatável ao explosivo. . Houve a exceção ocasional gritantemente ambiciosa, como o mosh pit de Telfar em 2019 e o Kings Theatre de Kerby Jean-Raymond, mas principalmente, enquanto os trens funcionavam na hora, eles não foram muito longe.
É por isso que foi notável, tarde de uma noite de sexta-feira, quando o mês da moda começou, que uma multidão de pessoas em plataformas altas e volumosos moletons e coisas de esconde-esconde estava (de pé!) esperando no Shed, o teatro em Hudson Yards, em uma sala bifurcada por andaimes de metal e uma passarela, quicando dos pés aos pés por mais de uma hora, esperando o show de Shayne Oliver começar.
Esperando, na verdade, o próximo estágio da moda de Nova York começar.
Afinal, se alguém iria explodir tudo, seria o Sr. Oliver, cuja antiga gravadora, Hood by Air, era uma brincadeira sem remorso pelos campos da transgressão. Ele saiu de moda em 2017, mas agora ele estava de volta – não com um desfile normal, mas com uma extravagância de roupas de música artística de três dias chamada “Headless”, que envolveu a estreia de sua linha homônima e um plano para interromper o sistema.
Ele fez?
Não inteiramente. Ele cruzou cristais Swarovski prateados e jaquetas pretas de ombros pontiagudos, shorts curtos e botas wader-size com dedos alongados de aves de rapina, chapéus com tesão e vestidos de cetim rasgados. Havia muitas tiras e muita pele. Modelos (homens e mulheres) tinham muitos piercings e carregavam rosas brancas. Um usava uma bolsa Telfar brilhante como um peitoral; outro tinha óculos. Alguns vieram embrulhados no que parecia ser papel. No final, Eartheater, a musicista pop industrial também conhecida como Alexandra Drewchin, apareceu em um longo vestido branco rasgado como uma espécie de noiva demônio interdimensional chorando em um microfone.
Metade do tempo nem o público nem as pessoas no show pareciam ter alguma ideia do que estava acontecendo ou para onde deveriam estar andando. Não importava necessariamente; o ponto era menos as roupas reais do que a energia que elas geravam. Pelo menos eles estavam em movimento. Pelo menos eles estavam indo para algum lugar, e não apenas em círculos.
Neste ponto, esse senso de impulso pode ser o que precisamos.
Avante!
O que gruda nos dias de hoje, quando os períodos de atenção são curtos e a competição alta (e não apenas nas Olimpíadas)?
Definitivamente, a aparição de Julia Fox como a abertura do show de LaQuan Smith, recém-saída de seu rompimento com Kanye West, no vestido de vingança final: um tubo de gola alta preta com uma troika de grandes recortes ao redor do peito, um vestido em forma de T artisticamente colocado tira de tecido atraindo a atenção em todas as direções sugestivas; um bom exemplo da aplicação prática do que pode parecer a moda mais impraticável.
O retorno à passarela das inovadoras modelos negras Beverly Johnson e Veronica Webb na piada de Sergio Hudson de um desfile de moda dos anos 1980 em estampas de girafas gigantes e ternos de Palm Beach. A aparição na primeira fila do prefeito Eric Adams na celebração de Michael Kors em Nova York à noite através de casacos, vestidos tipo collant com recortes curvilíneos na lateral e terno trespassado afiado com dupla face e cristal.
Mas também algumas roupas.
O top orgânico de botão de rosa preservado e a saia de Olivia Cheng na Dauphinette, por exemplo, e seu casaco preto reciclado com botões de pérolas brilhantes soletrando “Nova York”. O denim showgirl salpicado de strass da Area. A estampa de cachorrinho pet-me e os tricôs Frankenstein da Puppets & Puppets.
A reinvenção do vestido de sereia, cortesia de Joseph Altuzarra, coroando um lindo amálgama de marinheiros urbanos e sereias em longos kilts de couro plissados e casacos de lã marinha com gola de pele de carneiro; estampas em aquarela laranja e bordô e bainhas de tricô em escama de peixe, tudo isso complementado por moedas de baú de tesouro e conchas de búzios. No final, dois vestidos feitos inteiramente de lantejoulas gigantes de ouro e bronze passaram, os paillettes farfalhantes anunciando sua presença muito antes de eles chegarem.
Como uma ideia de entrada (um vestido com sua própria trilha sonora embutida!), ele foi acompanhado apenas pela reinvenção de Peter Do do terno em preto, branco, bege e cinza, as cores deixadas monocromáticas ou justapostas umas contra as outras em crescentes de contraste.
As mangas eram abertas nas costuras para criar braços canelados; os ombros curtos semelhantes a boleros vieram em malhas caneladas com braços extra longos em cima de camisas de smoking; calças giravam em torno das panturrilhas; e o traje de noite era simplesmente uma frente falsa de lapelas semelhantes a cabresto, estendendo-se até o chão. Presos pelo mais fino cordão de couro preto na cintura, eles desnudavam as costas e os braços, emoldurados por sobretudos caídos dos ombros e drapeados nos cotovelos como uma estola de ópera.
O resultado não foi um smoking, não foi um vestido – foi outra coisa.
Adeus a tudo isso
Mas o bom gosto da cidade alta que era sinônimo de certo tipo de designer de Nova York parece cada vez mais irrelevante; uma relíquia de uma era menos marcada pela crise. É por isso que a ode emocional de Brandon Maxwell para sua avó, agora sofrendo de Alzheimer, parecia uma metáfora tão pontual. Um adeus não apenas a uma pessoa, mas a tudo isso em preto e branco, tricô e seda amassada, cinturas marcadas e silhuetas de meados do século.
É por isso que o romance despojado de Jason Wu, com laços e botânicos desbotados em vestidos de dança esportivos e bermudas, parecia sufocado por sua propriedade elegante, e o desfile de vestidos de entrada com saias rodadas de Wes Gordon e vestidos de coquetel de topiaria de tule e bainhas florais em Carolina Herrera pareciam perdidas sem o espaço seguro de uma gala.
É por isso que a sutil travessia de fronteiras de Gabriela Hearst, que une sofisticação (gabardinas de couro, ternos esvoaçantes) e o que costumava ser descartado como “artesanato” – vestidos de macramê, malhas grossas, adornos de cristal curativos – não registra tão poderosamente quanto talvez devesse .
E é por isso que a modernidade fria e elegante do espartilho e da crinolina na Proenza Schouler, onde vestidos e ternos foram construídos em três partes de blocos de cores – tops, cintura, bottom – para que torsos estreitos florescessem em saias, casacos e jaquetas drapeadas. veio com seu próprio “cinto” de malha e a cintura das calças foi abaixada para criar um peplum no quadril, parecia muito seguro.
Por acaso, um conto de Ottessa Moshfegh (uma escritora que se tornou uma musa inesperada da moda) intitulado “Para onde iremos a seguir?” foi entregue no show. Foi uma boa ideia, embora também tenha servido, infelizmente, para esclarecer o fato de que a coleção não tinha realmente uma resposta.
Então, o que vem depois?
Para isso, veja Mike Eckhaus e Zoe Latta, da Eckhaus Latta, comemorando seu 10º ano de atividade.
Eles realizaram seu show no antigo Essex Market, um labirinto interno de prateleiras e balcões refrigerados antigos que já serviu como o coração do bairro de Lower East Side e agora está programado para demolição para dar lugar a um arranha-céu. No interior, os tetos vazavam cabos elétricos e os pisos de cerâmica estavam rachados, mas o clima era de celebração, permeado por uma sensação de passado comunitário, mas também presente.
Esse sempre foi o fio condutor de seu trabalho, desde o casting de amigos e familiares em todas as formas e tamanhos até as roupas, que possuem uma inteligência astuta singular que evita a fácil categorização: subversiva sem ser agressiva e intensamente tátil.
Lantejoulas nude cobriam saias e vestidos transparentes como escamas de peixe cintilantes; o denim era rasgado em franjas de seda ou cerzido com mohair de crochê; e cota de malha em forma de ameba foi juntada em um vestido. Camadas foram usadas para revelar pedaços de carne em lugares inesperados, como a parte interna da coxa e logo abaixo das nádegas. As cores eram papel alumínio, sangue de boi, chocolate e sapo. Terminou com um cara em um vestidinho preto, fechado nas costas.
O efeito foi de um banquete gigante que pode se transformar em uma festa chave. O assunto era destruição e ressurreição ao mesmo tempo. Uma década atrás, isso fez Eckhaus Latta forasteiros (onde estava o bonito?), mas agora os torna visionários.
“O futuro são as pessoas andando na rua rindo”, dizia o poema em prosa distribuído no show, junto com uma revista cheia de lembranças de Eckhaus Latta e associações de pessoas que usam a marca; para quem está inserido em suas vidas.
No momento, parecia perfeitamente possível que eles estivessem certos.
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