Eu tive um pensamento recorrente durante a temporada de inverno do New York City Ballet: Graças a Deus por Jovani Furlan. Ele levanta o clima quando dança. Ele é sexy sem ser brega, um parceiro atencioso e alegremente sintonizado com o momento. George Balanchine costumava perguntar a seus dançarinos: “O que você está esperando? Para que você está guardando isso?” Se Furlan está guardando alguma coisa, não sei dizer.
No sábado, Furlan foi nomeado dançarino principal – junto com Harrison Ball e Peter Walker – o que foi gratificante, mas não uma surpresa completa. Os dançarinos principais estão caindo como moscas. No outono, quando o City Ballet retomou as apresentações após o desligamento, Maria Kowroski, Lauren Lovette, Ask la Cour e Abi Stafford se aposentaram da empresa. Nesta temporada, Teresa Reichlen e Gonzalo Garcia se juntaram a eles. Amar Ramasar deixará o cargo na primavera.
Mas Garcia, cuja última apresentação foi no domingo, não vai longe. Este mês, vai juntar-se à equipa artística como director de repertório, onde, a julgar pelo seu espírito jovial e generoso, será muito requisitado. No domingo, depois de um trecho de “Rotunda”, Justin Peck, coreógrafo do balé, carregou ele mesmo Garcia para fora do palco, de lado, como um tapete enrolado. Garcia, aninhado em seus braços e sacudindo o pulso com um floreio, uivava de tanto rir. As apresentações de despedida podem ser tristes e, embora houvesse um punhado de dançarinos soluçando durante as reverências finais, o evento de Garcia foi principalmente feliz – como um agradecimento de ambos os lados do palco.
Em sua performance final, que também incluiu “Opus 19/The Dreamer” – Sterling Hyltin e Tiler Peck dividiram o papel principal feminino para que Garcia pudesse dançar com os dois – e “Prodigal Son” (com uma deslumbrante Sara Mearns como a sereia), ele era sério: elegante e magro, dançando com uma nobre simplicidade.
Em um filme curto (e sentimental) sobre sua carreira por seu marido, Ezra Hurwitz, Garcia, 42 anos, disse: “Tudo tem hora. Agora é a hora de uma nova geração crescer e aproveitar, e eu quero fazer parte desse crescimento.”
Ele está certo sobre uma coisa: nesta temporada, mais do que qualquer outra na memória recente, ficou claro que uma nova geração está assumindo o City Ballet. Pouco antes do início do noivado de inverno, sete dançarinos foram promovidos a solista; agora eles são acompanhados pelos três novos homens principais. E você pode ver a preparação para a próxima rodada de promoções bem diante de seus olhos: Chun Wai Chan, ex-diretor do Houston Ballet que ingressou no City Ballet em agosto, deve estar perto do topo da lista, junto com Roman Mejia, cujo “ A estreia de Rubies foi atlética, robusta, elegante – um sinal de coisas dinâmicas por vir.
Mas houve muita dança boa nesta temporada, e começou no topo, com um par de diretores veteranos, Mearns e Megan Fairchild, que se tornam mais luminosos a cada temporada que passa porque são muito eles mesmos no palco. Experiência e maturidade são dons para dançar. Não quero que se sintam velhos; eles não dançam assim. De Fairchild, cuja foto é apresentada em pôsteres do lado de fora do Lincoln Center e na capa da Playbill, há uma verve impecável e aparente deleite. Ela é um tesouro.
E Mearns opera em outro plano inteiramente, de todos. Nesta temporada, ela caiu mais uma camada – não de artifício, ela nunca teve isso – mas do tipo de verniz performativo que qualquer artista de dança tem. Em um trabalho após o outro – “Walpurgisnacht Ballet”, “La Valse”, “Slaughter on Tenth Avenue” e uma particularmente arrebatadora “Mozartiana” – ela foi sem esforço, até de alguma forma casual dentro do drama da dança do balé.
Duas bailarinas mais jovens, recentemente promovidas a solista, apontaram para o futuro: Emily Kikta e Mira Nadon. Suas estreias coléricas em “The Four Temperaments” e seus retornos à garota alta em “Rubies” mostraram suas diferentes maneiras de segurar o palco, de se gravar na música. O entusiasmo e a varredura de Kikta são sempre absolutos – e meio chocantes, mesmo que você tenha uma ideia do que esperar.
E a grandeza de Nadon oferece um tipo raro de esplendor. Com um sorriso secreto, como se estivesse guardando algo para si mesma, ela está em um estado contínuo de alongamento incandescente – esticando-se mais, inclinando-se ousadamente e sempre, ao que parece, buscando mais espaço. A maneira como ela entrelaça os passos e o poder dramático tem pressa e flutuabilidade. Ela dançaria daquele jeito se ninguém estivesse olhando? Provavelmente.
O que você entende no City Ballet, uma surpreendente companhia de indivíduos, é o senso de linhagem. Dentro da mudança de gerações está a invariável passagem de papéis de um dançarino para o outro, e o que é nitidamente aparente é que esses balés foram feitos em pessoas específicas. Quando novos dançarinos os assumem, eles se entregam ao papel; essa é a questão. Quem não gostaria de ver Indiana Woodward se empenhar em alguma coisa? Seu espírito brilhante e aberto é revelado toda vez que ela pisa no palco.
Em “Sonatine” de Balanchine, Woodward, um diretor recentemente nomeado, e Antony Huxley, eram delicados e líricos; juntos, seus corpos cantavam. Como dançarina, Woodward é tão ensolarada quanto Furlan, mas sua estreia em “La Valse”, de Balanchine, também para Ravel, mostrou um outro lado: a forma como sua inocência se derreteu quando ela foi seduzida pela figura da morte foi assustadoramente gradual, e tudo o mais surpreendente por causa disso.
Unity Phelan e Furlan, em “Tschaikovsky Pas de Deux”, de Balanchine, mostraram uma bravura excitante e brilhante, enquanto, em “The Four Temperaments”, Gilbert Bolden III, brilhando em Sanguinic ao lado da impressionante Isabella LaFreniere, foi impressionantemente ousado. Emilie Gerrity trouxe sua elegância não afetada para partes em um par de danças brilhantes: “Moves”, de Jerome Robbins, um balé executado em silêncio; e “Summerspace”, de Merce Cunningham, que também contou com a hipnotizante Ashley Laracey, que parece ter descoberto uma nova dimensão em sua dança.
Aqui e em “The Unanswered Question”, Laracey, como a mulher inatingível, era fascinante – tão misteriosa e fantasmagórica quanto outra dançarina, Miriam Miller, era glamourosa e inebriante em carne e osso. Na represália de Miller à Sereia em “Filho Pródigo”, bem como em um novo papel, a Stripper em “Abate na Décima Avenida”, ela estava mais segura do que o normal, trazendo força ao seu esplendor.
Dançando com Walker – um hoofer brincalhão e espirituoso – Miller mergulhou para trás em seus braços, chutou as pernas com entusiasmo. Que flerte! Foi um tour de force, divertido e lindo a cada passo do caminho.
Como um todo, a temporada, que começou tarde por causa das interrupções causadas pela variante Omicron, foi desigual em termos de programação. Alguns shows pareciam perfeitos no papel – o que poderia estar errado com a mistura de “Mozartiana”, “Rubies” e “La Valse”? — mas no final, senti-me laboriosa. Uma coisa boa sobre a programação de pandemia do outono foi que não havia intervalos e menos chance de os shows se arrastarem. Nesta temporada, os intervalos voltaram junto com algo ainda mais indesejável: o estranho e fora de contexto “Cisne Negro Pas de Deux” de Peter Martins de “O Lago dos Cisnes”. Combiná-lo com “O Lago dos Cisnes” de um ato de Balanchine foi mistificador.
O melhor programa da temporada era tão variado que tinha o que os outros não tinham: o equilíbrio de mundos díspares. Da selvageria de “Walpurgisnacht Ballet” à estranheza de “The Unanswered Question”, a força silenciosa de “Moves” e, finalmente, a comédia estridente de “Slaughter on Tenth Avenue”, ela se espalhou. Programar é tão arte quanto dançar.
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