Na quarta-feira, o 75º Festival de Cinema de Cannes estendeu o tapete vermelho para Tom Cruise, enquanto caças franceses rugiam no céu, deixando rastros de fumaça em vermelho, branco e azul. Mais uma vez, o festival e Hollywood uniram forças para declarar seus valores compartilhados – liberté, égalité, fraternité, publicité! – enquanto entregava um espetáculo militarista que instantaneamente se tornou notícia mundial. A mensagem era ensurdecedora e estrategicamente direta: depois de alguns anos difíceis, Cruise estava de volta em força e Cannes também.
Cruise estava no festival para uma exibição especial de “Top Gun: Maverick”, a sequência de seu sucesso de bilheteria de 1986. Embora sua aparição no festival de cinema mais prestigiado do mundo possa parecer estranha, foi de acordo com este evento, onde a cinefilia é profunda. E embora esse amor seja sincero, Cannes sempre apostou em estrelas para gerar relações públicas e manter o capital fluindo. “The Lost Weekend” de Billy Wilder esteve em competição no primeiro festival em 1946 (venceu), poucos meses depois de a França e os Estados Unidos assinarem um acordo que abre a França aos produtos americanos, incluindo filmes.
“Mostre-me o dinheiro!” como Cruise disse em “Jerry Maguire”, um dos filmes apresentados em um vídeo de homenagem ao astro na noite de sua estreia. Em mais de 13 minutos, este carretel de destaques saltou sobre a carreira de décadas de Cruise. Ele também logo entrou em território semioticamente confuso quando fez a abertura triunfal de “Also Sprach Zarathustra”, de Strauss, que memoravelmente toca em “2001: Uma Odisseia no Espaço” quando o homem-macaco percebe que um osso pode se tornar uma arma. Cruise era o novo homem ou o filho da estrela? Eu me perguntei. Ou isso foi um aceno para Kubrick, que dirigiu Cruise em “De Olhos Bem Fechados”?
Seja qual for o caso, Cruise assumiu Cannes na quarta-feira, respondendo a perguntas em um evento e permanecendo no tapete vermelho em sua estreia, onde sorriu para os fãs e deu autógrafos. Quando ele entrou no Grand Théâtre Lumière, o teatro de 2.300 lugares na sede do festival, a exibição estava atrasada e o público – que assiste as entradas do tapete vermelho ao vivo na tela grande – estava animado. Depois que o diretor do festival, Thierry Frambux, convocou a estrela ao palco, Cruise agradeceu a todos e observou que podia ver os rostos de todos (“sem máscaras”), provocando risos altos.
Eu não participei, não que alguém soubesse a diferença, já que eu estava usando uma máscara N95. Este é o primeiro Cannes que participo desde 2019; foi cancelado em 2020 e retomado presencialmente no ano seguinte com diversos protocolos Covid-19. Anúncios gravados antes das exibições continuam a encorajar os festivaleiros a se mascararem, mas coberturas faciais e testes negativos regulares não são mais necessários. E embora o público aparentemente tenha aumentado este ano, tanto o festival quanto as ruas da cidade ao redor parecem nitidamente menos populosos do que em tempos pré-pandemia.
Em nível de saúde pública, a ausência de protocolos Covid é questionável, mesmo que esteja de acordo com o relaxamento das restrições em toda a França. Se Cannes está ansiosa para sair da pandemia, é em parte porque depende (financeiramente ou não) da continuidade, inclusive em seu papel de defensora do cinema. Streaming, a pandemia, uma guerra na Europa — o show vai continuar e será projetado. “Adoramos filmes na tela grande”, disse Cruise logo antes de Frambux presenteá-lo com uma Palma de Ouro honorária. Um dia antes, Forest Whitaker – ele e Cruise estavam em “A Cor do Dinheiro” – também recebeu um.
Cruzeiros à parte, os primeiros dias do festival (que termina em 28 de maio) foram relativamente tranquilos, apesar dos gemidos dos participantes que lutam para navegar no sistema de ingressos online. Embora a emissão de ingressos tenha melhorado, pelo menos para os jornalistas, ouvi dizer que vários programadores passaram a assistir links em seus aluguéis aqui. Pode parecer engraçado, mas é chato porque estar com outras pessoas, mascarados ou não, é crucial para Cannes, onde os filmes não são apenas exibidos e discutidos, mas também comprados e vendidos. E, como a pandemia ressaltou, estar com outras pessoas pode ser muito bom.
A vibração relativamente discreta do festival também é em parte uma função dos filmes que foram exibidos até agora. Outros participantes foram mais favoráveis do que eu à comédia zumbi de Michel Hazanavicius, “Final Cut”, que abriu o festival na terça-feira e confirma que algumas coisas, incluindo humor, não podem ser traduzidas. O filme foi facilmente ofuscado em sua grande noite pelo presidente Volodymyr Zelensky da Ucrânia, que se dirigiu ao público por satélite. Zelensky citou “O Grande Ditador”, o filme de 1940 em que Chaplin satirizou Hitler. No ano seguinte, foi denunciado como propaganda belicista no Senado dos Estados Unidos.
Em Cannes ou em Hollywood, a política sempre faz parte do mix de filmes, seja uma longa ode ao complexo industrial militar como “Top Gun: Maverick” ou uma crítica à mitologia russa como “A esposa de Tchaikovsky”. Dirigido por Kirill Serebrennikov, “Esposa” conta a história do casamento entre o compositor, Pyotr (Odin Biron), e a jovem Antonina Miliukova (uma soberba Alyona Mikhailova), a personagem-título. Profundamente inadequados um para o outro, os dois logo entram em uma coexistência infernal antes de seguirem seus caminhos mutuamente infelizes. Ele se torna um monumento nacional; ela desce à pobreza e à doença mental.
Serebrennikov (“Leto”), que foi objeto de censura oficial russa, adota uma abordagem implacável a esse material. Embora o filme comece com sorrisos e vestidos bonitos, o clima e o estilo visual mudam quando Pyotr e Antonina se casam. O que ela não entende – o que ela não consegue entender, em parte porque a ideia é incompreensível para ela – é que Pyotr não está interessado em mulheres. Ele vive em um mundo de homens, que o nutre artisticamente, intelectualmente e, embora o filme seja discreto, sexualmente. Uma sensação de claustrofobia desce e a paleta se enfraquece em meio ao zumbido das moscas.
A “Esposa de Tchaikovsky” é mais fácil de admirar do que de amar. A crueldade implacável do filme pode ser brutalmente verdadeira, mas também não deixa muito espaço para o espectador respirar. No momento em que Antonina está definhando em uma choupana com seu amante tuberculoso, que se masturba enquanto tosse sangue por todo o travesseiro, você pode estar desejando um pouco de “O Quebra-Nozes” para ajudar a aliviar a dor. Mas Serebrennikov fez um filme complexo com o qual lutar, que explora a intolerância, a repressão e – em um nível fundamental – o preço brutal que alguns são forçados a pagar quando uma cultura eleva seus grandes homens.
Dirigido por Felix Van Groeningen e Charlotte Vandermeersch, “As Oito Montanhas” gira em torno de uma amizade entre dois meninos – um da cidade, outro do campo – que começa em sua infância bucólica. À medida que crescem, Pietro (Luca Marinelli) e Bruno (Alessandro Borghi) seguem caminhos separados, reencontram-se, fracassam, triunfam e tropeçam novamente. Com beleza pastoral, um profundo sentimento de saudade, alusões à crise econômica de 2008 e algumas sequências de montagem a mais, o filme explora questões de identidade em um mundo em que tudo foi reduzido ao seu valor econômico.
Em “Scarlet”, o diretor Pietro Marcello atravessa o tempo através da história de um veterano da Primeira Guerra Mundial e sua filha. Os mortos ainda cobrem os campos quando Raphaël (Raphaël Thiéry, um espanto) manca de volta para casa, retornando a uma pequena aldeia com poucos rostos amigáveis. Sua esposa está morta e sua filha, Juliette, está sendo cuidada por uma mulher local, Adeline (a maravilhosa Noémie Lvovsky), que mora em um pequeno enclave fora da aldeia. Lá, Raphaël – um artesão talentoso que trabalha com madeira – se aninha em uma pequena comunidade caseira e tenta dolorosamente retomar algo como a vida normal, apesar de suas perdas angustiantes.
“Scarlet” é um filme fascinante e escorregadio cheio de beleza lírica, atos de barbárie, momentos de magia e esperança inesperada. A primeira metade se concentra em Raphaël, um homem enorme e desajeitado com uma sobrancelha saliente e mãos do tamanho de presuntos. À medida que Juliette cresce (e acaba sendo interpretada por Juliette Jouan), o centro de gravidade narrativo muda de pai (um produto do século 19) para filha (uma mulher do século 20). Como fez em “Martin Eden”, Marcello adota uma abordagem expansiva e visualmente aventureira de uma história sobre pessoas e as forças históricas que as definem, aprisionam e às vezes as libertam. Eu ainda estou lutando com o filme, e estou ansioso para vê-lo novamente.
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