Em Cannes, cineastas enfrentam desespero e beleza também

CANNES, França – No início da noite de quarta-feira, “Elvis”, de Baz Luhrmann, assumiu um agradecido Festival de Cinema de Cannes, que depende de glamour, nostalgia, carne jovem nua e atenção da mídia internacional para sustentar seu aparato. A Hollywood contemporânea pode estar se esgotando e sem ideias; certamente tem pouco em comum com os melhores filmes produzidos hoje. Mas Hollywood é uma construção útil – parte fetiche nostálgico, parte porta-estandarte simbólico – que Cannes usa a seu favor.

Dado o estado dos grandes estúdios americanos, que lançam relativamente poucos filmes e pouco de genuinamente novo, é quase um choque que eles tenham qualquer coisa que Cannes queira. Mas o festival, que está comemorando seu 75º aniversário, sempre conseguiu contornar as crises que afetam a indústria cinematográfica americana. Sobreviveu ao fim do antigo sistema de estúdios e à ascensão do conglomerado Hollywood; continua a resistir na era do streaming. E embora Cannes tenha a reputação de templo da alta arte, é uma plataforma de relações públicas com enorme alcance: seu tapete vermelho circunda o mundo.

E assim, na semana passada, Tom Cruise esteve aqui com “Top Gun: Maverick” (da Paramount) acompanhado por caças expelindo fumaça vermelha, branca e azul. Esta semana, foram Luhrmann e “Elvis” (Warner Bros.) que levaram o festival ao delírio. Como na maioria dos festivais, os participantes (jornalistas incluídos) tendem a ser favoráveis ​​ao que estão prestes a assistir; afinal, eles fazem parte de um clube exclusivo. Então, quando Luhrmann e sua equipe entraram no teatro Lumière de 2.300 lugares para a estreia, as pessoas se levantaram aplaudindo ruidosamente. Eles continuaram batendo palmas durante toda a exibição.

Eu, bem, eu estava ocupado tirando meu queixo do chão enquanto fazia as perguntas realmente grandes. O que é isto? É mesmo um filme? Esses foram alguns dos pensamentos que passaram pela minha cabeça e no meu caderno enquanto eu assistia “Elvis”, que, se nada mais, dá um treino para seus olhos. Frenético e descontroladamente cheio – com personagens, locais, lindos biquinhos e grandes sucessos – a imagem que não parava de vir à mente era de uma piñata explodindo. Especificamente, o filme evocou aquele momento evanescente quando o conteúdo cristalizado colorido da piñata voa no ar, logo antes de se espalhar no chão em uma bagunça profana.

Itens caros como “Top Gun” e “Elvis” geram o maior clamor em Cannes, mas são apenas duas das dezenas de filmes que serão exibidos no festival até o sábado. O papel desproporcional de ofertas como “Top Gun” aqui reflete o desequilíbrio na indústria maior, onde as bilheterias e a mídia são dominadas pelos blockbusters da Marvel e seus super-heróis. O filme número 1 na França esta semana (e último) é “Doutor Estranho no Multiverso da Loucura” da Marvel. Também está no topo das bilheterias na Tailândia, Alemanha, Austrália, México, África do Sul, Filipinas e assim por diante.

Há filmes de cada um desses países no festival deste ano, seja na programação oficial, no Cannes Film Market ou em um dos eventos simultâneos que decorrem em paralelo ao evento principal. Um desses programas independentes, a Semana da Crítica, apresentou de forma inteligente “Aftersun”, a estreia do longa da diretora escocesa Charlotte Wells e um dos filmes mais fortes que já vi. Uma peça de memória ambientada em grande parte no passado próximo, traça o tempo de uma jovem com seu pai durante as férias de verão, um idílio que com sensibilidade e grande controle Wells escurece, levando a um clímax devastador. (A boa notícia é que a A24 escolheu o filme para distribuição americana.)

O declínio na exibição teatral é uma das razões pelas quais festivais como Cannes são ainda mais cruciais para o cinema não industrial. Em um ponto, temo, esses tipos de eventos serão o único lugar para ver filmes internacionais e outros chamados títulos especializados. Na semana passada, no dia em que assisti “Forever Young”, drama cinético da diretora ítalo-francesa Valeria Bruni Tedeschi, li que o Multiplex de referência havia fechado em Los Angeles, onde moro. Embora não seja universalmente amado, “Forever Young” é o tipo de lançamento que poderia ter sido lançado no Landmark. Mas o lado independente da indústria foi atingido pela pandemia, embora, na verdade, a Covid apenas intensificou a precariedade do que era um ecossistema já frágil.

Apesar dessa fragilidade, o público em grandes cidades americanas ainda terá a oportunidade de ver as últimas ofertas de diretores estabelecidos como Park Chan-wook (aqui com “Decision to Leave”) e David Cronenberg (“Crimes of the Future”). Ambos têm histórico e distribuidores que lançarão esses filmes nos cinemas, mesmo que apenas para se qualificarem para prêmios e despertarem o interesse pelo streaming. Os espectadores provavelmente também terão a chance de chorar por “Tori e Lokita”, de Jean-Pierre e Luc Dardenne, que se concentra em duas crianças imigrantes indocumentadas da África lutando em uma Europa hostil.

“Tori e Lokita” é o filme mais forte e dramaticamente persuasivo dos Dardennes em anos, e também o mais penetrantemente triste. Como alguns outros cineastas aqui, os Dardenne parecem sobrecarregados de desespero – por boas razões, dado o estado do mundo – mesmo que o fato de terem feito este filme seja em si um gesto esperançoso. Se os Dardenne ainda não fossem “marcas” de filmes de arte estabelecidos, seu filme poderia ter mais dificuldade em encontrar atenção, distribuição e vaga em outro grande festival. Filmes de desconhecidos podem se perder nesses tipos de eventos, e o mesmo vale para trabalhos autenticamente desafiadores e narrativamente descentralizados.

Embora apresente seus próprios desafios, “A História Natural da Destruição”, do diretor ucraniano Sergei Loznitsa, provavelmente encontrará algum tipo de libertação, mesmo que apenas por causa da guerra na Ucrânia. O filme consiste inteiramente de imagens encontradas da Segunda Guerra Mundial, quase todas aparentemente de fontes nazistas, britânicas e americanas. É um filme duro, habilidoso, incrivelmente doloroso e formalmente rigoroso que – através de sua edição – defende que a guerra é bárbara, não importa o lado, um argumento que se torna progressivamente mais difícil de sustentar, pelo menos para este espectador, dado que o filme não aborda as atrocidades nazistas contra os judeus.

Muitos dos filmes aqui acabarão disponíveis on-line simplesmente porque a boca do streaming é muito grande e precisa de um suprimento constante de produtos para continuar. Filmes que não foram bem com críticos não franceses, como o colapso da família de Arnaud Desplechin “Irmão e irmã,” pode enfrentar alguns obstáculos para garantir a distribuição nos Estados Unidos. É alto e movimentado, mas também muito tocante e, pelo menos para mim, sua abertura chocante – que inclui um acidente horrível envolvendo um caminhão tombando – é a representação mais perfeita e reconhecível de como era a vida na pandemia.

Eu me preocupo com o destino de filmes delicados e difíceis como “OO”, um conto triste e muitas vezes brilhante de um burro do veterano diretor Jerzy Skolimowski. O filme é visualmente requintado e sombrio, mas é difícil. É melhor visto com outras pessoas. Isso me deixou destroçada e, embora não estivesse sentada com ninguém que conheço, ainda estava grata por não estar sozinha quando assisti. O filme é implacável em sua visão da barbárie humana em relação aos animais, mas apenas estar lá, chorando baixinho, com os outros me deu uma sensação de comunhão, do tipo que eu sempre sinto quando vou ao cinema, sento no escuro e tenho meu mundo e mente explodido.