Alguns antepassados e pais
No início, a moda americana era amplamente definida pelo que não era: europeia.
Como Elizabeth Hawes, uma desenhista que virou jornalista e virou designer que foi a Paris na década de 1920 como “copista” – uma modelista contratada para copiar designs franceses para serem vendidos no mercado americano – escreveu em seu clássico livro de memórias, “Fashion Is Spinach , ”Uma das maiores conquistas dos franceses foi convencer o mundo de que seu design de roupas era o único design de roupa real, seu savoir-faire intrínseco à essência do chique. Assim começou um desfile de designers americanos – Charles James, Main Rousseau Bocher (cujo nome de alguma forma passou de “Main Bocker” para “Man-bo-shay”) – indo para Paris para obter o endosso do estabelecimento gaulês e, assim, confirmar sua legitimidade.
Os primeiros estilistas que transformaram sua americanidade em um trunfo – McCardell, Bonnie Cashin, Rudi Gernreich – o fizeram em parte oferecendo uma alternativa às tradições altamente estruturadas e dependentes de classe da costura francesa, que ditavam o estilo da cabeça aos pés. Eles usavam zíperes (zíperes!), Bolsos de remendo, ponchos; eles elevaram os materiais do dia-a-dia, como jeans e algodão e a camisa branca. O objetivo era oferecer roupas que pudessem ser misturadas e combinadas para se adequar ao usuário e ao contexto – roupas que pudessem libertá-los dos ditames de um único designer ou dos limites do terno ou das exigências de mudar várias vezes ao dia. Posteriormente o Sr. Gernreich chegou a liberar o seio do maiô.
Foi aí que nasceu o estereótipo do sportswear, definido pelas ideias de “praticidade” e “funcionalidade” e “utilidade”, que se conectam ao romance do pioneiro e do self-made. Mesmo assim, entretanto, essa foi uma generalização excessivamente simplista. Para cada McCardell havia um Adrian, que veio da tradição de Hollywood e tinha um pequeno caminhão com o básico.
Ainda assim, roupas esportivas permaneceram o etos dominante, preparando o cenário para a Batalha de Versalhes, quando Halston (que notoriamente libertou o corpo ainda mais), Stephen Burrows, Bill Blass, Oscar de la Renta e Anne Klein triunfaram sobre Saint Laurent, Givenchy, et al. E eles, por sua vez, pavimentaram o caminho para a geração de grandes marcas que vieram depois – Calvin Klein, Ralph Lauren, Donna Karan – com sua ênfase no minimalismo, fisicalidade e narrativa nacional. Um vento fresco soprava pelos corredores mofados que Paris ocupava nas mentes dos consumidores.
Essa narrativa entrou e saiu de moda. Isso levou Michael Kors e Alexander Wang (para citar dois designers) a Celine e Balenciaga, mas não conseguiu mantê-los lá, já que o que foi inicialmente enquadrado como positivo acabou se tornando (pelo menos na moda) um código para “não tão criativo” ou “Não tão artístico” ou o ainda mais pejorativo “comercial”.
Alguns antepassados e pais
No início, a moda americana era amplamente definida pelo que não era: europeia.
Como Elizabeth Hawes, uma desenhista que virou jornalista e virou designer que foi a Paris na década de 1920 como “copista” – uma modelista contratada para copiar designs franceses para serem vendidos no mercado americano – escreveu em seu clássico livro de memórias, “Fashion Is Spinach , ”Uma das maiores conquistas dos franceses foi convencer o mundo de que seu design de roupas era o único design de roupa real, seu savoir-faire intrínseco à essência do chique. Assim começou um desfile de designers americanos – Charles James, Main Rousseau Bocher (cujo nome de alguma forma passou de “Main Bocker” para “Man-bo-shay”) – indo para Paris para obter o endosso do estabelecimento gaulês e, assim, confirmar sua legitimidade.
Os primeiros estilistas que transformaram sua americanidade em um trunfo – McCardell, Bonnie Cashin, Rudi Gernreich – o fizeram em parte oferecendo uma alternativa às tradições altamente estruturadas e dependentes de classe da costura francesa, que ditavam o estilo da cabeça aos pés. Eles usavam zíperes (zíperes!), Bolsos de remendo, ponchos; eles elevaram os materiais do dia-a-dia, como jeans e algodão e a camisa branca. O objetivo era oferecer roupas que pudessem ser misturadas e combinadas para se adequar ao usuário e ao contexto – roupas que pudessem libertá-los dos ditames de um único designer ou dos limites do terno ou das exigências de mudar várias vezes ao dia. Posteriormente o Sr. Gernreich chegou a liberar o seio do maiô.
Foi aí que nasceu o estereótipo do sportswear, definido pelas ideias de “praticidade” e “funcionalidade” e “utilidade”, que se conectam ao romance do pioneiro e do self-made. Mesmo assim, entretanto, essa foi uma generalização excessivamente simplista. Para cada McCardell havia um Adrian, que veio da tradição de Hollywood e tinha um pequeno caminhão com o básico.
Ainda assim, roupas esportivas permaneceram o etos dominante, preparando o cenário para a Batalha de Versalhes, quando Halston (que notoriamente libertou o corpo ainda mais), Stephen Burrows, Bill Blass, Oscar de la Renta e Anne Klein triunfaram sobre Saint Laurent, Givenchy, et al. E eles, por sua vez, pavimentaram o caminho para a geração de grandes marcas que vieram depois – Calvin Klein, Ralph Lauren, Donna Karan – com sua ênfase no minimalismo, fisicalidade e narrativa nacional. Um vento fresco soprava pelos corredores mofados que Paris ocupava nas mentes dos consumidores.
Essa narrativa entrou e saiu de moda. Isso levou Michael Kors e Alexander Wang (para citar dois designers) a Celine e Balenciaga, mas não conseguiu mantê-los lá, já que o que foi inicialmente enquadrado como positivo acabou se tornando (pelo menos na moda) um código para “não tão criativo” ou “Não tão artístico” ou o ainda mais pejorativo “comercial”.
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