OJAI, Califórnia – A devolução é um processo. Raramente é linear.
o Festival de Música Ojai, por exemplo, voltou, de 16 a 19 de setembro, para comemorar seu 75º ano após uma longa ausência de pandemia. Mas houve contratempos entre as reviravoltas. Compromissos foram feitos para acomodar sua mudança da primavera para os dias finais do verão. Um artista foi retido na Espanha por restrições de viagem. Medidas de segurança aplicadas de forma diligente prejudicaram um pouco a vibração deste evento histórico, um refúgio rigoroso, porém relaxante, para a música contemporânea, aninhado em um vale idílico de misticismo sério e doces tangerinas Pixie.
Esta edição do festival é a primeira sob a liderança de Ara Guzelimian, de volta ao comando após uma corrida na década de 1990. A cada ano, a pessoa em seu cargo organiza a programação com um novo diretor musical; para a estreia de Guzelimian, escolheu o compositor John Adams, o paterfamilias da música clássica americana, que por acaso nasceu no ano do primeiro festival. Desinteressados em uma retrospectiva para o aniversário marcante, eles classificaram seus shows como uma pesquisa prospectiva de jovens artistas – adequada para um festival que há muito se concentra no futuro.
Mas na música, passado, presente e futuro estão sempre informando um ao outro. Bach e Beethoven assombraram obras novas e recentes; o pianista Vikingur Olafsson tratou Mozart, como ele gosta de dizer, como se a tinta tivesse acabado de secar na partitura. Não há como olhar para frente sem olhar para trás.
Guzelimian e Adams olharam para trás tanto quanto possível ao tecer a história indígena do vale no festival. A capa do seu livro de programa era a fotografia de Cindy Pitou Burton “Ghost Poppy” – nome da flor dado pelo povo Chumash, os primeiros habitantes conhecidos desta área, que após a chegada dos europeus foram quase aniquilados pela doença e pela violência, e que não tem mais nenhuma terra em Ojai.
É uma história que foi compartilhada, entre contos mais alegres, pela anciã de Chumash Julie Tumamait-Stenslie, que abriu a programação de sexta-feira contando histórias em um campo enevoado no Soule Park; naquela noite, ela começou um concerto com uma bênção.
Apesar das melhores intenções, esses foram alguns dos momentos mais dignos do festival. O público predominantemente branco e endinheirado respondeu aos detalhes da brutalidade colonial com um zumbido afirmativo, não muito diferente do que mais tarde torceu “Build a House,” de Rhiannon Giddens, uma acusação abrasadora e abrangente da história americana – como se esses ouvintes não estivessem implicados em sua mensagem.
O festival estava no auge quando a música falava por si. (A maioria dos shows são transmitidos online.) Deve-se dizer, porém, que a programação ainda tinha seus limites; assim como esta revisão não pode abordar todo o evento, os três dias de Ojai (e um breve prelúdio na noite anterior) representaram apenas uma fatia do campo e excluíram alguns dos trabalhos mais espinhosos e experimentais sendo feitos.
No entanto, Adams estava interessado, ao que parecia, em artistas que operam como se estivessem livres da ortodoxia e do gênero – longe do que ele chamou de “os maus velhos tempos” das garras do modernismo.
Além dos compositores, que traduziu para os intérpretes, uma lista que incluiu a orquestra do festival (não um mero grupo de pickup com o brilhante violinista Alexi Kenney como seu concertino); membros do Los Angeles Philharmonic New Music Group; e a Orquestra de Câmara de Los Angeles. E solistas como a violinista – por exemplo, também violista – Miranda Cuckson, que reuniu a força de um conjunto completo em “Character Studies” de Anthony Cheung e “Prism Spectra” de Dai Fujikura, e agilmente seguiu a Second Partita de Bach com Kaija Saariaho “ Frises ”no lugar do famoso final de Chaconne da partita.
Olafsson, cujas gravações demonstraram seu brilhantismo como programador – com um ouvido aguçado para conexões dentro do corpo da obra de um único compositor, ou através dos séculos e gêneros – moderou persuasivamente uma conversa entre Rameau, Debussy e Philip Glass, bem como outro de Mozart e seus contemporâneos, com voz magistral e clareza esclarecedora.
Giddens também se sentia à vontade em uma variedade de estilos, sua musicalidade polimática e voz camaleônica implantadas de forma tão afetiva em uma ária de Adams quanto no folk americano. Tocando com sua própria banda (cujos membros incluem Francesco Turrisi, seu parceiro) ela foi inexpressiva e carismática; ao lado do Quarteto Attacca, ela simplesmente se sentou em um microfone com um olhar focado em laser, comandando o palco apenas com seu som.
A aparição de Attacca foi muito breve, mas poderia justificar sua própria vez de dirigir o festival um dia. Seja nas obras de Adams, Jessie Montgomery ou Caroline Shaw, na vividamente episódica “Benkei’s Standing Death” de Paul Wiancko ou na jam-like “Carrot Revolution” de Gabriella Smith, esses jogadores de ouvidos abertos e mente aberta não parecem trazer um pedaço para o palco até que esteja gravado em seus ossos, de modo que cada partitura é totalmente incorporada.
Houve uma sobreposição de compositor e intérprete em Timo Andres, cujas obras foram bem representadas, mas que também serviu como solista – cintilante, paciente e terno – no humildemente lindo concerto para piano de Ingram Marshall, “Flow”.
Andres mais tarde deu um recital frio na manhã de domingo que começou com seleções de “Eu ainda jogo,” um conjunto de miniaturas escritas para Robert Hurwitz, o líder influente e de longa data da Nonesuch Records. Ele continuou com um dos Impromptus de Samuel Adams, um trabalho de escrita inspirada para teclado projetada para complementar Schubert, com flashes daquele compositor junto com calor e sombreamento harmônico sutil para combinar. E terminou com a primeira apresentação ao vivo de “Imaginary Pancake” de Smith, que teve uma estreia respeitável online no início da pandemia, mas realmente rugiu em pessoa.
No estilo Ojai, havia tantos compositores vivos programados que Esa-Pekka Salonen nem mesmo se qualificou como atração principal. Na verdade, ele era uma quantidade conhecida que, sem querer, se desvaneceu em meio à novidade de outras vozes. O propulsivo e galvanizante “Fate Now Conquers” de Carlos Simon acenou com a cabeça para Beethoven, mas em seus próprios termos descarados. E continua a haver nada além de promessa no emergente Inti Figgis-Vizueta, cujo “Para lhe dar forma e fôlego”, para três percussionistas, astutamente distorceu o tempo em uma justaposição de sons ressonantes e maçantes de objetos encontrados como madeira e vasos.
Muitos imóveis foram dados a Gabriela Ortiz, que além de ter sido encenada – proporcionando um clímax feliz e estimulante para o festival com uma versão ampliada de sua “La calaca” na noite de domingo – entrou como curadora quando um recital de Anna Margules foi cancelado porque ela não poderia viajar para os Estados Unidos. Aquele concerto, uma pesquisa com compositores mexicanos, ofereceu uma das grandes delícias do festival: a percussionista Lynn Vartan em “Temazcal” de Javier Álvarez, uma obra para maracas e eletrônica que exige uma entrega dançante em uma revelação das possibilidades acústicas de um instrumento muito as pessoas tratam como um mero brinquedo.
As obras de câmara de Ortiz revelaram um dom para emparelhamentos acústicos surpreendentes, como duas harpas e uma planta de aço em “Río de las Mariposas”, que abriu um concerto no final da manhã no domingo. É um som que teve um irmão em uma estreia que encerrou aquele programa: “Sunt Lacrimae Rerum” de Dylan Mattingly, cujo título foi tirado da “Eneida”.
A obra é também para duas harpas (Emily Levin e Julie Smith Phillips) – mas também para dois pianos que, desafinados microtonalmente, às vezes se confundiam com o som de uma panela de aço. Há uma ligeira dissonância, mas não desagradável; o efeito é mais parecido com a distorção da memória. E não havia nada de desagradável nesse grito de alegria. O ecstasy emanava dos pianos abertos, tocados por Joanne Pearce Martin e Vicki Ray, enquanto eram levemente martelados em seus registros superiores, acompanhados por uma caixa de música que cintilava nas harpas.
O clima tornou-se mais meditativo na seção intermediária comparativamente moderada, mas a emoção transportadora da abertura voltou no final: primeiro em fragmentos, depois com força total. “Sunt Lacrimae Rerum” foi o mais novo trabalho do festival, uma peça que recordou um ano traumático para todos nós. Mas Mattingly encontrou o momento com uma música repleta de esperanças desafiadoras e inabaláveis para o futuro.
Discussão sobre isso post