BERLIM – O teatro, segundo a diretora e performer espanhola Angélica Liddell, é um ato de sacrifício. Nos primeiros minutos de seu novo show, “Liebestod: O cheiro de sangue não sai de meus olhos, Juan Belmonte – Histoire (s) du Théâtre III,” ela pega uma lâmina de barbear e corta os joelhos e as costas das mãos. É um “sacrifício em nome do absurdo”, ela explica em um teaser online para a produção. “Não é um sacrifício em busca de um bem maior.”
“Liebestod” é a peça central da edição deste ano ACHAR festival do novo drama internacional no teatro Schaubühne em Berlim, onde muitas das entradas de 2021 flertam com o poder redentor da arte como uma ferramenta tanto para a sobrevivência quanto para a transcendência.
A persona teatral que Liddell assume em “Liebestod”, uma peça movida a monólogo sobre arte, religião, Wagner e touradas, é barulhenta, raivosa, autodestrutiva e surpreendentemente musical.
Quando ela não está cantando, arrulhando ou gritando junto com a rumba de Bach, Handel e flamenco espanhol, ela ataca o público por sua mediocridade, hipocrisia e gosto mediano em um palco escassamente decorado cujo piso amarelo e cortinas vermelhas sugerem uma praça de touros.
Em longos solilóquios, Liddell critica a decadência espiritual e estética da “cultura” contemporânea. Ela também não se poupa de críticas contundentes. Como resultado, a produção contém um comentário contínuo sobre seu próprio status como arte.
“Liebestod” se refere, é claro, a “Tristão e Isolda” de Wagner. O termo é frequentemente usado como uma abreviatura para a radiante coda da ópera, onde Isolde canta até a morte em um momento de êxtase transfigurante. Nunca ouvimos a ária na produção, embora Liddell, vestido de toureiro, recite a letra da efígie empalhada de um touro.
Embora as touradas sejam um tropo principal da produção, “Liebestod” também está inundado de simbolismo católico. Liddell torna o litúrgico de maneiras perturbadoras e absurdas, inclusive em uma cena em que ela enxuga o próprio sangue com pão, que depois come. Há também um amputado duplo vestido de Jesus e um relicário de vidro em forma de caixão cheio de gatos vivos. Algumas dessas imagens parecem dignas de Buñuel (um artista que Liddell reverencia), embora o cineasta ateu ressuscitasse dos mortos para protestar quando Liddell endossa a teocracia como um corretivo para uma sociedade construída sobre valores seculares.
Embora ela dilacere a si mesma e ao público (alguns deles partiram; outros riram nervosamente; a maioria aplaudiu calorosamente), é claro que Liddell considera a arte uma fonte de beleza sagrada. E nos momentos em que sua produção se aproxima do ponto alto da arte que tanto venera, Liddell nos faz sentir como ela está deslumbrada.
Enquanto Liddell se apresenta como se cada minuto no palco fosse uma luta pela sobrevivência, ela não é a única pessoa com trabalho no festival para quem fazer arte parece uma questão de vida ou morte. O diretor russo Kirill Serebrennikov passou 18 meses em prisão domiciliar em Moscou sob a acusação de peculato, amplamente considerado forjado. Durante seu longo confinamento (e os bloqueios por coronavírus que se seguiram), Serebrennikov dirigiu peças, óperas, filmes e até um balé remotamente. Muito de seu trabalho da era do confinamento lidou com perseguição, paranóia e até mesmo encarceramento, sugerindo uma elaboração terapêutica de temas que se avultam na nova realidade do diretor.
Em 2017, Serebrennikov contatou o fotógrafo chinês Ren Hang para desenvolver uma peça inspirada em suas imagens provocantes. Pouco depois, Hang saltou para a morte e a liberdade de movimento de Serebrennikov foi restringida. De sua sala de estar, ele planejou “Lado de fora,” uma dupla exposição fantasmagórica de si mesmo e Hang, que estreou no Festival de Avignon 2019.
No início da atuação, o ator americano Odin Lund Biron interpreta um personagem semelhante ao seu diretor. Ele conversa com sua sombra sobre a vida em confinamento e sob vigilância. Essas primeiras cenas, que retratam uma versão da provação kafkiana do diretor por dentro, são as mais dramaticamente absorventes na peça. Logo, entretanto, Biron é suplantado pelo suave ator russo Evgeny Sangadzhiev, que interpreta o fotógrafo chinês. O palco se enche de belos corpos, muitos nus ou em vários estágios de nudez.
Grande parte dos 90 minutos seguintes é uma série de coreografias eróticas que dão vida às fotos de Hang. Embora frequentemente cativante, a longa sucessão de tableaux vivants muitas vezes parece arbitrária em sua ordem e seleção.
“Fora”, embora menos hermético do que “Liebestod”, é igualmente comprometido com a arte que é aberta sobre a mineração da dor pessoal para o tipo de beleza rara que pode produzir epifania. Apesar de todas as diferenças, essas duas mostras refletem a sensibilidade de artistas que não têm medo de praticar sua arte como um fim em si mesma.
“Acho que transformar o teatro em uma ferramenta é a morte para o teatro e a morte para a arte”, diz Liddell no teaser de “Liebestod”. No contexto do festival deste ano, esse credo soa quase como um aviso a alguns dos outros artistas incluídos no programa.
No “Não é o fim do mundo,” o escritor Chris Bush e a diretora Katie Mitchell correm o risco de usar o teatro para fazer sermões ao público sobre os perigos das mudanças climáticas. Bush é um jovem e aclamado dramaturgo britânico; Mitchell é indiscutivelmente o mais influente criador de teatro inglês que trabalha regularmente no continente. Infelizmente, seu encontro é malfadado.
A peça alterna entre períodos de tempo e tramas em uma velocidade vertiginosa: um jovem cientista do clima sendo entrevistado para uma posição de pós-doutorado; um pesquisador que morre durante uma expedição de pesquisa; uma mulher fazendo um elogio à mãe.
Para seu crédito, Bush e Mitchell evitaram conscientemente fazer um jogo militante, mas o que eles nos deram é tão escorregadio que é muito difícil de controlar.
A riqueza de anedotas obscuras ou cosmicamente estranhas que são inseridas neste texto semelhante a uma coleira costumam fazer a peça soar como “Findings”, o artigo de contracapa da Harper’s Magazine que compila fatos selvagens de periódicos científicos.
Em consonância com o tema da peça, toda a produção foi pensada com o olhar para a sustentabilidade. A equipe britânica não viajou para Berlim para os ensaios; os cenários e figurinos foram reciclados ou reaproveitados; e o som e a iluminação do show são movidos por dois ciclistas que pedalam nas laterais do palco. No entanto, esses fatos não acrescentam muito à produção.
Outra produção britânica na FIND, Alexander Zeldin’s “Amar,” também corre o risco de “transformar o teatro em uma ferramenta”. Visto pela primeira vez no National Theatre em Londres em 2016, o filme gira em torno de uma família que foi repentinamente despejada de seu apartamento e se encontra em um abrigo lotado, lutando para manter sua dignidade.
Há muitas maneiras de uma peça como essa dar errado, mas “Amor” não é sério nem enfadonho. Os temas são dramatizados com tanta elegância e os personagens tão belos representados, que acaba sendo politicamente urgente quase que furtivamente; o impacto emocional da produção é surpreendente considerando o quão economicamente ela é montada.
O imenso cenário que descreve a triste residência desempenha um papel central – para os atores, imagino, tanto quanto para o público. Este é o melhor teatro naturalista, evocando o trabalho dos cineastas Mike Leigh e Ken Loach.
“Amor” me fez pensar que talvez Liddell seja absolutista demais em seu pensamento. Não estou dizendo que seja fácil, mas nas mãos do artista certo, o teatro que está vivo para as questões sociais e políticas pode ser uma ocasião de beleza e transcendência.
FIND 2021 continua no Schaubühne até 10 de outubro
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