Três coisas se destacam na edição atual do “Grande Nova York,” uma pesquisa no MoMA PS1 com artistas que vivem e trabalham em Nova York, que acontece a cada cinco anos: política perfeita, nostalgia intensa e uma exibição nada impressionante de nova arte.
Organizado por uma equipe curatorial liderada por Ruba Katrib, “Greater New York” – que estreou quinta-feira – é uma mostra do nosso momento e uma tentativa de escapar dele pelo alçapão da história. No mundo da arte no momento, é mais seguro celebrar o artista pouco conhecido, pouco reconhecido e pouco conhecido que foi radical meio século atrás do que mergulhar na política confusa real do presente.
O melhor trabalho aqui, esmagadoramente, é a arte feita décadas atrás, não nos últimos anos. Isso é lamentável, porque dá a impressão de que nenhuma grande arte está sendo feita agora. Enquanto isso, a arte em Nova York é vibrante, o que você pode ver em qualquer dia, principalmente nas galerias no Lower East Side, Chinatown e TriBeCa, e nos bolsos do Queens.
No entanto, este ainda é um show profundamente político. Cada grande exposição treina como observá-la, e aqui você aprende rapidamente a olhar para as etiquetas das paredes, que em muitos casos focam na etnia dos artistas. Esta é uma informação interessante, mas o perigo é que a arte se transforme em um instrumento retórico, em vez de um portador de idéias esclarecedoras ou especulativas.
A mostra apresenta o trabalho de 47 artistas e coletivos e faz a ponte entre a fotografia documental, o surrealismo, a pintura e o vídeo. Aqui estão tópicos dominantes e colaboradores de destaque.
História e Nostalgia
A escavação da história pesa tanto na “Grande Nova York” que traz à mente narrativas clássicas de nossa metrópole: a obra-prima de Edwin G. Burrows e Mike Wallace, “Gotham: uma história da cidade de Nova York até 1898”(1999); Luc Sante’s “Low Life: iscas e armadilhas da velha Nova York”(2003); o filme “Downtown 81” (2000), estrelado por um jovem Jean-Michel Basquiat e um Lower East Side pré-gentrificado.
Alguns dos trabalhos aqui estão diretamente ligados a essas histórias. Alan Michelson (um artista Mohawk) criou uma instalação, “Midden” (2021), em que um vídeo criado ao longo do Canal Gowanus no Brooklyn e Newtown Creek, na fronteira do Queens, desliza sobre uma pilha de conchas de ostra, um alimento básico em Nova York por milênios, até que os leitos de ostras foram arrancados durante a colonização e industrialização.
Duas instalações pelo coletivo Shanzhai Lyric inspirar-se na história da Canal Street, que começou como um pântano e um curso de água e mais tarde se tornou uma artéria para o comércio, incluindo produtos de luxo contrabandeados e camisetas. Uma sala dedicada no MoMA PS1 exibe o conteúdo da unidade de armazenamento “Canal Street Research Association” do coletivo: coroas de espuma da Estátua da Liberdade, edifícios Empire State em miniatura e outras curiosidades turísticas. Perto da entrada do museu, a instalação de camisetas fabricadas na China e impressas com frases estranhas em inglês cria um “poema” desconexo.
As melhores pinturas da mostra são as abstrações brilhantes e coloridas de Paulina Peavy (1901-1999), uma artista que disse que teve um encontro com um OVNI enquanto participava de uma sessão espírita na Califórnia em 1932 e mais tarde se mudou para Nova York, onde viveu e trabalhou até os 97 anos. As pinturas de Peavy aqui, feitas entre 1930 e Os anos 60 são parte de uma onda de ressurreições de mulheres artistas menos conhecidas no século 20, incluindo Agnes Pelton, Hilma af Klint e Emma Kunz, cujas pinturas abstratas foram baseadas em práticas espirituais ou de cura, em vez de argumentos formais e batalhas de movimentos de arte convencionais.
As melhores fotos da “Grande Nova York” também são históricas. Hiram Maristany serviu como fotógrafo documental oficial do Puerto Rican Young Lords, um grupo que surgiu do movimento Black Power na década de 1960. Suas imagens em preto e branco desse período são uma representação poderosa de um artista “preservando sua própria comunidade”, como ele diz no texto da parede. Depois de um ano dos protestos mais documentados da história (Black Lives Matter), seria bom ver a documentação mais recente do movimento de justiça social atual.
Marilyn Nance viajou para Lagos, Nigéria, em 1977 para documentar o FESTAC ’77, o Segundo Festival Mundial de Artes e Cultura Negra e Africana que atraiu milhares de artistas, escritores e ativistas. Uma série de suas fotografias de rua de Nova York dos anos 70 e 90 está em exibição, capturando pessoas pulando catracas do metrô, músicos e elefantes de circo passeando por uma rua noturna da cidade.
Um vídeo de 1989 do poeta Diane Burns (identificado como Chemehuevi e Anishanabe) recitar um poema punk no Lower East Side mostra com humor a política indígena, a gentrificação e o deslocamento. Dois de Regina Vater “Saudades do Brasil” vídeos, de meados dos anos 70 e meados dos anos 80, comparam Nova York com as corajosas cidades brasileiras. Também há desenhos, fotografias e pinturas dos anos 80 de artistas como E’wao Kagoshima, Julio Galán, Peter Hujar, Andreas Sterzing e Luis frangella que oferecem uma janela para uma Nova York mais ousada, em grande parte pré-AIDS – bem como o surgimento de várias estéticas em torno do graffiti e da arte LGBTQIA.
Embora muitos desses artistas tenham sido esquecidos, uma fração das exibições históricas seria suficiente. Eles aludem, no entanto, à arte que está sendo produzida agora. Swing pela galeria Maior geração de imagens em Dumbo para um tutorial sobre fotografia contemporânea. Para arte e trabalho queer que explora e celebra identidades intersetoriais, dê uma olhada Pensamentos Estranhos, Empresa, Fierman, PPOW ou o Museu de Arte Leslie-Lohman. Para artistas esquecidos de todos os matizes, vá para Projetos Ortuzar em TriBeCa. E para pinturas de artistas emergentes, confira pequenas galerias como 56 Henry, Jack Barrett, Charles Moffett ou Habitação, em 191 Henry, que visa apoiar artistas negros em particular.
Política Pertinente
Uma onda de crimes de ódio anti-asiáticos, a presidência de Donald Trump e os movimentos revigorados #MeToo e Black Lives Matter desafiaram curadores e instituições a destacar a diversidade e corrigir erros históricos. Aqui estão algumas apresentações notáveis que abordam esses problemas de forma inteligente.
O autor e artista do Seneca G. Peter Jemison excelentes trabalhos em papel fazem referência ao Tratado de Canandaigua de 1794, seu impacto no Haudenosaunee – as Seis Nações da Confederação Iroquois – e campanhas por igrejas e escolas para erradicar a cultura e a língua no nordeste da América do Norte. O uso de humildes sacolas de papel é o que mais entusiasma seu trabalho.
Da mesma forma, as esculturas de Curtis Cuffie dos anos 90 são locais onde a arte floresce e é exibida. Ele viu a calçada como seu local principal e usou materiais descartados – roupas, objetos e itens de lixo. Eles foram originalmente instalados em torno do Astor Place e do East Village, que estava passando por uma intensa gentrificação. (Se Cuffie, que morreu em 2002, fosse um jovem artista hoje, suas montagens e fantasias espirituosas provavelmente apareceriam no Instagram ou no TikTok.)
A impactante parede de detritos de Yuji Agematsu coletada em caminhadas diárias durante a pandemia e enfiada em embalagens de cigarros de celofane é uma atualização desleixada do conceitual “Date Paintings” de On Kawara, que marcou os dias, começando durante a Guerra do Vietnã.
“Similitude” de Steffani Jemison (2019) é um comentário irônico sobre apropriação cultural filmado em sites anônimos em Nova York. O vídeo, estrelado por um ator negro treinado em mímica, recria gestos e ações de pessoas no cotidiano. A política aqui é extraída da vida cotidiana e questiona a ideia de linguagem e mimetismo.
Algumas das declarações estéticas mais poderosas do ano passado apareceram na forma de monumentos cobertos de grafite, derrubados ou removidos. Imagens de ativistas em Bristol, Inglaterra, removendo a estátua do traficante de escravos Edward Colston ano passado sugeriu uma onda de ação comunitária empoderada, alegria e possibilidade.
Eu pensei nisso quando vi Doreen Garner’s escultura “Lucy’s Agony” (2021), que faz referência a experimentos ginecológicos realizados em mulheres afro-americanas por médicos como J. Marion Sims. Uma estátua em homenagem aos Sims foi removida de seu local de destaque na Quinta Avenida em 2018, mas não foi destruída.
A escultura de Garner empresta as táticas de choque de instalação dos anos 90 de artistas como Mona Hatoum, Robert Gober e Pepon Osorio, mas também evoca batalhas sobre a vacina Covid-19 e as desigualdades modernas na medicina.
Placeholder Art
Um fenômeno típico em grandes pesquisas é incluir arte meramente aceitável por artistas extraordinários. Muitas vezes, é uma introdução morna a pessoas que fizeram contribuições excepcionais, mas cujos melhores trabalhos podem não estar disponíveis. Este desafio foi enfrentado aqui por curadores que apresentaram pinturas e trabalhos em papel de Milford Graves, que começou como percussionista e se tornou um curandeiro visionário, professor, artista visual e mestre em artes marciais. Graves, que morreu em fevereiro, tem uma exposição que vai estrear dentro de alguns dias no Espaço dos Artistas, onde espero que ele seja mais bem representado.
Procure, também, os trabalhos em papel de Rosemary Mayer (1943-2014), embora seu recente show em Gordon Robichaux A galeria apresentou exemplos de seus melhores trabalhos: tecido ondulado que sugere a anatomia feminina.
A maior parte da arte aqui por artistas contemporâneos mais jovens, infelizmente, replica, sem muita visão, o surrealismo sonhador, peculiar e de artistas como Marc Chagall, Leonor Fini ou Remedios Varo; pintura e escultura abstratas modernistas; fotografia experimental das décadas de 1920 e 30; e a escultura corporal de Kiki Smith.
Um dos fatores mais importantes e duradouros na classe mundial da arte – permanece amplamente invisível nesta mostra. Os aluguéis ainda são altos em Nova York, e espera-se que os artistas tenham cursos de graduação caros. A riqueza de patronos e curadores de museus se tornou um ponto crítico entre os manifestantes e grupos como o Decolonize This Place. Embora rótulos de parede descrevendo a etnia dos artistas pareçam estranhos neste ponto, o que seria verdadeiramente radical seria incluir a carga de dívidas do artista, que literalmente determina a capacidade de muitos artistas contemporâneos de participar do mundo da arte baseado em estúdio. (Além disso, a suposição errônea de que os artistas dos chamados países em desenvolvimento não estão entre as classes ricas em seus países de origem é um grande descuido.)
Uma das obras imperdíveis para as aulas é o vídeo satírico de Marie Karlberg “The Good Terrorist” (2021), que atualiza o romance de Doris Lessing de 1985 de mesmo nome. Apresenta vários artistas conhecidos (Nicole Eisenman, Jacolby Satterwhite) interpretando revolucionários titulares de um apartamento de luxo no Upper East Side.
Aqui, a política de identidade – os atores incluem pessoas de cor e alguns que são gays – são perfeitamente integrados em um trabalho em que esquerdistas radicais tentam coexistir e efetuar mudanças no mundo. Talvez a característica mais reveladora seja que seu privilégio – como artistas famosos acolhidos no mundo dos museus – não é mencionado no texto da parede.
Grande Nova York 2021
Até 18 de abril de 2022, MoMA PS1, 22-25 Jackson Ave., Queens; (718) 784-2084; moma.org. A entrada no MoMA PS1 é por meio de tíquete cronometrado antecipado.
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