PARIS – A artista alemã Anne Imhof estava no Palais de Tokyo em uma manhã de sexta-feira recente, assistindo a um grupo de dançarinas e modelos elegantemente vestidas rastejando no chão. Foi a reta final dos ensaios para uma série de apresentações que ela havia planejado, com início previsto para 14 de outubro. Os oito jovens estavam descobrindo a velocidade certa para cruzar um dos amplos espaços de exibição do museu de Paris.
Imhof, 43, elevou-se acima dos artistas rastejantes em botas de cowboy e calças de corrida. “Vá devagar, muito devagar”, ela disse a eles. Ao chegarem ao outro lado, 10 minutos depois, viraram-se de costas e olharam para espectadores imaginários, com expressões de tédio estudado.
“Muito bom”, disse Imhof, parecendo satisfeito.
Os ensaios foram a preparação para o ato final de “Natures Mortes” (“Still Lives”), uma exposição multidisciplinar de Imhof que teve ocupou a totalidade do Palais de Tokyo Desde Maio.
Como outros shows do Imhof, “Natures Mortes” inclui esculturas, pinturas e outras obras que podem ser visitadas independentemente das performances. Essas apresentações ao vivo, que vão até 24 de outubro, consistirão em grande parte de quadros formados, interrompidos e depois reformados por seus dançarinos, em uma produção que canaliza a estética da cultura jovem underground: roupas descoladas, música industrial e corpos andróginos.
“Esta peça é sobre morte, escolha e dor”, disse Imhof em uma entrevista antes do ensaio, “mas é algo aberto o suficiente para que as pessoas possam ter seus próprios sentimentos a respeito”.
“Com performance ao vivo, com pessoas e corpos, procuro encontrar uma linguagem abstrata que funcione como a poesia”, acrescentou.
Os espectadores podem se mover livremente durante as apresentações de Imhof, às vezes tornando-os tão parte da experiência quanto o próprio trabalho. Como as peças geralmente envolvem várias sequências acontecendo simultaneamente, os espectadores – inevitavelmente portando smartphones – devem tomar decisões sobre como se comportar e para onde se mover.
Muito de seu trabalho, Imhof disse, era sobre “a ideia de um único indivíduo, que pode fazer todas essas conexões por meio da digitalização, mas está sendo controlado por rastreamento e sempre será visto onde quer que esteja”.
“O público torna a peça o que ela é”, disse ela.
Para muitos fãs da artista que entendem de internet, as imagens cativantes e estilosas que ela cria em suas performances são atraentes para as mídias sociais. Billy Bultheel, um compositor que contribuiu para a partitura de várias peças de Imhof e executou nelas, disse que os membros do público às vezes se empurravam uns contra os outros e os artistas para capturar o evento em seus telefones. “Sua ganância pelo consumo está em exibição”, acrescentou.
Imhof, que tem uma conversa mais calorosa e divertida do que suas austeras obras podem sugerir, tornou-se uma estrela mundial da arte depois de ganhar o Leão de Ouro de 2017, o maior prêmio da Bienal de Veneza, por “Fausto”, a entrada alemã no renomado evento de arte . Para essa peça, ela cortou o pavilhão, que data da era nazista, com divisórias de vidro, e cercou o prédio com cercas altas e cães de guarda.
Durante as apresentações de “Faust”, grupos de dançarinos se arrastaram sob um piso de vidro, acenderam fogueiras, enviaram mensagens de texto em seus telefones e bateram a cabeça em câmera lenta.
Escrevendo na Artnet, Lorena Muñoz-Alonso descreveu a peça como um “desfile do inferno” que “fala de poder, de quem o detém e de quem procura recuperá-lo”. Na Artforum, David Velasco chamou isso “Um trabalho de supremamente intitulado cool.” Imhof desde então teve exposições de alto nível na Tate Modern em Londres, na National Gallery of Denmark em Copenhagen e no Art Institute of Chicago.
Carolyn Christov-Bakargiev, diretora do Castello di Rivoli, em Torino, Itália, que atualmente exibe “Sex”, outra exposição de Imhof, disse: “Na minha opinião, Anne é a artista que mais trabalha sobre como nos relacionamos uns aos outros por meio da separação e conexão na era digital. ”
Ela observou que o trabalho de Imhof incorporou uma mudança na interação humana causada por smartphones. “Suas performances representam um mundo onde as pessoas se comportam como se estivessem em embalagens”, disse ela. “Enviando mensagens uns aos outros, procurando uns aos outros e tentando ter experiências reais.”
Christov-Bakargiev acrescentou que um “culto” surgiu em torno da arte de Imhof, especialmente entre os jovens digitalmente conscientes. “Não sou psicanalista, mas acho que sua arte os faz sentir que pertencem e os faz entender a dor do mundo”, disse ela.
Imhof, que agora mora em Berlim, cresceu em um subúrbio de Fulda, uma cidade de médio porte no centro da Alemanha com uma catedral ornamentada. Seus pais, um ortodontista e um professor, faziam parte da geração “1968” na Alemanha, que seguiu a política de esquerda em reação ao envolvimento de seus pais no Terceiro Reich.
“Era uma família antifascista”, lembrou Imhof. Crescendo “muito como uma criança queer”, no entanto, ela disse que muitas vezes se sentia alienada de seu ambiente suburbano e negociou uma fuga para um internato britânico, onde aprendeu a desenhar. (Ela foi expulsa posteriormente, após ser acusada de fumar.)
Depois de engravidar aos 20, mudou-se para uma comuna de esquerda nos arredores de Frankfurt, onde criou a filha e começou a escrever poesia e a fazer música. Eventualmente, ela foi aceita na Städelschule, a renomada escola de arte da cidade, que ela frequentou enquanto trabalhava na porta do Robert Johnson, um clube de techno.
Ela disse que a experiência “artificial” de decidir quem pode ou não entrar no clube ajudou a formar sua consciência sobre os marcadores que determinam o acesso a espaços e recursos. “Acho que esse é um dos maiores problemas do nosso tempo”, disse ela, acrescentando que, em resposta, ela tentou fazer suas obras “pop”, para que ressoassem com o maior número de pessoas possível.
A exposição de Imhof no Palais de Tokyo é seu projeto mais expansivo até o momento. Desde a primavera, os visitantes podem ver as esculturas, pinturas e instalações que ela criou para o espaço cavernoso. Isso inclui um labirinto feito de vidro grafitado recuperado de um prédio comercial italiano demolido e pinturas em grande escala que evocam o pôr do sol, paisagens escurecidas e explosões nucleares. Também inclui obras selecionadas por Imhof, mas feitas por outros artistas, incluindo Sigmar Polke, Wolfgang Tillmans e Mike Kelley, e instalações sonoras que ela criou com Eliza Douglas, sua parceira criativa e romântica de longa data.
Douglas, que escalou e estilizou os performers e compôs a música para o show de Paris, tem aparecido nas peças de Imhof desde logo após o casal se conhecer em 2015. Americano de 1,80 metro que também modela para Balenciaga, Douglas explicou que o show de Imhof o trabalho muitas vezes era baseado em uma estrutura solta que permitia a improvisação. “Ela inventou seu próprio gênero dentro da arte”, disse Douglas, acrescentando que os artistas frequentemente se alimentavam da atenção errante dos visitantes, mesmo que os participantes ocasionalmente ultrapassassem seus limites.
Douglas disse que os dançarinos confiscaram os smartphones dos membros do público depois que eles foram colocados em seus rostos e que ela teve que “checar o corpo” dos espectadores que invadiram seu espaço. Bultheel, o compositor, disse que durante uma apresentação em Veneza, um estranho se aproximou por trás dele e começou a passar os dedos por seus cabelos. “Isso foi muito estranho”, lembrou ele.
As reações dos visitantes nas exibições em Paris, disse Imhof, serão impossíveis de prever. O show, disse ela, foi parcialmente influenciado pelos escritos de Antonin Artaud, o escritor francês que criou o “teatro da crueldade”, no qual os artistas atacam os sentidos do público. Outro escritor francês, Georges Bataille e Franz Kafka também foram influências, disse ela.
Sentada na área de ensaio e olhando para uma planta baixa, ela disse que a performance incluiria motos sujas, um falcão vivo e um coiote de pelúcia. Mas ela ainda estava lutando com a logística de uma sequência em que os artistas se lavariam em pequenas piscinas, um ritual de limpeza que ela disse ter sido parcialmente inspirado pela pandemia do coronavírus.
“O problema com as pessoas molhadas é que elas estão molhadas”, disse ela, acrescentando que estava preocupada em danificar as obras de arte próximas, ou que o público pudesse escorregar e cair. Apesar de todas as suas provocações, ela não queria que ninguém se machucasse.
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