Camille A. Brown tinha muito que se atualizar. Ela não fazia parte da equipe criativa original por trás da ópera “Fire Shut Up in My Bones” de Terence Blanchard, quando foi apresentada em 2019 em St. Louis. Mas no Metropolitan Opera, onde a produção vai até sábado – a primeira vez que uma obra de um compositor negro foi apresentada lá em seus 138 anos de história – seu toque é palpável.
Claramente, ela o alcançou. E ela está fazendo história também: Brown, que divide as funções de direção com James Robinson, é a primeira artista negra a dirigir uma produção principal do Met. Ela também é a coreógrafa da ópera e, como tal, trouxe a dança social – passo, a forma percussiva popular em faculdades e universidades historicamente negras (HBCU) – ao palco do Met.
O ato de abertura III é um número de etapa que interrompe o show em suas trilhas. Na noite de estreia, os dançarinos mantiveram sua pose final, um pé cruzado sobre o outro enquanto o suor escorria por seus rostos. Congelados em uma linha de frente para o público, eles tentaram controlar a respiração enquanto o público batia palmas e rugia. E bateu palmas e rugiu mais um pouco. Durou mais de um minuto e foi espetacular.
Quando foi a última vez que um dança parou uma ópera em suas trilhas? Brown, uma dançarina indicada ao Tony que coreografou “Porgy and Bess” sob a direção de Robinson no Met, nunca experimentou nada parecido.
“Fiquei emocionada”, disse ela. “Fiquei emocionado no momento. Fiquei emocionado com a dança social. Fiquei emocionado com os dançarinos no palco que trabalharam por seis semanas para montar esse show ”.
Ela acrescentou: “Eu sinto que o público – para mim – estava batendo palmas por vários motivos. Era sobre a dança, mas era sobre o que significava ver isso no palco. E legado. ”
O passo e seu uso do corpo como instrumento percussivo falam à experiência negra: Quando seus tambores foram retirados, os escravos criaram ritmo com seus corpos. Na ópera, a etapa entra em cena quando o protagonista, Charles (Will Liverman), é um estudante universitário e se compromete na fraternidade Kappa Alpha Psi. Ele também continua lutando com a experiência de ter sido molestado por seu primo mais velho quando era menino, visto em flashbacks. (A ópera é baseada nas memórias de 2014 do colunista Charles M. Blow do The New York Times.)
Embora o Ato I não contenha dança real, os personagens vagam pelo palco com uma textura vibrante – seu movimento pedestre diário, rico e real, é reconhecidamente marrom. Junto com o número da etapa, Brown coreografou outra grande dança, que abre o Ato II e mostra Charles cercado por dançarinos entrando e saindo de momentos eróticos. Cheio de tensão e saudade, revela o estado de espírito do personagem: confuso e angustiado, mas também intrigado.
Brown é adepto de expor emoções através do corpo. Os dançarinos, com os braços estendidos suplicantes, movem-se vívida e amplamente como se lavassem o palco com pinceladas. Mais tarde, eles se transformam em árvores enquanto Charles canta: “Tiramos nossa força de baixo. Nós nos dobramos, não quebramos. Nós balançamos! ”
Enquanto ele canta, Charles gira seu corpo para a frente em uma contração poderosa e abre os braços enquanto fica ereto e finalmente se eleva acima de seu sofrimento.
Em “Fire”, que será transmitido nos cinemas em 23 de outubro como parte da série Met Live em HD, Brown mostra sua gama coreográfica. “Havia o lado da dança mais contemporânea e também o lado mais rítmico”, disse ela. “Você não consegue sentir esses extremos em um lugar com muita frequência.”
E seu talento como diretor só está crescendo. A seguir? Ela dirige o Revival da Broadway de “For Colored Girls Who Have Considered Suicide / When the Rainbow Is Enuf”, de Ntozake Shange. Recentemente, Brown falou sobre seu trabalho em “Fire” e homenagear seus ancestrais. O que se segue são trechos editados dessa conversa.
Como você, como coreógrafo e diretor, imaginou a ópera?
Quando estou trabalhando em um programa, e como diretor de minha empresa, sempre tento descobrir qual é o meu ponto de entrada para a história? Pensei em alguns de meus queridos amigos que tinham histórias muito semelhantes, então entrei dessa forma.
Quando ouvi pela primeira vez sobre a ópera e descobri que havia uma seção de fraternidade, fiquei muito animado. Há uma oportunidade de fazer uma dança de passo dentro de um ópera?
Por que é tão importante colocar a dança social no palco do Met?
Falamos sobre Terence sendo o primeiro compositor negro no palco do Met. E junto com isso vem a lente preta e junto com naquela vem a cultura negra falada ou dançada através das lentes Negras. E sabendo que, em um ponto da história do Met, os negros não tinham permissão para se apresentar naquele palco.
Então você vai daí para agora: estamos fazendo algo que está tão enraizado na tradição africana no palco do Met. Isso é tão poderoso. Você vê a fraternidade-irmandade, você vê o HBCU, mas você também vê o Dança juba [the African-American percussive form that uses the feet and the hands]. E você vê a diáspora africana no palco.
Como você juntou o número?
Eu me inspirei em dois filmes: “Drumline” e “School Daze”. Sempre adorei “School Daze” e, quando surgiu a oportunidade de criar a cena da fraternidade, achei que precisava ser um momento. Sim, Charles está comprometido, e está passando por essa experiência, mas também é importante, especialmente estar no palco do Met, mostrar o máximo que pudermos do que é toda essa experiência.
Eu quero falar sobre o balé dos sonhos. Tudo bem se eu chamar assim?
[Laughs] Sim, sim, tudo bem.
O que você estava pensando?
Em qualquer show que eu fiz, sempre há uma peça que é muito, muito difícil para mim. E isso é o que você chama de balé dos sonhos. Nas primeiras duas semanas trabalhando nisso, eu estava pirando um pouco porque não estava gostando do que estava fazendo.
O que aconteceu?
Eu estava conversando com meu co-diretor, James Robinson, sobre o filme “Moonlight” e sobre como Charles estava lutando contra o que chamamos de fantasmas em seus sonhos – e como eles o assombravam, mas também o atraíam. E então eu me dei um tempo e relaxei em me criticar e disse, quer saber? Apenas jogue. Dê a si mesmo o espaço para descobrir.
Como “Moonlight” influenciou você?
Apenas pelas belas imagens. Só queria falar sobre relacionamentos e a sensibilidade, e como é a sensação de tocar alguém pela primeira vez? Sentindo que está errado, mas querendo confiar que está tudo bem.
Quão envolvida você esteve no primeiro ato?
Pode ser fácil para alguém entrar e sair, Oh, bem, ela acabou de fazer a coreografia. Mas esse realmente não foi o caso. James e eu estávamos pensando sobre a cena do abuso sexual e como o refrão interage.
A maioria dos membros do refrão também estava em “Porgy”, então eu já havia trabalhado com eles. Estávamos conversando sobre como elas movam-se porque, embora tecnicamente não estejam dançando, eles ainda estão se movendo. E é a década de 1970. Vimos alguns vídeos e conversamos: Quais foram os pequenos caminhos que as pessoas percorreram para indicar a época?
Era Katherine Dunham em sua mente ao longo dessa experiência?
Oh! Por que você pergunta?
Por causa de seu uso de dança social e o fato de que ela coreografou no Met. E porque muito dessa ópera, em sua raiz, é sobre o corpo como uma força. É urgente. Isso me fez pensar em sua linhagem.
Sempre carrego ela e Pearl Primus e Dianne McIntyre e Marlies Yearby no espaço comigo. Este é um momento histórico, mas também é sobre pessoas que abriram o caminho para você. Está vindo de um lugar profundo – está vindo da dança social. Como posso contribuir para esse legado de coreógrafos negros mergulhando no espaço diaspórico africano? É contribuir para o espaço. Quando fazemos o que sabemos e mostramos como somos honestos em nossas decisões, isso é honrar nossos ancestrais.
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