Um boné de beisebol estilo MAGA, escarlate e com slogans, está em uma prateleira, como se estivesse à venda, cercado por outros produtos promocionais: camisetas, sacolas, isqueiros. “Make Amerika Red Again” está bordado na frente do boné, que também é costurado com lindos bordados e encimado por uma pena amarela.
Onde estamos? Aparentemente, na seção de mercadorias do que parece ser uma combinação de sede de campanha, showroom de tecnologia, centro de vigilância e cenário. É decorado com mesas, cadeiras, pôsteres e várias telas digitais, todos pertencentes a algo chamado Nova Ordem Vermelha, uma autodeclarada “sociedade pública secreta” de artistas e cineastas que buscam revelar o “segredo aberto” da expansão ocidental. Quer saber mais, talvez se juntar? Ligue para l 1-888-NEW RED1 no telefone rotativo (vermelho) do escritório (ou no seu celular) para obter detalhes.
Onde também estamos é no Museu de Arte de Hessel aqui no Bard College, e mais especificamente em uma exposição chamada “Teatro indiano: performance nativa, arte e autodeterminação desde 1969”. A faculdade estabeleceu recentemente um Centro de Estudos Indígenas e, sob seus auspícios, um membro do corpo docente da Bard, a estudiosa indígena Candice Hopkins, organizou uma divertida mostra de grupo intergeracional de cerca de 30 artistas nativos americanos (96 mais velhos; 29 mais jovens), entre eles Jeffrey Gibson , que representará os Estados Unidos na Bienal de Veneza de 2024.
O reconhecimento pelo mundo da arte – muito menos pelo mundo real – até mesmo da existência da arte nativa americana contemporânea tem sido lamentavelmente lento para chegar e foi gerado principalmente dentro da própria comunidade indígena. Hopkins toma uma de suas iniciativas como trampolim para o show.
Este data de 1969 e coincidiu com a ocupação politicamente galvanizada da Ilha de Alcatraz por um grupo de ativistas indígenas chamados Indians of All Tribes. No início do mesmo ano, o designer de moda nativo americano Lloyd Kiva New (1916-2002), co-fundador do Institute of American Indian Arts, então uma escola incipiente em Santa Fe, NM, apresentou um projeto cultural discretamente radical.
Em colaboração com o instrutor de dança e teatro do instituto, Rolland R. Meinholtz, ele escreveu um tratado propondo o desenvolvimento de um novo “American Indian Theatre”, baseando-se na premissa de que muito da arte indígena tradicional era fundamentalmente teatral por natureza, incorporando movimento, som, mascaramento, narrativa, ação comunitária e que esses elementos podem ser organizados para criar novas formas distintas. Ele imprimiu a proposta como um livreto de 40 páginas, cuja cópia original abre esta mostra.
Suas ideias tiveram compradores, entre eles três irmãs nova-iorquinas descendentes de Kuna/Rappahannock — Lisa Mayo (1924-2013), Muriel Miguel e Gloria Miguel, a artista sênior do espetáculo — que em 1976 formou o Spiderwoman Theatre, agora um dos mais antigos empresas femininas nos Estados Unidos.
As apresentações de baixo orçamento e alta energia do grupo foram alimentadas – ainda são – por um coquetel de feminismo radical, consciência étnica e humor estridente, tudo evidente na Bard em um vídeo completo de seu “Cabaret: An Evening of Disgusting Songs and Pukey Images” do final dos anos 1970. (Eu os vi representar no Teatro da Cidade Nova e eles praticamente explodiram as paredes.)
O artista performático californiano James Luna (1950-2018), criador do boné “MAGA” com contas, também percebeu que o humor aplicado a histórias sombrias poderia funcionar. (Ele se referiu a si mesmo como um “palhaço cerimonial do índio americano”.) Em 1985, em resposta à objetificação dos nativos americanos e à noção de que a única boa arte indígena estava no passado, ele ficou deitado vestindo apenas uma tanga, por horas em uma vitrine de museu, imóvel, mas perceptivelmente respirando.
E em uma instalação de 1990 recriada em Bard chamada “AA Meeting/Art History”, ele aborda os efeitos letais do alcoolismo na vida nativa. Em um vídeo, vemos pessoas sentadas em círculo conversando sobre tentar ficar sóbrias, e vemos Luna bebendo o que parece ser uma bebida e monologando sobre seu amor pela arte, como se os dois fossem inseparáveis.
Outros vídeos de performance são diferentes do tom de Luna. Ao longo de quatro breves peças autobiográficas, Theo Jean Cuthand percorre um caminho da identidade lésbica à identidade masculina trans com entusiasmo vibrante. A visão do drone de Cannupa Hanska Luger em 2016 de manifestantes com espelhos em Standing Rock transforma um protesto em uma procissão crescente. E em um doce vídeo curto da Asinnajaq de Montreal (também conhecida como Isabella Rose Rowan-Weetaluktuk), uma figura (a artista) surge como um espírito da terra debaixo de uma pilha de pedras, parecendo tão surpresa com sua emergência quanto nós. .
Outros artistas abordam a teatralidade de forma mais oblíqua, por meio do figurino. As camisetas de KC Adams costuradas com frases politicamente carregadas – “Ex-proprietário de terras”, “Escalpelamento está no meu sangue” – foram originalmente feitas para apresentações. Em uma série de grandes retratos coloridos de mulheres indígenas feitos pela fotógrafa Dana Claxton, os assistentes (incluindo Claxton) usam camadas de contas e tecidos tão densos que sugerem trajes cerimoniais.
Uma pintura de várias figuras intitulada “Paperdolls for a Post-Colombian World” (2021) de Jaune Visão Rápida Smith — cujo poderoso Whitney Museum retrospectiva de carreira fecha neste domingo – conta toda uma história contínua de manipulação e repressão colonial por meio de detalhes do vestuário. Uma pintura inicial quase abstrata de Kay WalkingStick também incorpora uma história, pessoal e doméstica. Sua única imagem é do avental de trabalho cinza simples que WalkingStick usava na década de 1970, como uma jovem mãe em casa e como uma jovem artista financiando seu estúdio.
Grandes esculturas independentes são inerentemente dramáticas. “Novo certificado de pele de sangue de índio da mulher cervo”, de Natalie Ball, que sugere uma espécie de explosão acolchoada, certamente tem presença. Da mesma forma, de uma forma assustadora, faz o “Counterblaste” de Gabrielle L’Hirondelle Hill, uma figura feminina nua em tamanho real, parte humana, parte animal, feita de meia-calça recheada com tabaco, entulhos de rua e flores silvestres. Maiores do que ambas são as tecelagens de fibras, modeladas em formas de joias indígenas, de Eric-Paul Riege, o participante mais jovem da exposição. Mas, embora monumentais em tamanho, eles são íntimos em efeito. Riege os usa como adereços em apresentações – os empurra para o lado, os move – e os visitantes podem (encorajados, até) tocá-los.
(Várias apresentações – de Gibson, Rebecca Belmore e Maria Hupfield – foram encomendadas para o show, mas experimentadas apenas em uma programação limitada.)
O som foi um componente vital da visão de 1969 para um novo American Indian Theatre, que considero uma nova arte indiana. No início dos anos 1960, quando a mania de música folk e étnica era alta, uma empresa chamada Registros indianos, Inc. lançou muitos LPs de música nativa. Mais tarde, a empresa faliu, mas alguns dos LPs sobreviveram e nós os ouvimos – a bateria, o canto – tocando em uma plataforma giratória de galeria e filtrando o show.
Na mesma galeria, mas expostas sob um vidro, estão as gravações feitas por Ida Halpern, uma etnomusicóloga que veio de Viena para a Colúmbia Britânica na década de 1930 para documentar a música indígena, apenas para descobrir que não apenas a execução de música nativa foi proibida pelo governo , mas que as comunidades indígenas consideravam certas músicas religiosas sagradas demais para serem ouvidas por ouvintes não nativos. O silêncio duplamente imposto transforma as gravações de Halpern em artefatos visuais – você pode vê-los, mas não ouvi-los – e é comemorado na instalação de parede de Sonny Assu com 136 discos de cobre brilhantes, mas impossíveis de tocar.
Não existe tal proibição em vigor na instalação audiovisual loquaz, “Conscientious Conscripture”, que é a sede da Nova Ordem Vermelha (NRO). Fundado pelos artistas Jackson Polys, Adam Khalil e Zack Khalil, o projeto do coletivo é essencialmente uma performance satírica estendida, embebida em humor negro e com a intenção de expor a relação de amor/ódio da América com a cultura nativa, que abraçou na forma de fantasia e na realidade fez todos os esforços para apagar. O objetivo da NRO é ir além dos reconhecimentos de terras e da verificação da diversidade para, em suas próprias palavras, “promover futuros indígenas e cobrar dívidas coloniais”.
Como está nessa agenda? Quem pode dizer? O projeto ainda é novo e, afinal, é só arte. Mas se acumular “apenas arte” o suficiente – lembra-se de seu papel na crise da AIDS? — pode gerar energia utilizável. E no momento, a arte nativa americana tem uma presença no mundo da arte que não tinha antes.
Veneza ainda está a um ano de distância, mas há uma grande pesquisa sobre obras nativas contemporâneas que será inaugurada em 22 de setembro no Galeria Nacional de Arte em Washington, DC, organizado por Jaune Quick-to-See Smith. No início do mês, uma mostra de quatro jovens artistas nativos será inaugurada na Galeria James Fuentes, no Lower East Side, com Natalie Ball como co-curadora. Em novembro, Ball fará uma reverência solo de Whitney.
E com mais vindo, talvez a nova arte americana finalmente tenha uma tendência vermelha, como Luna insistiu.
Teatro indiano: performance nativa, arte e autodeterminação desde 1969
Até 26 de novembro, Hessel Museum of Art, Bard College, Annandale-on-Hudson, NY, 845-758-7598, ccs.bard.edu.
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