Eu me pergunto se algo como o oposto está acontecendo agora: o fascínio do presentismo está fazendo com que as pessoas romantizem as perspectivas contemporâneas às custas de um passado excessivamente vilipendiado. É desconfortável morar em áreas cinzentas, admitir imperfeições, reconhecer pontos cegos – melhor ter um documentário de 100 minutos ou um podcast de quatro partes para nos permitir “reconsiderar” ordenadamente algo que erramos na primeira vez, então nós nunca mais terá que pensar muito sobre isso.
Mas acreditar na narrativa linear e unidimensional de que Woodstock ’99 ou a cobertura misógina da mídia de Britney Spears só podem ser visíveis em retrospectiva é ignorar o fato de que muitas pessoas se sentiram desconfortáveis com esses fenômenos enquanto eles estavam acontecendo. Para cumprir obedientemente um horror tardio ao ver como os tabloides escreveram sobre Spears no início dos anos 2000, como a cultura do rock machista era no final dos anos 90, como os brancos racistas que ouvem hip-hop usava ser é, de certa forma, acreditar em uma ficção reconfortante de que todos esses problemas foram resolvidos de uma vez por todas.
O passado era imperfeito, sim, mas o presente também é. Inevitavelmente, o futuro também será. A lição a ser tirada de todas essas reconsiderações não é necessariamente o quanto somos mais sábios agora, mas como é difícil ver os preconceitos do momento presente. No mínimo, esses olhares para trás deveriam ser lembretes para ficarmos vigilantes contra o presentismo, a sabedoria convencional e a ortodoxia entorpecente do pensamento de grupo. Eles nos convidam a questionar os pontos cegos de nosso momento cultural atual e a ficar atentos aos tipos de comportamentos e suposições que, em 20 anos, parecerão míopes o suficiente para aparecer em uma montagem kitsch sobre como as coisas eram.
O melhor filme que vi este ano rompeu este ciclo, essencialmente apresentando uma outra forma, mais harmoniosa, de coexistência de passado e presente. O documentário notável e envolvente de Todd Haynes, “The Velvet Underground”, não retratou muito o passado através das lentes críticas limitadas do presente, mas sim conjurou sua própria temporalidade visceral – um pouco como Andy Warhol fez em sua própria arte lenta e estranha filmes.
Eu não estava vivo em 1967, o ano em que o Velvet Underground lançou seu álbum de estreia, mas por duas horas inebriantes e hipnóticas, eu poderia jurar que estava. Imagens em tela dividida sugeriam a validade de várias verdades. O brilho estridente da música choveu evidentemente, ao invés de ter que ser explicado demais por cabeças falantes. Lou Reed, John Cale, Nico e Moe Tucker pareciam, em vários momentos, gênios e idiotas. Nem glorificado nem condenado, 1967 ganhou vida e parecia uma época tão maravilhosa e terrível para se estar vivo quanto 1999 ou 2021. Ou, ao que parece, 2022.
Eu me pergunto se algo como o oposto está acontecendo agora: o fascínio do presentismo está fazendo com que as pessoas romantizem as perspectivas contemporâneas às custas de um passado excessivamente vilipendiado. É desconfortável morar em áreas cinzentas, admitir imperfeições, reconhecer pontos cegos – melhor ter um documentário de 100 minutos ou um podcast de quatro partes para nos permitir “reconsiderar” ordenadamente algo que erramos na primeira vez, então nós nunca mais terá que pensar muito sobre isso.
Mas acreditar na narrativa linear e unidimensional de que Woodstock ’99 ou a cobertura misógina da mídia de Britney Spears só podem ser visíveis em retrospectiva é ignorar o fato de que muitas pessoas se sentiram desconfortáveis com esses fenômenos enquanto eles estavam acontecendo. Para cumprir obedientemente um horror tardio ao ver como os tabloides escreveram sobre Spears no início dos anos 2000, como a cultura do rock machista era no final dos anos 90, como os brancos racistas que ouvem hip-hop usava ser é, de certa forma, acreditar em uma ficção reconfortante de que todos esses problemas foram resolvidos de uma vez por todas.
O passado era imperfeito, sim, mas o presente também é. Inevitavelmente, o futuro também será. A lição a ser tirada de todas essas reconsiderações não é necessariamente o quanto somos mais sábios agora, mas como é difícil ver os preconceitos do momento presente. No mínimo, esses olhares para trás deveriam ser lembretes para ficarmos vigilantes contra o presentismo, a sabedoria convencional e a ortodoxia entorpecente do pensamento de grupo. Eles nos convidam a questionar os pontos cegos de nosso momento cultural atual e a ficar atentos aos tipos de comportamentos e suposições que, em 20 anos, parecerão míopes o suficiente para aparecer em uma montagem kitsch sobre como as coisas eram.
O melhor filme que vi este ano rompeu este ciclo, essencialmente apresentando uma outra forma, mais harmoniosa, de coexistência de passado e presente. O documentário notável e envolvente de Todd Haynes, “The Velvet Underground”, não retratou muito o passado através das lentes críticas limitadas do presente, mas sim conjurou sua própria temporalidade visceral – um pouco como Andy Warhol fez em sua própria arte lenta e estranha filmes.
Eu não estava vivo em 1967, o ano em que o Velvet Underground lançou seu álbum de estreia, mas por duas horas inebriantes e hipnóticas, eu poderia jurar que estava. Imagens em tela dividida sugeriam a validade de várias verdades. O brilho estridente da música choveu evidentemente, ao invés de ter que ser explicado demais por cabeças falantes. Lou Reed, John Cale, Nico e Moe Tucker pareciam, em vários momentos, gênios e idiotas. Nem glorificado nem condenado, 1967 ganhou vida e parecia uma época tão maravilhosa e terrível para se estar vivo quanto 1999 ou 2021. Ou, ao que parece, 2022.
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