Em nosso mundo amplamente amplificado, transmitido e conectado digitalmente, os espaços vibrantes onde as obras clássicas são executadas de maneira ideal são preservações preciosas da acústica natural.
Obviamente, devemos ter cuidado para não permitir que o ambiente dessas experiências pareça rarefeito, como se o público estivesse entrando em templos sagrados. Mesmo assim, mesmo os recém-chegados que aprendi a ouvir uma orquestra renomada no Carnegie Hall costumam ficar impressionados com o som vibrante e ressonante. Podemos estar perdendo hoje a oportunidade de vender um concerto clássico como uma quebra da rotina, um convite para desligar aparelhos e sentar em silêncio entre outros – ouvindo, às vezes por longos períodos, obras que exigem nosso foco, músicas que podem ser majestosas , místico, estilhaçante, terno, doloroso, frenético, vertiginoso ou todos os anteriores.
Desde o início do século 20, os recursos eletrônicos expandiram dramaticamente a gama e a paleta de sons e cores. Olivier Messiaen, Steve Reich, Philip Glass, Meredith Monk, Osvaldo Golijov e muitos outros compositores criaram obras que dobram de forma criativa os sons eletrônicos em conjuntos tradicionais – com resultados fascinantes.
Ainda assim, espero que os compositores e intérpretes nunca percam a magia do som não amplificado na acústica natural. Pense em como o musical da Broadway mudou a partir do início dos anos 1960, quando a amplificação se tornou comum, muitas vezes em excesso. Só posso imaginar como deve ter sido glorioso ouvir Ethel Merman e Ginger Rogers em “Girl Crazy” em um teatro sem amplificação – ou John Raitt, que poderia ter sido um barítono de Verdi, cantando “Soliloquy” de Billy em “Carousel. ” Esses dias acabaram.
Durante o tempo que fiz reportagens neste campo, fiquei continuamente impressionado com a energia empreendedora de artistas que – percebendo que as carreiras tradicionais estavam se tornando limitadas e que as principais instituições estavam negligenciando as novas gerações de criadores – se aventuraram por conta própria . Eles formaram coletivos e conjuntos compositores-performer, como Bang on a Can, que apresenta concertos e festivais de música experimental; e o International Contemporary Ensemble, fundado pela flautista Claire Chase, que tem sido uma voz apaixonada convocando jovens músicos a criar seus próprios grupos e dar concertos em qualquer lugar, de qualquer maneira.
Em nosso mundo amplamente amplificado, transmitido e conectado digitalmente, os espaços vibrantes onde as obras clássicas são executadas de maneira ideal são preservações preciosas da acústica natural.
Obviamente, devemos ter cuidado para não permitir que o ambiente dessas experiências pareça rarefeito, como se o público estivesse entrando em templos sagrados. Mesmo assim, mesmo os recém-chegados que aprendi a ouvir uma orquestra renomada no Carnegie Hall costumam ficar impressionados com o som vibrante e ressonante. Podemos estar perdendo hoje a oportunidade de vender um concerto clássico como uma quebra da rotina, um convite para desligar aparelhos e sentar em silêncio entre outros – ouvindo, às vezes por longos períodos, obras que exigem nosso foco, músicas que podem ser majestosas , místico, estilhaçante, terno, doloroso, frenético, vertiginoso ou todos os anteriores.
Desde o início do século 20, os recursos eletrônicos expandiram dramaticamente a gama e a paleta de sons e cores. Olivier Messiaen, Steve Reich, Philip Glass, Meredith Monk, Osvaldo Golijov e muitos outros compositores criaram obras que dobram de forma criativa os sons eletrônicos em conjuntos tradicionais – com resultados fascinantes.
Ainda assim, espero que os compositores e intérpretes nunca percam a magia do som não amplificado na acústica natural. Pense em como o musical da Broadway mudou a partir do início dos anos 1960, quando a amplificação se tornou comum, muitas vezes em excesso. Só posso imaginar como deve ter sido glorioso ouvir Ethel Merman e Ginger Rogers em “Girl Crazy” em um teatro sem amplificação – ou John Raitt, que poderia ter sido um barítono de Verdi, cantando “Soliloquy” de Billy em “Carousel. ” Esses dias acabaram.
Durante o tempo que fiz reportagens neste campo, fiquei continuamente impressionado com a energia empreendedora de artistas que – percebendo que as carreiras tradicionais estavam se tornando limitadas e que as principais instituições estavam negligenciando as novas gerações de criadores – se aventuraram por conta própria . Eles formaram coletivos e conjuntos compositores-performer, como Bang on a Can, que apresenta concertos e festivais de música experimental; e o International Contemporary Ensemble, fundado pela flautista Claire Chase, que tem sido uma voz apaixonada convocando jovens músicos a criar seus próprios grupos e dar concertos em qualquer lugar, de qualquer maneira.
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