“Inspirando Walt Disney: a animação das artes decorativas francesas, ”Que estreou este mês no Metropolitan Museum of Art, é uma exposição clássica de férias: para toda a família, espumosa, que não pede muito trabalho pesado. E como a própria temporada de férias, sua promessa é um pouco exagerada.
A exposição traça, muitas vezes em detalhes granulares, os elementos díspares dos movimentos estéticos europeus que os animadores da Disney, cerca de 600 fortes no final da década de 1930, incorporaram em seus filmes: o Rococó francês em “A Bela e a Fera” (1991); Arquitetura neogótica em “Cinderela” (1950), arte do final da Idade Média e início da Holanda em “A Bela Adormecida” (1959), Romantismo germânico do século 19 em “Branca de Neve” (1937). Todas essas histórias se originaram na Europa, então a ideia de que a máquina Disney enraizou sua interpretação visual na arte europeia não é tanto um salto quanto, digamos, encenar “Hamlet” em Manhattan da era Y2K.
Como o título sugere, há uma abundância de castiçais de bronze dourado francês do século 18 e estatuetas de porcelana de biscoito de pasta macia, mas também, por força dos quatro filmes da Disney incluídos na tese, uma boa parte de alemão, holandês e exemplos britânicos também. E essas peças, 60 no total e em grande parte da própria coleção do museu, são superadas em mais de dois para um por itens emprestados diretamente da Disney: 150 peças de arte conceitual, obras em papel e filmagens da Biblioteca de Pesquisa de Animação Walt Disney , Arquivos de Walt Disney, Coleção Walt Disney Imagineering e Museu da Família Walt Disney, que podem fazer o espectador na exposição se sentir como Alice caindo na toca do coelho em uma postagem de conteúdo patrocinado. (O Met diz que a exposição não é patrocinada pela Disney, o que não tenho certeza torna esse nível de capricho corporativo sancionado melhor ou pior.)
O original “A Bela e a Fera” é um conto de fadas da era Rococó escrito pela romancista francesa Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve, e mais tarde popularizado por Jeanne-Marie Leprince de Beaumont. (Jean Cocteau também fez uma versão cinematográfica popular, em 1946.) Nenhum desses três tratamentos apresentava relógios Boulle antropomorfizados e bules com sotaques inexplicavelmente ingleses, entendidos como o triunfo da Disney. A exposição credita esse florescimento, no entanto, a Próspero Jolyot de Crébillon, cujo romance de 1742, “O sofá, um conto moral”, conta a história de um homem punido por sua falta de sinceridade por ter sua alma condenada a habitar sofás até testemunhar um verdadeiro declaração de afeto.
A exposição explica que esse progenitor era desconhecido para os animadores da Disney e atribui a invenção da empresa ao acaso. O Met tenta aterrar esta seção com um sofá de veludo vermelho atraente (luz noturna otomana) datado de cerca de 1760, para mostrar as suas raízes rococó.
Embora não haja nenhuma desculpa ruim para olhar para um sofá magnífico ou um serviço de jantar ricamente adornado e milagrosamente completo em Sèvres por volta de 1775, como também está em exibição aqui, sua afinidade implícita com a dupla de copa da Disney “A Bela e a Fera” da Sra. Potts ( transformada em um bule) e seu filho Chip (uma xícara de chá) parece abatido e contraditório. Na verdade, aprendemos que os animadores da Disney acharam impossível traduzir as linhas sinuosas do Rococó, em vez disso optaram por uma expressão estilística neutra. Isso é mais decepcionantemente visto aqui no figurino dos desenhos animados para seus personagens masculinos: a extravagância do Rococó foi atenuada para não alienar os conceitos americanos de masculinidade. Um Gastão historicamente correto teria se deliciado com um colete opulento bordado e jabot com babados, em vez de um decote em V de cor sólida, cujo único adorno era o decote profundo.
Além dos visuais, há um paralelo mais estreito entre o objetivo da Disney de entretenimento de massa e a expressão superficial de prazer do Rococó que permanece inexplorada na mostra (a exposição é organizada por Wolf Burchard, curador associado do Met). Ambas as escolas refletem o otimismo míope de seus criadores, o Rococó, com seus excessos de ornamentação, paleta de cores pastel e formas curvilíneas que evocam juventude e erotismo; Disney com suas idéias achatadas sobre o bem e o mal e finais organizados. Esse otimismo rendeu mais à Disney do que ao Rococó, cuja decadência aristocrática ajudou a instigar a Revolução Francesa.
A exposição se contenta com rimas forçadas, como a sugestão de que uma natureza morta turbulenta de bufê de Alexandre François Desportes (1661-1743) possivelmente se assemelha à linha de coro candelabro dançante de “Seja nosso Convidado, ” e que o sátiro que preside a festa da pintura tem parentesco com Lumière.
Uma das influências mais claras e duradouras da Disney é a Castelo de Neuschwanstein na Baviera, uma confecção historicista do século 19 construída em homenagem a Richard Wagner. É o modelo direto para as peças centrais dos parques temáticos da Disney em todo o mundo, e várias iterações de seu logotipo, então é surpreendente que Neuschwanstein só faça uma breve aparição no final da exposição. Embora para ser justo, “Inspirando Walt Disney, a Animação do Burgenromantik” não sai tão facilmente da língua.
Você pensaria que a Disney faria objeções à análise do Met de suas técnicas apropriativas, mas a exposição tem o cuidado de não usar a palavra “A” (o catálogo extenso aborda essa ideia de forma mais completa). Os filmes da Disney são “influenciados” e “inspirados” pela arte europeia, em vez de exibi-la no atacado. Mas a exposição seria melhor servida localizando a obra da Disney no continuum de furtos velados que animam a história da arte. Não há vergonha em roubar, como atestam as cópias de Ticiano de Rubens.
Em vez disso, a exposição fornece uma análise fascinante, embora não intencional, da compulsão particularmente americana de pegar as idéias europeias e torná-las um pouco piores (cultura do café, pão, democracia) e a compulsão corporativa de tornar essas idéias um pouco piores ainda.
Os mais interessantes dos artefatos fornecidos pela Disney à vista são os painéis de arte conceitual de seus famosos animadores – os guaches de cores vibrantes e quase abstratos de Mary Blair; As pinturas de fundo em camadas profundas de Eyvind Earle; Os tons pastéis evocativos de Mel Shaw; e os suntuosos esboços preparatórios de Kay Nielsen, todos eles em grande parte jogados no lixo ou achatados, de acordo com a exposição, no realismo do acabamento fosco da Disney. Eles parecem totalmente estranhos para suas contrapartes finais, e não se pode deixar de fantasiar sobre o quão mais ricos aqueles filmes poderiam ter sido se eles tivessem sido fiéis à visão de seus artistas.
A produção da Disney é arte? Não é realmente uma questão que perturba a exposição, mas uma que a exposição insiste em imprimir em letras grandes de qualquer maneira, presumivelmente para se antecipar à crítica. Em 1938, ficamos sabendo no programa, quando o Met aceitou o presente da Disney de um celular de animação de “Branca de Neve” em sua coleção, Walt Disney astutamente sugeriu que muitos dos antigos mestres que ele estava ingressando seriam ótimos funcionários, até mesmo como o homem que foi indiscutivelmente o maior empregador de artistas do país posados de camponeses (“Bem, veja da Vinci. Ele era uma ótima mão para experimentos. Ele poderia ter remendado o quanto quisesse trabalhando para nós … Mas não me pergunte nada sobre arte . Eu não sei nada sobre isso. ”).
Agora como então, o Met posiciona sua atual inclusão da Disney no mesmo registro de visão ousada, como se a Disney ainda fosse um estúdio de animação de vanguarda e não o maior conglomerador mundial de IP de entretenimento
A autoconsciência não é necessária; A Disney transcendeu o debate de altos e baixos há muito tempo. Uma pergunta melhor é se uma grande instituição de arte que dedica programação a um gigante corporativo multibilionário atende melhor ao público (o Met permite que a Condé Nast faça isso uma vez por ano, é claro, com seu Costume Institute Gala).
No momento em que você é cuspido no Tribunal Europeu de Esculturas de Petrie, é difícil dizer para quem isso tudo se destina. Os devotos das artes decorativas provavelmente hesitarão diante da diluição da forma, grande parte da qual está à vista em outras partes do museu, sem interrupção comercial; e é duvidoso que os completistas da Disney, que podem ser raivosos em sua devoção, tenham um buraco em forma de Rococó em seus corações.
“As crianças acreditam no que você diz a elas e elas não questionam”, diz o prefácio de “A Bela e a Fera” de Cocteau. Certamente a ingenuidade também ajuda aqui. Observei uma garotinha com um tutu de tule tentar escalar uma vitrine de estatuetas de porcelana Meissen de Johann Joachim Kändler, particularmente encantada com um grupo, uma raposa acompanhando um cantor no cravo. Ela estava se divertindo muito.
Inspirando Walt Disney: a animação das artes decorativas francesas
Até 6 de março, Metropolitan Museum of Art, 1000 Fifth Ave., (212) 535-7710, metmuseum.org.
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