Já faz um tempo desde que um desfile da New York Fashion Week atrasou uma hora e quase ninguém se importou.
Algum tempo depois daquele tipo de energia criativa anárquica – o tipo que uma vez definiu o espaço conhecido como “centro”, onde as pessoas subiam as escadas precárias de um cortiço no Lower East Side para ver Miguel Adrover fazer um vestido com o velho colchão de Quentin Crisp e derrubar o status quo — era suficiente para ocupar um quarto.
Isso não é apenas porque o Covid congelou tudo por dois anos, mas porque uma certa educação e bom comportamento se tornou uma característica definidora da moda de Nova York; uma estética anestesiante que prezava o belo ao invés do risco, o palatável ao explosivo, como o equivalente no guarda-roupa de suco verde e Nespresso. Houve a exceção ocasional gritantemente ambiciosa, como o mosh pit de Telfar em 2019 e o Kings Theatre de Kerby Jean-Raymond, mas principalmente, enquanto os trens funcionavam na hora, eles não foram muito longe.
É por isso que foi notável, no final da noite de sexta-feira, quando o mês da moda começou, que uma multidão de pessoas em plataformas altas e moletom volumoso e coisas de esconde-esconde estava (de pé!) esperando no Shed, o teatro em Hudson Yards, em uma sala bifurcada por andaimes de metal e uma passarela, quicando dos pés aos pés por mais de uma hora, esperando o show de Shayne Oliver começar.
Esperando, realmente, o próximo estágio da moda de Nova York começar.
Afinal, se alguém iria explodir tudo, seria o Sr. Oliver, cuja antiga gravadora, Hood by Air, era uma brincadeira sem remorso pelos campos da transgressão. Ele saiu de moda em 2017, mas agora ele estava de volta – não com um desfile normal, mas com uma extravagância de roupas de música artística de três dias chamada “Headless”, que envolveu a estreia de sua linha homônima e um plano para interromper o sistema.
Ele fez?
Não inteiramente. Ele cruzou cristais Swarovski prateados e jaquetas pretas de ombros pontiagudos, shorts curtos e botas wader-size com dedos alongados de aves de rapina, chapéus com tesão e vestidos de cetim rasgados. Havia muitas tiras e muita pele. Modelos (homens e mulheres) tinham muitos piercings e carregavam rosas brancas. Um usava uma bolsa Telfar brilhante como um peitoral; outro tinha óculos. Alguns vieram embrulhados no que parecia ser papel.
No final, Eartheater, a musicista pop industrial também conhecida como Alexandra Drewchin, apareceu em um longo vestido branco rasgado como uma espécie de noiva demônio interdimensional chorando em um microfone. Ela foi seguida por dois atendentes em sua maioria nus, um em uma tanga e um bolero adornado com fitas cassete velhas.
Metade do tempo nem o público nem as pessoas no show pareciam ter alguma ideia do que estava acontecendo ou para onde deveriam estar andando. Não importava necessariamente; o ponto era menos as roupas reais do que a energia que elas geravam. Pelo menos eles estavam em movimento. Pelo menos eles estavam indo para algum lugar e não apenas em círculos.
Depois de quase dois anos de limbo, isso pode ser suficiente.
Acontece que algumas horas antes Eartheater – ou melhor, uma composição Eartheater – havia feito outra aparição, tocada por um quinteto de violinos no show de Proenza Schouler. Foi uma coincidência, mas que serviu para sublinhar a lacuna entre como as coisas poderiam ser e como elas foram: por um lado, havia o incômodo real; do outro, uma versão mais suave e delicada, com as bordas lixadas.
As roupas também eram mais suaves: uma modernização do espartilho e da crinolina em tricô e seda que deviam tanto à Loewe de Jonathan Anderson quanto à Celine de Phoebe Philo. Vestidos e ternos foram construídos em três partes de blocos de cores – tops, cintura, bottom – de modo que torsos estreitos floresceram em saias de balão drapeadas, casacos e jaquetas vieram com seu próprio “cinto” de malha e as cinturas das calças foram abaixadas para criar um peplum no quadril.
Eles eram friamente elegantes, mas seguros. Como os designs de Jason Wu, que citou “costura americana” e “glamour aparentemente de outra era” em suas notas de show, e depois traduziu isso como um romance despojado com laços e botânicos desbotados em vestidos de dança esportivos e bermudas. , eles foram silenciados pelo bom gosto.
E o bom gosto parece, agora, meio irrelevante; uma relíquia de uma era menos marcada pela crise. É por isso que a ode emocional de Brandon Maxwell à sua avó (ou, como dizem as notas do programa, sua Mammaw, que foi uma de suas inspirações e que sofre de Alzheimer), em preto e branco, tricô e seda amassada, cintura marcada e meia silhuetas, parecia uma metáfora tão pontual. Um adeus não apenas a uma pessoa, mas a tudo isso.
Foi um empurrão de lágrimas, feito com graça, mas não resolveu o problema do que vem a seguir. (Esse foi, literalmente, o título do conto de Ottessa Moshfegh entregue no desfile Proenza Schouler – “Para onde iremos a seguir?” mas Jack McCollough e Lazaro Hernandez, fundadores e designers da marca, não resposta também.)
Para isso, veja Mike Eckhaus e Zoe Latta, da Eckhaus Latta, comemorando seu 10º ano de atividade.
Eles realizaram seu show no antigo mercado de Essex, um labirinto interno de prateleiras e bancadas refrigeradas que já serviu como o coração do bairro de Lower East Side e agora está programado para demolição para dar lugar a um arranha-céu. No interior, os tetos vazavam cabos elétricos e os pisos de cerâmica estavam rachados, mas o clima era de celebração, permeado por um sentimento de comunidade passada, mas também presente.
Esse sempre foi o cerne de seu trabalho, desde o casting de amigos e familiares em todas as formas e tamanhos até as roupas, que possuem uma inteligência artesanal singular que evita a fácil categorização; subversiva sem ser agressiva e intensamente tátil. Ao longo dos anos, eles se tornaram mais polidos e um pouco menos escola de arte, mas nunca perderam o senso de alma.
Veja o desfile, onde sua amiga e mentora (e famosa designer indie dos anos 90) Susan Cianciolo andou, assim como a modelo Frankie Rayder, cujo auge foi a virada do milênio, e a atriz Hari Nef. Lantejoulas nude cobriam saias e vestidos transparentes como escamas de peixe cintilantes; o denim era rasgado em franjas de seda ou cerzido com mohair de crochê; e cota de malha em forma de ameba foi juntada em um vestido. Camadas foram usadas para revelar pedaços de carne em lugares inesperados, como a parte interna da coxa e logo abaixo das nádegas. As cores eram papel alumínio, sangue de boi, chocolate e sapo. Terminou com um cara em um vestidinho preto, fechado nas costas.
O efeito era de um banquete gigante que poderia se transformar em uma orgia. O assunto era destruição e ressurreição ao mesmo tempo. Uma década atrás, isso fez Eckhaus Latta forasteiros (onde estava o bonito?), mas agora os torna visionários.
“O futuro são as pessoas andando na rua rindo”, dizia o poema em prosa distribuído no show, junto com uma revista cheia de lembranças de Eckhaus Latta e associações de pessoas que usam a marca; para quem está inserido em suas vidas.
Como resposta, funciona.
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