Tudo começou em meio aos ventos furiosos da tempestade Eunice, o ciclone extratropical que atingiu partes da Grã-Bretanha e do norte da Europa na semana passada, como se a própria natureza estivesse oferecendo uma metáfora para exatamente onde a indústria da moda está atualmente.
Não houve coquetel comemorativo em Downing Street, como houve no passado. (A sombra do “Partygate” de Boris Johnson ainda paira.) Os grandes nomes – Burberry, Victoria Beckham, JW Anderson – estavam ausentes, fazendo suas próprias coisas fora do cronograma. Correram rumores, confirmados mais tarde, de que a rainha Elizabeth havia testado positivo para Covid.
No entanto, apesar de tudo, e mesmo para aqueles como eu, ainda assistindo de longe através de lentes digitais, esta London Fashion Week foi o oposto de um aborto úmido.
Talvez seja porque foi a primeira temporada física real desde o início da pandemia ou talvez porque a falta de grandes kahunas deixou os peixinhos brilharem (ou talvez porque Nova York tenha tão pouca energia), os shows estavam fervendo de ideias e heróis locais se recusando para jogar pelo seguro. Com reescrita alegre não apenas das expectativas, mas da norma. Quão? Vamos contar os caminhos.
A rainha foi a musa sombra da temporada.
Este foi, talvez, o desenvolvimento mais previsível. Este é o ano do jubileu de platina de Sua Majestade – também conhecido como o 70º aniversário de sua ascensão ao trono – com todo tipo de comemorações (o Concurso de Pudim de Platina!) marcando seu status como a monarca reinante mais longa do país. Não que suas décadas de influência e criação de imagens tenham se infiltrado de uma maneira abertamente óbvia (leia-se: monocromático da cabeça aos pés mais uma bolsa preta). Em vez disso, foi a ideia de realeza, sua semiótica mais óbvia e a forma como foram apropriadas e reapropriadas por subculturas, que se tornaram notícia nas passarelas.
Isso ficou aparente nos maxi e micro flores de Richard Quinn em casacos de balanço com chapéus combinando e silhuetas moldadas de meados do século; suas faixas de tafetá envolvendo o corpo da cabeça encapuzada às calças sob medida. Na mistura de roupas esportivas utilitárias e grandeza gráfica de Roksanda, com gigantes baiacu e anoraques varrendo camadas explosivas. Nas capas que desciam dos ombros dos vestidos de chá de Emilia Wickstead.
E no tratado de Edward Crutchley sobre a cultura queer e o gótico, com seus veludos amassados escorregando pelo torso, teias de aranha furadas – e lista de leitura. (Exemplo: “The First Book of Fashion: The Book of Clothes of Matthaeus and Veit Konrad Schwarz of Augsburg,” Bloomsbury, 2015.) Muito dele foi usado por homens musculosos para enfatizar o ponto sobre gênero, poder e quem pode dizer que corpos, exatamente, merecem usar uma coroa.
Harris Reed resumiu o tema com um desfile característico de silhuetas de demi-costura intitulado – sim – “Sixty Years a Queen”, depois de um livro de 1897 publicado em homenagem ao jubileu de diamante da rainha Victoria e apresentando saias exageradas de sereia e um smoking envolto em um enorme laço de cetim amarelo.
O relacionamento especial fez uma aparição – e o upcycling veio para ficar.
A tão alardeada (ou criticada, dependendo do seu ponto de vista) relação entre os Estados Unidos e a Grã-Bretanha pode ter seus altos e baixos, mas nesta temporada foi a forragem criativa para Matty Bovan, cujo caos indumentário controlado veio na forma de estrelas, listras , jeans e vestidos de pradaria – os clichês desfiados, em camadas e de outra forma subvertidos. Connor Ives, um americano em Londres, povoou seu primeiro show com arquétipos femininos de sua terra natal, incluindo Kennedys (Jackie nas luvas de ópera e vestido trapézio de sua turnê em Paris; Carolyn Bessette em seu vestido de noiva de viés) e colegiais de cauda – todos construídos em uma base de estoque morto.
Não mais um experimento de nicho, o upcycling é cada vez mais uma abordagem para construir uma coleção. Nesse sentido, Priya Ahluwalia ofereceu uma mistura “Nollywood to Bollywood” de peças culturais e materiais em xadrez, seda sari, argyle e denim. E Chopova Lowena estendeu a estética do tecido e do hardware da grife para ternos de minissaia e malhas felpudas e táteis.
Assim é vestir lingerie.
Para todos os grandes volumes e silhuetas arrebatadoras à vista, também havia linhas despojadas no corpo – principalmente em Nensi Dojaka, que continuou a brincar de esconde-esconde com a parte de baixo em veludo, lantejoulas e até malhas elásticas. Mas também em Simone Rocha, que, inspirada no mito irlandês dos Filhos de Lir, adicionou transparências e vestidos à sua marca registrada, camadas sobre camadas de humor e material, babados e penas, para criar um agora você vê-lo -agora-você-não dose de tensão sedutora.
Houve uma aparição inesperada.
Não uma celebridade, mas Raf Simons. O estilista belga trocou seu horário habitual na programação de Paris para revelar seu vídeo conjunto masculino e feminino. Abrindo com as palavras irregulares, “The Ghost will let you in soon”, a apresentação foi ambientada em um salão de baile abandonado com um lustre de cristal ornamentado pendurado no teto e cadeiras variadas cobertas de chinelos carmesins espalhados pelo espaço, através dos quais os modelos enrolavam suas roupas. vestidos e macacões de vinil e látex sob casacos de alpaca felpudos e jaquetas de noite de náilon com pregas. Os rostos eram protegidos por bonés felpudos que pareciam um cruzamento entre um boné de beisebol e o hábito de uma freira ou um capacete militar e um pelicano; os pés estavam envoltos em galochas envernizadas.
Mochilas e bolsas estavam embrulhadas em laços e agasalhos de cetim brilhante, as pontas deixadas como um trem. Pequenos esqueletos pendiam das orelhas e mãos ossudas apertavam os pulsos. (O sr. Simons está se revelando habilidoso com acessórios.) A referência era a pintura “Provérbios Neerlandeses”, de Pieter Bruegel, o Velho.
Era assombrada e excêntrica ao mesmo tempo, assim como a coleção de Erdem Moralioglu, uma ode ao submundo decadente da Europa na década de 1930 através de jacquard, renda e seda com miçangas. Era mais ousado do que seu historicismo romântico habitual e mais interessante por isso.
E um grande retorno.
Ozwald Boateng, que fundou sua marca de alfaiataria em 1989, tornou-se o primeiro designer negro em Savile Row e, em seguida, um dos poucos designers negros a liderar uma marca de herança francesa quando foi nomeado diretor criativo da Givenchy Homme em 2003 (ele saiu em 2007 ), voltou às passarelas de Londres pela primeira vez em 12 anos.
Ele fez isso com um desfile de roupas sob medida que misturavam tons de joias e estampas da diáspora africana, sua herança ganesa e seu corte mestre. Foi uma celebração da “excelência negra” completa com 100 modelos e figuras da cultura pop desfilando e conversando no Savoy Theatre, incluindo Idris Elba, Goldie e o rapper Pa Salieu. O resultado foi um lembrete de quanto ele movia a agulha, um ponto de cada vez.
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