Em 2016, o Penumbra Theatre e o Oregon Shakespeare Festival contrataram Dominique Morisseau para escrever uma peça como parte do Revoluções Americanas: o Ciclo da História dos Estados Unidos. A missão: criar um trabalho sobre a experiência negra da Guerra Civil.
Morisseau tinha uma pergunta: “O que as mulheres negras estavam fazendo?”
“Confederados”, sua nova peça no Signature Theatre, é uma resposta. Alternando entre os dias atuais e a década de 1860, a peça – agora em pré-estréia, com estreia em 27 de março – segue Sandra, uma acadêmica superstar interpretada por Michelle Wilson, e Sara (Kristolyn Lloyd), uma mulher escravizada que espiona para o Exército da União. . Enquanto o título evoca a Confederação, também provoca um vínculo entre as duas mulheres.
“É isso que significa estar nesta instituição”, diz Sandra. “Saber no fundo de seu âmago que nunca haverá justiça para você aqui.”
Sara ecoa: “É isso que significa estar em uma instituição peculiar. Sob sua bota, todo mundo é inimigo.”
Mesmo que “Confederates” evoque obras dramáticas tão variadas quanto o drama pós-moderno de Branden Jacobs-Jenkins “An Octoroon”, a devastadora tragédia de Adrienne Kennedy “The Ohio State Murders” e a dupla acadêmica de David Mamet “Oleanna”, Morisseau apresenta cada cena em seu estilo distinto. estilo empático e tragicômico.
Em vez de se concentrar na opressão, a peça explora a agência das mulheres negras e as diferentes formas que a libertação pode assumir de uma era para outra.
“Ficar livre no passado, é apenas ficar livre”, disse Morisseau. “Tipo, você está literalmente em cativeiro. Ficar livre no presente é uma coisa muito diferente. Como é a liberdade agora?”
Morisseau estava falando de um apartamento no centro de Manhattan, perto do Signature e do Samuel J. Friedman Theatre, da Broadway, onde sua peça “Skeleton Crew”, parte de uma trilogia de obras ambientadas em sua cidade natal, Detroit, recentemente finalizada. Seu filho de 15 meses cochilou no quarto ao lado.
Durante uma videochamada de 90 minutos, ela discutiu “Confederados”, que também será apresentado no Oregon Shakespeare Festival em agosto, bem como microagressões, macroagressões e como é o empoderamento para ela. Estes são trechos editados da conversa.
Em “Confederates”, Sandra e Sara vivem cerca de 160 anos de distância. O que os une?
Elas estão unidas na história das mulheres negras lutando pela liberdade. Eles estão unidos por serem os mais socialmente dispensáveis.
Sandra, a professora, é alvo de frequentes microagressões. Para Sara, a mulher escravizada, o perigo é físico e mais evidente. Você entende essas ameaças como relacionadas?
O tipo de racismo que Sara experimenta – você pode ser enforcado, você pode ser arrastado, você pode ser assassinado – esse racismo aberto não é a experiência de racismo da maioria das pessoas. Existe o tipo de racismo que quebra o corpo, que ataca o corpo. Depois, há o outro tipo que mata o espírito. O que eu me envolvo com mais frequência é o último. Mas o micro sempre leva ao macro. Microagressões levam a ações agressivas.
Eventualmente, todos estes são prejudiciais e mortais.
Em sua pesquisa, você encontrou muitos exemplos de mulheres negras espionando para a União?
Não encontrei muitos exemplos. Encontraria pedacinhos. Esses tipos de histórias são pouco contadas. Mas eles me dizem que não fomos passivos. Nunca fomos passivos.
Você escreveu peças ambientadas no década de 1940a década de 1950a década de 1960a Anos 2000. Você sabia que acabaria escrevendo sobre a década de 1860?
Nunca pensei nisso, para ser honesto. Quando fui abordado para escrever especificamente sobre essa época, disse a mim mesmo: não quero apenas escrever sobre escravidão. Não é isso que me interessa. Estou, no entanto, interessado na Síndrome do Escravo Pós-Traumático, expressão cunhada pela Dra. Joy DeGruy, que é o impacto de ser descendente de escravizados e os traumas que aconteceram desde então, sem tratamento ou cura.
Quando você aceitou a comissão, havia certas histórias ou estereótipos que você queria evitar?
Eu não queria mostrar derrota ou concordância com a cultura escravizada. Não há acordo.
Durante a graduação, você vivenciou racismo institucional?
Minha experiência na escola me ensinou que ninguém está aqui para me proteger. Não há nenhuma agência para mim aqui. Eu vou ter que fazer por mim na escola, se eu não quiser ser esmagada, se eu quiser me ver como artista.
O teatro também pode ser um espaço racista. eu me lembro de um ensaio que você escreveu em 2015 sobre privilégio branco, com a manchete: “Por que quase dei um tapa em um colega de teatro e o que isso diz sobre nossos teatros”. O teatro mudou desde então?
Trabalhei ativamente para mudar essa cultura pelo menos em torno do meu próprio trabalho. Eu tenho um encarte das Regras de Engajamento do Dramaturgo que coloco dentro do programa de cada programa que faço. Porque fui policiado pelo meu próprio riso. [The insert includes instructions such as, “You are allowed to laugh audibly” and “This can be church for some of us, and testifying is allowed.”]
Tenho visto tentativas de diversificar os conselhos, de ter um alcance mais amplo aos doadores. Depois, há a abordagem de baixo para cima: eu gostaria de ver mais artistas assumindo mais agência sobre si mesmos e sua arte. Há uma cultura de silêncio que se perpetuou. Há esse sentimento de dispensável que os artistas têm. Tipo, você não pode falar, porque aí você não terá mais empregos. E isso é loucura.
No final do ano passado, você falou. Você tirou sua peça “Paradise Blue” do Geffen Playhouse, dizendo que as mulheres negras que trabalharam no show foram “abusado verbalmente e diminuído”. O que o capacitou a fazer isso?
Sempre fui ativista. Eu apenas inerentemente nunca estive bem com coisas que não estão certas. O que me fez sentir ainda mais empoderada neste momento é que agora sou visível. E há jovens artistas olhando para mim, me observando. Estou tentando trazer esses artistas. Portanto, não há uma chance no inferno de que eu possa assistir a um comportamento prejudicial acontecer e ser irresponsável. Eu não vou escrever sobre mulheres negras sendo prejudicadas e aprendendo a agir por conta própria – é disso que trata “Paradise Blue” – eu não vou ter isso no palco e o oposto acontecendo com elas fora do palco.
Não estou tentando criar uma cultura de pessoas puxando suas jogadas. Esta é uma das decisões mais difíceis que você deve tomar como dramaturgo. Foi brutal. Foi exaustivo para mim. Eu nunca quero ter que fazer isso novamente.
Antes da pandemia, você fez sua estreia na Broadway, escrevendo o livro “Ain’t Too Proud”. Isso mudou alguma coisa para você?
“Ain’t Too Proud” aconteceu, um MacArthur aconteceu, várias coisas aconteceram, bem ao mesmo tempo. Trouxe mais fé em mim como artista de instituições. Não sei se sou uma aposta segura. Acho que não sou uma aposta segura. Mas sou digno de uma aposta em geral. Eu sou o suficiente de uma voz interessante. Definitivamente, me pediram para escrever mais musicais.
E o que significou ter “Skeleton Crew” se mudando para a Broadway?
Com a Broadway vem mais recursos por trás do seu trabalho. Lembro-me de quando vi pela primeira vez “Ain’t Too Proud” encenado, eu fiquei tipo, todo mundo merece todos esses recursos por trás de sua imaginação, apenas uma vez na vida. Ser capaz de obtê-lo duas vezes na minha vida é incrível.
“Skeleton Crew” sempre será um dos meus favoritos porque sei de onde veio. Eu sei onde estava quando escrevi e sei para quem escrevi. A maior coisa para mim, como Detroiter, é tornar Detroit visível. Tivemos a noite de Detroit na Broadway. Foi como uma reunião de família lá em cima. Foi o comportamento mais Detroit que eu já vi na Broadway. Foi épico.
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