Sam Gilliam, um pintor abstrato pioneiro mais conhecido por suas pinturas Drape deliciosamente manchadas que levaram seu meio mais completamente em três dimensões do que qualquer outro artista de sua geração, e que em 1972 se tornou o primeiro artista negro a representar os Estados Unidos na Bienal de Veneza , morreu no sábado em sua casa em Washington. Ele tinha 88 anos.
A morte foi anunciada pela David Kordansky Gallery em Los Angeles e pela Pace Gallery, em Nova York. A causa foi insuficiência renal.
O Sr. Gilliam foi duas vezes uma anomalia. Como artista negro, ele foi amplamente ignorado pelos níveis superiores do mundo da arte até o final de sua carreira. E como um artista negro comprometido com a abstração, ele dedicou sua vida a pinturas que se abstinham das imagens reconhecíveis e mensagens políticas abertas favorecidas por muitos de seus colegas. No entanto, sua arte se opunha de muitas maneiras tanto à pintura quanto à arte política.
O Sr. Gilliam atingiu a maioridade nas décadas de 1960 e 1970, um período de grande experimentação para a pintura abstrata e uma época de turbulência social e política em meio à Guerra do Vietnã e à luta dos negros pelos direitos civis. Mas mesmo nesse contexto ele era especialmente ousado.
Colorista brilhante, ficou conhecido por emancipar suas pinturas da retilinearidade plana imposta pelas macas de madeira. Em vez disso, ele pendurou suas telas abstratas não esticadas do teto em grandes curvas e laços, ou as prendeu, reunidas, nas paredes.
Em “’A’ e o carpinteiro, eu” (1973), ele empilhou uma grande faixa de tela pintada com nuvens aéreas de rosa e azul entre dois cavaletes de madeira, introduzindo um elemento de trabalho manual em um trabalho que parecia elegante, embora inacabado , e que, como grande parte do trabalho de Gilliam, parecia diferente cada vez que era instalado.
Seus esforços oscilaram entre pintura e escultura, enquanto suas técnicas evocavam tudo, desde os pingos de Jackson Pollock até o tie-dye. Eles empurraram o meio muito além das telas em forma de parede criadas na época por Frank Stella e seus seguidores. Eles eram ao mesmo tempo agressivos e líricos, invadindo o espaço do espectador e proporcionando momentos de cores deslumbrantes e fluidas, recusando um ponto de vista único, seguro e centrado. E eles desafiavam o espectador a cada passo a decidir: “Isso é uma pintura?”
Isso por si só criou uma espécie de tumulto visual que se adequava aos tempos instáveis. Uma pintura da coleção do Museu de Arte Moderna é simplesmente intitulada “27/10/69”, colocando-se no cenário de um período de protestos maciços contra a guerra no Vietnã.
“O ato expressivo de deixar uma marca e pendurá-la no espaço é sempre político”, disse ele em entrevista de 2018 a José da Silva no The Art Newspaper. “Meu trabalho é tão político quanto formal.”
Um obituário completo será publicado em breve.
Discussão sobre isso post