Há alguns anos, Zachary Woolfe, crítico e editor do New York Times, fez uma pergunta: quais são os cinco minutos ou mais que você tocaria para um amigo para convencê-lo a se apaixonar pela música clássica? Que tal Mozart? Ou o violino? Ou ópera?
Ao longo de mais de 25 entradas, dezenas de escritores, músicos, críticos, estudiosos e outros amantes da música tentaram responder, compartilhando suas paixões com os leitores e entre si.
Agora, estamos mudando o foco para o jazz – e que melhor lugar para começar do que com Duke Ellington? Compositor, pianista e líder de banda inigualável, ele chegou a Nova York vindo de Washington, DC, exatamente quando o Harlem Renaissance estava começando; logo, a Duke Ellington Orchestra tornou-se a trilha sonora de uma época. Ele se tornou um ícone negro americano no cenário nacional e, em seguida, um embaixador do melhor da cultura americana em todo o mundo. O status do jazz como música global tem muito a ver com Ellington: especificamente, sua habilidade como líder, colaborador e porta-voz, que raramente falhava em lembrar seu público: “Nós te amamos loucamente”.
Aqui estão 13 faixas que achamos que vão fazer você amar Ellington. Aproveite a audição e não se esqueça de deixar seus próprios favoritos nos comentários.
◆ ◆ ◆
Darcy James Argue, líder da banda
Uma parte subestimada da arte de Ellington é sua maestria de desorientação. Você acha que sabe para onde a música está indo… então você pisca e percebe que Duke o levou a um desvio selvagem. Este truque de mão anima o lado A de “Diminuendo and Crescendo in Blue”, a obra-prima em forma de arco invertido de 1937 de Ellington. É um blues; o que poderia ser mais simples? Mas Ellington balança e tece, esticando acordes e reviravoltas, torce a forma de 12 compassos de volta sobre si mesma como um ouroboros, e desliza por um conjunto vertiginoso de modulações: cinco teclas em menos de três minutos! Mas a jornada não é apenas barulhenta para suave – é da confusão para a clareza. A versão ao vivo de ’56 de Newport é lendária pelo imortal “intervalo de lamento” de 27 coros do saxofonista Paul Gonsalves, mas é “Diminuendo” que prepara o palco.
◆ ◆ ◆
Ayana Contreras, crítica
Os vocais ressonantes e alados de Mahalia Jackson flutuam magistralmente no expressivo arranjo de cordas e metais de “Come Sunday”, a ode de Ellington ao dia singular em que os trabalhadores negros historicamente, vestidos com roupas de domingo, podiam derramar o suor e a coragem do trabalho: emergindo como borboletas brilhantes , reunidos para louvar ao Senhor. De acordo com as notas de 1958 de Irving Townsend para “Black, Brown and Beige”, o álbum de onde foi tirado, Jackson “canta um refrão extra como se ela estivesse ciente do poder de sua performance e quisesse deixá-lo durar mais um momento”. Claro que ela sabia. “Come Sunday” comunica com clareza cristalina a admiração de Ellington pelos trabalhadores e sua elegante insistência no respeito incondicional.
◆ ◆ ◆
Giovanni Russonello, crítico de jazz do Times
Aqui está Johnny Hodges, entregando quatro minutos do mais seráfico toque de saxofone alto encontrado no disco, nesta castanha da “Far East Suite” de Ellington e Billy Strayhorn. Esse título é mais ou menos um equívoco: quase todas as peças da suíte têm uma inspiração do Oriente Médio. E Strayhorn – o parceiro de composição e arranjo de Ellington por mais de 25 anos – na verdade escreveu “Isfahan” antes de sua visita àquela cidade iraniana em 1963. (Seu título original era “Elf”). é a balada ellingtoniana no ápice, com seu ritmo luxuosamente arrastado e toques de tambor de harmonia de trombone. Como de costume, é um membro de destaque da banda que realmente faz a gravação – desta vez, Hodges, segurando cada nota entre os dentes, firme, mas não muito apertado, manchando e dando a eles todo tipo de sentimento sem turvar ou obscurecer nada. É um padrão, mas quando foi a última vez que você ouviu um pianista tocar essa música? Isso é coisa do Hodges.
◆ ◆ ◆
Billy Childs, pianista
Não consigo ouvir os primeiros 50 segundos dos créditos iniciais de “Anatomy of a Murder” sem ver formas: formas cubistas como uma pintura de Picasso, com fragmentos de som das diferentes seções da banda, pontuados pelo padrão de bateria pontilhista. Desde o “wah” de abertura do trombone em concha, passando pelas rajadas de trompete em brasa, até a mini-cadenza do saxofone, esta peça me prende como um torno. O corpo principal da música, uma passacaglia de blues gutbucket sobre a qual trompete, clarinete, saxofone e solo de piano, evoca em minha mente uma sensação sublime de pressentimento que cria perfeitamente o clima de todo o filme.
◆ ◆ ◆
Marcus J. Moore, escritor de jazz
Duke Ellington sempre teve esse jeito de extrair emoções fortes das teclas de seu piano. Na versão de 1962 de “Solitude”, com o baixista Charles Mingus e o baterista Max Roach, Ellington evoca adequadamente a sensação de isolamento através de acordes sombrios e espaçosos refletindo texturas escuras e claras. Onde o original de 1934 suscitou certo otimismo, este, do álbum “Money Jungle”, soa mais sombrio – música de fone de ouvido feita para o clima inclemente. No momento em que Mingus e Roach surgem perto do final da música, Ellington bloqueou o registro superior de seu solo, mudando o som do ambiente para um número de blues com leves pinceladas de bateria e graves sutis. Foi uma grande vitória para um dos pioneiros do jazz.
◆ ◆ ◆
Férias de harmonia, poeta
Mingus e Roach acompanharam Ellington na primeira gravação de “Fleurette Africaine”, para “Money Jungle”. Deixado sozinho com seu reflexo nesta versão solo, o balanço e o quase sorriso de Duke evocam saudade e lembrança. Ele brinca com os fantasmas de seus amigos e os poupa de uma nostalgia contundente. Ele hesita como se estivesse se aproximando de um altar sagrado de som, e então se rende à sua solidão, deixando-se assombrar pela ausência deles, mas não diminuído por ela. Esta versão é mais irregular do que a original, pois Ellington confronta os tons ausentes misturando-os com os seus. Para um homem que passou tantos anos mantendo uma grande orquestra capaz de reproduzir os tons que ouvia em sua cabeça, Ellington parece encontrar o maior consolo sozinho. É como se todo esse tempo passado em público fosse em busca dessa espiral isolada, seja como solista ou com os fantasmas de um casal de amigos em um jardim que ele inventou para eles. Ele está solando aqui, mas não está sozinho, o que seria assustador se não fosse tão bonito.
◆ ◆ ◆
Maurice Jackson, historiador do jazz
“Black, Brown and Beige” encapsula toda a orquestração do trabalho de Ellington. O sofrimento dos negros através do lamento do trompetista Rex Stewart. Suas lutas através das reflexões do saxofonista Harry Carney. Triunfa usando o “tom tom” da bateria. Duke chamou de “um tom paralelo à história do negro na América”, dedicado aos haitianos que lutaram para salvar Savannah, Geórgia, dos britânicos durante a Guerra Revolucionária. “Voltei à história da minha corrida e tentei expressá-la com ritmo”, disse Ellington. “Costumávamos ter uma coisinha na África, ‘algo’ que perdemos. Um dia vamos conseguir de novo.”
◆ ◆ ◆
David Berger , músico e estudioso
Gravado em 6 de março de 1940 — a primeira sessão de gravação de Ellington com o saxofone tenor de Ben Webster e o baixo propulsivo de Jimmy Blanton completando o que eu chamaria de a maior banda da história do jazz. Se a obra de Ellington pode ser reduzida ao casamento do inculto e do sofisticado, “Ko-Ko” é seu melhor exemplo: um blues menor de três acordes que desenvolve bem o motivo introduzido no primeiro compasso através de seis refrões dissonantes, selvagens e imaginativos , notificando compositores e arranjadores de jazz nas próximas décadas. O jazz moderno começou aqui com uma explosão.
◆ ◆ ◆
Jon Pareles, crítico-chefe de música pop do Times
A música de Ellington permaneceu aberta às gerações mais jovens do jazz. “In a Sentimental Mood”, de um álbum que ele gravou em 1962 com John Coltrane e membros de seu quarteto, se inclina para as ambiguidades de uma composição ouvida pela primeira vez em 1935. A figura do piano de abertura de Ellington gira na ponta dos pés em torno dos acordes que ela implica; O saxofone de Coltrane flutua como se a melodia fosse requintada demais para perturbar. Mais tarde, o solo de piano de Ellington evoca e então dissolve suas próprias sugestões de swing dos anos 1930, e Coltrane apenas brinca com sua própria abordagem de folhas de som antes de retornar à graça da melodia original. A faixa é um modelo de respeito mútuo e exploração sutil e compartilhada.
◆ ◆ ◆
Miho Hazama, líder da banda
A música mais feliz do mundo! Eu tive o privilégio de conduzir esta suíte “Nutcracker” algumas vezes, e sempre me faz desejar ter shows anuais para continuar realizando todas as festas de fim de ano. Com uma enorme admiração por Ellington e Strayhorn, que escreveram notas específicas para cada membro da banda, esta partitura é fenomenal. A performance no disco é forte, emocionante e autêntica, de uma das últimas eras douradas da orquestra.
◆ ◆ ◆
Fredara Hadley, professora de etnomusicologia
“A Rhapsody of Negro Life”, da partitura de Ellington para o filme de 1935 “Symphony in Black”, demonstra seu profundo envolvimento com os humores e nuances da vida negra. Em nove minutos, ele nos move musicalmente do ritmo lento das canções de trabalho para o swing das boates do Harlem dos anos 1930. Ele combina o drama e o lamento em “The Saddest Tale” com a beleza e a contemplação de “Hymn of Sorrow”. Esta música não é um tratado; é uma rapsódia no melhor sentido, em que cada vinheta musical é cheia de coração e compreensão íntima das alegrias e dores da humanidade negra.
◆ ◆ ◆
Guillermo Klein, líder da banda
Fiquei imediatamente cativado pela narrativa dessa música – simples, mas profunda e espirituosa. O núcleo de “Searching (Pleading for Love)” se baseia na conclusão, que ele afirma no início da peça, como uma introdução, como um narrador compartilhando o que é tudo em um prólogo. O tema segue um modelo padrão: três vezes uma ideia e uma conclusão. A ponte da melodia modula duas vezes, e esse motivo de conclusão está presente por toda parte. Logo no clímax ele varia, dando uma sensação de súplica. Seu uso do som e do espaço é apenas dele. Mesmo em uma gravação de trio como essa, você pode definitivamente ouvir a big band tocando.
◆ ◆ ◆
Seth Colter Walls, crítico de música do Times
Eu recomendo incluir esta obra-prima de 1936 nas listas de reprodução de festas. Quando “Exposition Swing” começa – com a escrita locomotiva de Ellington puxando os ouvintes a bordo – observe como os convidados se inclinam em direção aos alto-falantes. Em seguida, Harry Carney abre seu sax barítono com uma figura empertigada e descendente. Ao terminar o solo, a orquestra o anima com um swell modernista construído a partir de tons sustentados, complexos e frios. Depois de mais um minuto de interação hábil de solista e orquestra, os acentos de piano e blues de Ellington desencadeiam a fase climática da peça, que incorpora gritos coletivos do mesmo motivo descendente ouvido durante a abertura de Carney. É um ponto de encontro perfeito no microcosmo.
Trechos de músicas via Spotify e YouTube.
Discussão sobre isso post