FLORENÇA, Itália – Quando Botticelli e Luca della Robbia criaram obras-primas sobre a maternidade, eles homenagearam o idealismo renascentista com representações reverentes de uma serena Madona e seu filho. Quando a pintora Jenny Saville criou “The Mothers”, em 2011, sua composição inspirada em Leonardo contrapôs essa santidade de 500 anos com um reflexo em primeira mão de sua própria experiência: dois bebês pesados exaurem a artista de aparência desamparada retrato que também é uma história de todas as mães.
Essas representações divergentes estão agora frente a frente em exibição no Museo degli Innocenti aqui, como parte de Saville maior exposição individual Até a presente data. Em execução até 20 de fevereiro e espalhada por cinco museus de Florença, a mostra mostra 100 pinturas e desenhos do artista britânico de 51 anos contra obras de mestres da Renascença, em seu próprio território.
Pendurado ao lado da Pietà de mármore de Michelangelo no Museo dell’Opera del Duomo, um desenho grandioso de Saville chamado “Pietà 1” retrata sua própria família na mesma pose entrelaçada. No Palazzo Vecchio, em meio aos grandiosos murais do século 16 de Giorgio Vasari mostrando homens em batalha, a imensa pintura “Fulcrum” de Saville apresenta uma montanha de mulheres nuas.
O trabalho de Saville abraça técnicas ao longo dos séculos, combinando o realismo do tradicional pintar estilos com abstração expressionista, ao lançar seu próprio olhar sobre temas há muito retratados por pintores masculinos: o nu, a mãe fértil, o rosto feminino.
Seu trabalho reflete as grandes ambições dos mestres da Renascença, mas contra seus nus sensuais e divinos, Saville apresenta imagens de mulheres carnais e terrenas, às vezes com a pele machucada ou rompida – não o corpo bonito, mas o corpo sofredor, ansioso e impermanente.
Essas telas destemidas iniciaram sua carreira na década de 1990 e estabeleceram seu lugar como uma pioneira da relevância renovada da pintura figurativa. Em 2018, quando “Propped”, um autorretrato nu, distorcido e fervendo, foi colocado à venda na Sotheby’s, arrecadou US $ 12,4 milhões, um leilão alto para uma obra de uma artista viva.
Sergio Risaliti, curador da exposição de Florença e diretor do Museu do século vinte, um dos museus participantes, disse que a cidade era “o berço da cultura renascentista”, mas que era “uma cultura dominada pelos homens”. Agora, ele acrescentou, Florence estava “recebendo uma grande artista feminina em pé de igualdade”.
“O Renascimento representou a vanguarda e, com Jenny, estamos enviando uma mensagem sobre a importância da vanguarda hoje”, disse ele.
Em uma pausa da supervisão da instalação da exposição no final de setembro, Saville falou em uma ampla entrevista sobre suas influências e aspirações, e sua vida como pintora e mãe. A conversa foi editada em termos de duração e clareza.
Qual é a sensação de ver suas próprias obras lado a lado com obras-primas do Renascimento?
A Itália é um país de figuração, então me sinto muito em casa aqui – mas foi intimidante. Eu consegui realmente olhando para Michelangelo: eu estava fazendo montagens de Pietà para minha própria peça, mas não conseguia entender por que a minha não tinha seu nível de potência. Aí comecei a fazer estudos diretos da escultura, e vi como funcionava o torque interno dos corpos.
Bem na espinha do trabalho, há uma reviravolta incrível, que ele tem em tudo o que faz. Então, ele usa todos os elementos possíveis de um corpo, seja a inclinação de uma cabeça, a maneira como uma mão repousa sobre a carne de outra pessoa, a forma como o material se dobra – todos eles são usados para intensificar a emoção, sem sentimentalismo.
Mas, assim como velhos mestres como Michelangelo, você também tem influências modernas.
Eu olho para artistas como Twombly, Pollock, Rothko e de Kooning – toda a New York School que usou a pintura como uma linguagem poética em si mesma – e tento canalizar algumas dessas coisas para o trabalho figurativo. Adoro começar pingando muito acrílico, e você vê através das gotas, então obtém esse tipo de luz interior. Eu penso o tempo todo em como usar essa linguagem da pintura para obter o máximo de emoção possível.
A vulnerabilidade do corpo é um tema ao qual você voltou sempre.
Sim, não tenho medo disso – nunca tive realmente medo disso. Acho isso muito poderoso. Estamos sempre cientes da morte. Essa é a nossa única certeza na vida – não sabemos em que voltas e reviravoltas nossas jornadas nos levarão, mas a certeza é que morreremos. Portanto, sempre trabalho com isso em mente.
No entanto, quando a pandemia estava fazendo todos nós encararmos o quão vulneráveis somos à morte, você estava fazendo pinturas realmente coloridas, algumas das quais estão incluídas nesta mostra aqui em Florença.
Sim, eu estava usando cores como nunca antes. Acho que foi uma espécie de resistência à doença. Só pensei: “Meu Deus, as pessoas que amo podem morrer”. Eu apenas trabalhei mais e mais rápido, quase como uma espécie de mania. Eu estava fazendo marcas com esse tipo de urgência porque pensei: “O que vai acontecer com o mundo da arte? O que vai acontecer com todos? ”
No início de sua carreira, você pintou muitos desses corpos enormes e obesos, que em muitos aspectos eram uma reminiscência de carne. Mas seu trabalho recente está repleto desses retratos de rostos enormes e surpreendentemente bonitos.
Sempre fiz isso, na verdade. As pessoas sempre acham que eu pinto esses corpos muito gordos – eles foram os que os colecionadores perseguiram mais do que os outros e ganharam mais destaque na mídia – mas se você realmente olhar para o meu trabalho, não é tão aparente. Mesmo quando me formei e tinha “apoiado” em minha exposição de graduação, eu tinha uma pintura da enorme cabeça de uma noiva também.
Adoro fazer cabeças grandes porque é uma chance de ser muito abstrato. No momento em que coloco os olhos em algo, parece que o mundo se aglutina na pintura, porque os humanos são atraídos apenas pelos olhos. A maioria dos artistas começa com uma estrutura figurativa e, em seguida, abstrai a partir daí, mas eu começo criando áreas abstratas de pintura como a base, e então construo a figuração no topo e deixo a abstração transparecer em alguns lugares – da mesma forma que Michelangelo construiria uma forma a partir mármore áspero.
Os olhos são notavelmente poderosos em suas pinturas, mesmo em “Rosetta II”, a pintura de 2005-6 de uma jovem cega de Nápoles. Seus olhos cegos têm muita expressão para eles.
Tive que trabalhar ainda mais com aqueles olhos, porque eles tinham que falar mesmo. Rosetta tinha uma beleza interior incrível que eu nunca tinha visto antes e eu queria tentar honrá-la no trabalho. Ela tinha essa força, porque ela sabia que todos a olhavam, então eu queria entrar naquele espaço.
Você investigou o nu feminino com seus próprios olhos e, a seguir, com o nascimento de seus dois filhos, explorou outro tema da pintura clássica: a maternidade, mas retratada por um artista que realmente a vivenciou.
Passei minha vida pintando carne e, de repente, estava fazendo carne em meu corpo. Isso é muito profundo. E dar à luz era como uma pintura de Francis Bacon, sabe.
Todas essas coisas realmente pungentes estavam acontecendo comigo e, ao mesmo tempo, assumi a categorização social de “mãe”, quando passei minha vida tentando ser levada a sério como pintora. Tive um debate comigo mesmo sobre se deveria revelar a maternidade como um assunto em meu trabalho. E então pensei: “Por que eu não faria isso? Eu faço isso sobre todos os outros assuntos. Por que eu me sentiria hesitante? É porque acho que pode afetar minha carreira? ”
Quais foram esses medos então?
Acho que as pessoas veem você menos a sério. Eu me sentia assim por outras mulheres que tiveram filhos, para ser honesto. Pensei que, se você tem uma família, não coloca o seu trabalho no centro – o que é errado. Você não é menos artista porque se tornou pai. Você nunca colocaria isso em um artista masculino. Então, eu apenas fiz o trabalho, lancei-o e cresci a partir daí. Foi uma grande lição para mim naquela época.
Seus filhos agora são adolescentes que vivem em um mundo moldado pelas mídias sociais. O que você acha do tipo de corpo que os rodeia atualmente?
Todo mundo se preocupa com a mídia social, mas, na verdade, meus filhos são muito mais espertos do que eu naquela idade. Meu filho lê o New York Times todos os dias, onde eu nunca vi um exemplar até o final da adolescência.
É muito difícil manter a inocência de seus filhos pelo tempo que você quiser, mas as vantagens da mídia social são fenomenais. Eu trabalhei com uma modelo transgênero chamada Vulcão Del LaGrace para fazer uma pintura chamada “Matrix”, e quando o mostrei em Nova York em 1999, as pessoas pensaram que aquele tipo de corpo não existia ou não poderia existir. Agora ouço meus filhos falando sobre fluidez de gênero. Há muito mais tolerância hoje, e isso é realmente uma coisa maravilhosa que devemos preservar.
Jenny Saville
Até 20 de fevereiro de 2022 em vários locais em Florença, Itália; museonovecento.it.
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