FILADÉLFIA – É difícil acreditar que “Suzanne Valadon: Modelo, Pintora, Rebelde” na Fundação Barnes seja a primeira mostra de museu americana para este pintor francês sensacional.
Nascida em Bessines-sur-Gartempe e criada em Paris por uma mãe solteira, Valadon (1865-1938) começou a desenhar aos 9 anos de idade. Depois de algumas tentativas fracassadas de carreira, que ela mais tarde afirmou incluir um ato de circo, Valadon começou a modelar para artistas em sua adolescência. Gustav Wertheimer fez dela uma sereia, flutuando nua da onda para prender os marinheiros com um beijo. Henri de Toulouse-Lautrec, que a pintou de ressaca, apelidou-a de “Suzanna” – uma referência a uma parábola bíblica sobre voyeurismo e luxúria da qual ela gostou tanto que abandonou seu verdadeiro nome de nascimento, Marie-Clémentine.
Aos 18 anos, ela deu à luz um filho, a quem seu amigo Miguel Utrillo posteriormente dotou de sobrenome, embora ele possa não ser o pai. (A criança, Maurice Utrillo, também se tornou um pintor de sucesso, embora lutasse contra o álcool e doenças mentais.) Valadon vendeu desenhos e gravuras, fez amizade com Edgar Degas e estudou cuidadosamente os pintores que a pintaram, aprendendo com a maneira como trabalhavam. Com pouco menos de 30 anos, ela fez um casamento vantajoso que a deixou desistir de ser modelo e se dedicar ao desenho. Mas só pegou no pincel em 1909, aos 44 anos, quando trocou o marido empresário pelo pintor André Utter, amigo e contemporâneo do filho.
Depois de começar a pintar, Valadon expôs amplamente e vendeu o suficiente para sustentar sua família não convencional. Mas, a longo prazo, sua arte foi ofuscada pela carreira do filho, diminuída pela misoginia usual e obscurecida pelo interesse lascivo por seu estilo de vida. O show no Barnes, com curadoria de Nancy Ireson, é um passeio emocionante por seus retratos, nus, naturezas mortas e desenhos.
No Barnes, shows temporários aparecem em um espaço isolado adjacente à coleção permanente, que não pode ser alterado. (Acontece que o fundador do Museu, Albert Barnes, ignorou Valadon completamente, embora tenha colecionado Utrillo.) Mas com 36 pinturas, muitas delas grandes, e 14 trabalhos em papel, a mostra de Valadon parece um pequeno museu em si mesma.
Encontramos a artista pela primeira vez como modelo para Renoir, Pierre Puvis de Chavannes e outros em reproduções coloridas, bem como em quatro telas reais, incluindo “O Beijo da Sereia” e ela se mostra encantadora, apaixonada e incomumente autoconsciente. Somente quando você entra na segunda sala da exposição e encontra seu próprio trabalho, você vê o quão intransigente ela era.
Seu estilo de vida boêmio, com amantes de artistas e segundo casamento com um homem duas décadas mais jovem, poderia ter resultado tanto das circunstâncias quanto da inclinação. Como Martha Lucy, uma historiadora da arte, colocou em seu ensaio de catálogo, falando sobre a modelagem de Valadon, “o status da classe trabalhadora significava que havia menos impedimentos morais para buscar um emprego tão vergonhoso”.
Mas a arte de Valadon era certamente rebelde. Seu “Adam and Eve” de 1909, um autorretrato cinza-esverdeado e temperamental com Utter que os mostra colhendo frutas da Árvore do Conhecimento, pode ter sido o primeiro nu masculino completo já pintado por uma mulher europeia; 11 anos depois, para exibi-lo no Salon des Indépendants, Valadon teve que adicionar uma tanga frondosa. Seu tratamento franco e nada sexy de outros nus, seus autorretratos sinceros, as expressões desafiadoramente entediadas e irritadas que ela costumava dar a seus modelos, até mesmo as calças da mulher fumante relaxando no “The Blue Room”, todos contam como passos descarados por seu tempo.
Ainda assim, a verdadeira revelação é o esplendor visual chocante do trabalho de Valadon. E tudo isso começa com sua linha precisa, mas poderosa, como a exposição deixa claro em um punhado de desenhos e gravuras tentadores.
Utrillo sai nu de uma banheira em “Maurice and His Grandmother”, um giz de cera preto desenhado por volta de 1890. Seus braços se estendem para frente, mas se dobram novamente para segurar uma toalha atrás dos ombros, e sua cabeça se inclina para baixo em concentração. Atrás dele, a mãe de Valadon, sua zeladora, agacha-se no chão meio desenhada, uma aparição.
Embora Valadon contorne seu filho lindamente, capturando a tensão de sua barriga e a curva de seu pé, até mesmo transmitindo a suavidade infantil de sua pele, a linha em si é lenta e espessa. O menino se destaca como um boneco de papel ganhando vida, mas apenas até agora – a linha fumegante que o corta para fora da cena também o solda de volta.
Quando Valadon finalmente começou a pintar, ela deu continuidade a esse conflito sublimado, a mistura hipnotizante de alienação e claustrofobia que ela inseriu em seus desenhos. Ela e Utter parecem bastante felizes em “Adão e Eva” – pelo menos “Eva” parece – mesmo que seus corpos nus estejam um pouco abatidos e desnutridos. E embora as opções de cores de Valadon dependam de contrastes do tipo Cézanne, com tons verdes doentios para seu amante e rostos manchados para os dois, eles formam uma superfície convidativa. Mas os contornos nítidos da imagem ainda dão uma sensação tensa e vítrea, como um mosaico bem montado.
Em um “Retrato de família” de 1912, é o conteúdo que é enervante. O filho de Valadon cai desconsolado; sua mãe idosa olha passivamente; seu jovem amante alto ocupa seriamente seu canto; enquanto a própria Valadon olha com cautela, sua mente em outro lugar. (Ela se parece, naturalmente, com uma mulher olhando para um espelho.) Atrás deles está pendurada uma cortina cor de mostarda que enfatiza a rigidez de cera de seus rostos. Eles parecem tão familiares quanto estranhos em um elevador.
Em “Marie Coca e sua filha Gilberte”, a artista simplesmente torce seus temas em direções opostas. A mãe está sentada em uma poltrona de frente para a esquerda; filha senta-se em uma almofada no chão, a cabeça apoiada nos joelhos da mãe; e uma boneca senta no colo da filha, olhando direto para o meio. A sombra esverdeada da almofada de veludo vermelho da filha ecoa na parede forrada de papel, que recua em outro ângulo agudo, e suas bochechas dilatadas são o ponto mais brilhante em uma sala de roupas pretas e estofados marrons. À primeira vista, a superfície é tão plácida como qualquer sala de estar burguesa – mas turva, em uma inspeção mais próxima, com hostilidade e violência.
Em pinturas posteriores, Valadon justapõe padrões conflitantes de cores vibrantes para criar um tipo de tensão diferente e menos especificamente ancorado. Ela até deixa seus contornos rígidos evaporarem ocasionalmente em lindas naturezas mortas de arranjos de flores. Mas o mesmo zumbido baixo de discórdia continua. E quase todos esses elementos – os padrões, a caracterização vívida das mulheres, o descontentamento autoconsciente – vêm juntos em “The Blue Room”.
Uma jovem com uma camisola rosa e calças listradas, o cabelo preto puxado para trás, se estende em toda a extensão em uma cama coberta com um cobertor azul com estampa de hera. Cortinas combinando pendem como cortinas de teatro de cada lado, e um cigarro apagado sai de seus lábios, descarado como um charuto. No centro de um redemoinho de cores, em exibição, mas no comando, ela está perfeitamente à vontade.
Suzanne Valadon: Modelo, Pintora, Rebelde
Até 9 de janeiro, Barnes Foundation, 2025 Benjamin Franklin Parkway, Filadélfia; 215.278.7000, barnesfoundation.org.
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