Não há tempo como o presente – nunca. Em termos de arte, este momento foi caracterizado por uma fluidez surpreendente, mudanças rápidas e expansão emocionante tanto em termos do que constitui arte quanto de quem a faz. (Ou quem o fez, já que o passado da arte também está se expandindo.) As exposições de outono que mais me intrigam continuam essa expansão. As últimas rachaduras nas barreiras entre arte e artesanato incluem uma exposição de jarros de grés afro-americanos do século XIX no Metropolitan Museum of Art e uma pesquisa de alguns dos trajes mais extravagantes deste século no Museum of Arts and Design. Retrospectivas atrasadas ocorrerão no American Folk Art Museum e no Museum of Modern Art. E três museus deram a artistas em meio de carreira a gestão de suas galerias.
Com “Ouça-me agora: Os Potters Negros de Old Edgefield, Carolina do Sul”, o Metropolitan Museum of Art, em conjunto com o Museum of Fine Arts, Boston, se aventura no estudo em expansão da cultura visual afro-americana do século XIX (9 de setembro a 5 de fevereiro no Met). Centra-se nos oleiros negros que trabalharam no Old Edgefield District da Carolina do Sul antes, durante e depois da Guerra Civil. O ponto de partida é o trabalho de um artesão escravizado alfabetizado anteriormente conhecido como Dave the Potter, e agora como David Drake. Habilidoso em arremessar e vitrificar grandes potes de cerâmica, Drake assinava seus vasos e às vezes os incisava com poemas e mensagens abolicionistas. No Met Drake’s jarros são acompanhados por jarros de rosto expressivos por oleiros e artistas de barro cujos nomes ainda não foram recuperados.
Threads of Power: Lace from the Textilmuseum St. Gallen”, no Bard Graduate Center, dará a Nova York sua primeira visão aprofundada em quase 40 anos da história desse tecido intrincado, frágil e caro (16 de setembro a 1º de janeiro). Organizada em colaboração com o Textilmuseum em St. Gallen, Suíça, a mostra apresenta dezenas de exemplos dos séculos XVI a XXI, incluindo bordas de renda de bilros e rendas de agulha, gorros, manteletes e amostras. O fascínio moderno da renda é refletido em vestidos de designers como Dior, Givenchy, Saint Laurent e Prada, e no conjunto de renda de feltro limão e seda radzimir que Isabel Toledo projetou em 2009 para o dia da posse em janeiro de 2009, quando Michelle Obama se tornou oficialmente primeira-dama.
“Morris Hirshfield Redescoberto” no American Folk Art Museum examina a vida e a arte de Hirshfield (1872-1946), que se aposentou da fabricação de calçados em 1935, começou a pintar em 1937 e logo descobriu suas figuras e animais achatados e parecidos com brinquedos e texturas estranhas e levemente apertadas elogiadas pelo folk defensores da arte e surrealistas. Então, em 1943, uma exposição de pinturas de Hirshfield no Museu de Arte Moderna desencadeou um furor prolongado na imprensa (desajeitado demais, ousado demais e – horrores – sem pé direito). Tornou-se o último confronto entre Alfred H. Barr Jr., diretor fundador do museu, e seus curadores, que o demitiram. A primeira grande exposição de Hirshfield em um museu de Nova York desde então, esta mostra (23 de setembro a 29 de janeiro) apresenta 40 das 77 pinturas que o artista completou, juntamente com remakes de seus designs de sapatos.
Em 1936, a artista suíça nascida na Alemanha Meret Oppenheim (1913-1985) fez o que é sem dúvida a obra de arte surrealista mais notória de todos os tempos. Um ícone de insinuações sexuais e contrastes físicos perturbadores, é oficialmente intitulado “Objeto”, mas é conhecido em todo o mundo como “a xícara de chá forrada de pele”. A chávena deslocou-se prontamente ao Museu de Arte Moderna para assumir, alguns meses depois, um lugar de destaque na sua “Arte fantástica, dadaísmo, surrealismo” exposição de 1936-1937. Ele atraiu a ira da imprensa e de alguns curadores, mas tornou-se extremamente popular. Ainda assim, o MoMA nunca concedeu a Oppenheim nem mesmo uma pequena exposição individual. Isso muda com “Meret Oppenheim: Minha Exposição” (30 de outubro a 4 de março), a maior pesquisa Oppenheim já realizada neste país, organizada com o Kunstmuseum Bern e a Menil Collection, Houston. Ele define a obra-prima de Oppenheim entre 180 de seus objetos, pinturas e desenhos.
“Uma terra esplêndida: pinturas do Royal Udaipur” no Museu Nacional de Arte Asiática do Smithsonian, organizado pela Freer Gallery of Art e pela Arthur M. Sackler Gallery, poderia muito bem ser a mais bela exposição de pintura da temporada, derrubando com facilidade as visões ocidentais da pintura indiana como pequenos retratos dos carrascos de deuses e reis (19 de novembro a 14 de maio). Muitas de suas 80 obras nunca foram expostas neste país. A maioria é grande e foi feita por artistas da corte de Udaipur nos anos 1700. O aumento do tamanho encorajou narrativas mais complexas – urbanas e naturais – baseadas na vida real. Sim, os extraordinários palácios e jardins de Udaipur estão presentes, mas também as vistas amplas de bairros modestos em matriz protocubista e paisagens exuberantes.
“Maximismo Queer x Machine Dazzle” vai homenagear o Museu de Artes e Designsigla de — MAD. Certamente está entre suas exposições mais loucas e ambiciosas (10 de setembro a 19 de fevereiro). Com 80 figurinos em dois andares, homenageia a genialidade do Matthew Flower (n. 1972), mais conhecido como Machine Dazzle. Seus conjuntos são modelos de excessos que são esculturas vivas, senão assemblages ambulantes, inicialmente usadas em boates, eventos de rua e desfiles, e em performance (sua primeira, em 1996, foi na Exit Art).
A mostra inclui ambientes, fotografias e vídeos e mais de duas dúzias de figurinos que o artista criou para ele e seu colaborador de longa data, o cantor, compositor e performer queer Taylor Mac, para “Uma história de 24 décadas da música popular” (2016). A missão maior do MAD, apresentada com clareza incomum no catálogo da mostra, é examinar o excesso queer como uma tática de sobrevivência, postura estética e resistência política.
“Xaviera Simmons: a crise faz um clube do livro” no Museu da Rainha (2 de outubro a 5 de março) é a maior exposição até agora dedicada a uma das artistas mais talentosas de sua geração. Simmons (n. 1974) abordou a questão da negritude tanto de frente quanto de maneira oblíqua e lírica. Sua arte varia, com sucesso quase infalível, de pinturas baseadas em texto a esculturas figurativas, fotografias encenadas, vídeos e instalações de vídeo e peças interativas e socialmente orientadas. Ele aborda a diferença cultural, a fusão da experiência auditiva e visual e o efeito sustentador da comunidade e da natureza. Esta ampla mostra ocupará grande parte do interior do museu, e não um pouco do seu exterior. E Simmons distribuirá cerca de 4.000 cópias de livros que figuraram em seu próprio desenvolvimento, gerando o clube do título do programa.
De forma similar, “Theaster Gates: Jovens Lordes e Seus Traços” preencherá a maior parte do New Museum com a primeira pesquisa institucional deste artista em Nova York e a maior em qualquer lugar (10 de novembro a 5 de fevereiro de 2023). A atuação de Gates abrange uma gama enorme, abrangendo pintura, escultura, cerâmica, vídeo e instalação, impulsionada por suas atividades como arquivista, colecionador, historiador preservacionista e salvador. Central para a arte de Gate é a lembrança e recuperação da história e cultura negra no South Side de Chicago. vários relevos recentes têm uma fonte mais local: tábuas de assoalho descartadas do Park Avenue Armory.
Por fim, aguardo “Abigail DeVille: Paraísos do Bronx” no Museu de Artes do Bronx (12 de outubro a 9 de abril). DeVille (n. 1981) é conhecido por formas de montagem fisicamente imaginativas e simbolicamente carregadas. Sua última instalação abordará a história de sua família baseada no Bronx, incorporando peças da sala de estar de sua avó, que veio para o norte durante a Grande Migração. E no lobby, os visitantes poderão gravar suas próprias histórias do Bronx.
Discussão sobre isso post