Escondido no novo Museu da Academia de Filmes, que estreou na quinta-feira em Los Angeles, é uma exibição surpreendentemente modesta de “Oscars significativos”. Afinal de contas, o museu é o mais recente empreendimento da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, a organização que a cada ano entretém, inflama e invariavelmente estupefata os amantes do cinema de todos os gostos e persuasões críticas com aquela bacanal espalhafatosa do amor próprio conhecido como Oscars.
Dado o foco da academia em todas as coisas relacionadas ao Oscar, sua produção mais recente poderia ter exaltado o evento ainda mais do que o faz. No entanto, embora os prêmios invariavelmente pareçam grandes, assim como Hollywood – isso é muito mais um empreendimento de academia, como os muitos acenos a Steven Spielberg sublinham – o museu há muito adiado abraçou um breve, complicado, para acentuar o positivo, para tomar o título emprestado de uma música indicada ao Oscar. A feiúra da indústria, seu racismo e sexismo, são tratados diretamente, mas a ênfase está na diversidade e no pluralismo, não nos pecados do passado e do presente. Chame-o de um museu de boas intenções.
As 20 estatuetas na importante galeria do Oscar reforçam essa ideia. O mais antigo é o prêmio de melhor fotografia dado a “Sunrise” em 1929, o primeiro ano da cerimônia e o único ano em que a academia dividiu suas principais homenagens entre “filme único e artístico” e filme “excepcional”; o último foi dado a “Wings” e não está em exibição. O mais recente é o prêmio de melhor roteiro adaptado de 2017 para “Moonlight”, que faz parte de uma programação inclusiva que inclui melhor ator (Sidney Poitier), figurino (Eiko Ishioka), documentário (“The Times of Harvey Milk”) e música (“Lá onde nós pertencemos”).
Como grande parte do museu, a exibição do Oscar é divertida, informativa, ideologicamente carregada e comovente, em particular por causa da caixa vazia que deveria conter o prêmio de melhor coadjuvante que Hattie McDaniel ganhou em 1940 por sua muito debatida apresentação em “E o Vento Levou . ” (Ele desapareceu anos atrás.) Ela foi a primeira afro-americana indicada ao Oscar; um clipe de seu discurso de aceitação comovente é reproduzido nas proximidades. Em 1940, o Oscar foi realizado no Cocoanut Grove, onde manifestantes do lado de fora protestaram contra o racismo do filme. Lá dentro, McDaniel se sentou em uma mesa separada, segregada de seus co-estrelas brancos.
McDaniel’s perdeu o Oscar e a vitrine vazia ressoam, em parte por causa de seu papel público como um ponto de inflamação cultural e porque simbolizam as ausências estruturais maiores que há muito caracterizam a indústria cinematográfica americana e contra as quais a academia tem lutado, especialmente no último década. Formada em 1927, em parte para lustrar a imagem da indústria, a academia recentemente expandiu e diversificou seu quadro de membros, um empreendimento que gerou muita publicidade e mudanças menos substantivas no mundo real nas preocupações que representa. É improvável que a hashtag #OscarsSoWhite seja aposentada tão cedo, por mais que a academia tente torná-la obsoleta.
O esforço da academia em direção a uma maior diversidade se estende ao seu museu. Uma sala, “Compositor: Hildur Gudnadottir”, parte da exposição “Histórias de Cinema”, apresenta uma obra criada para ela por Hildur Gudnadottir que você pode ouvir em uma sala escura. Gudnadottir ganhou um Oscar por sua trilha para “Joker” – talvez a explicação mais forte para o motivo de ela estar dando início a esta exposição – e pertence a um grupo seleto. Como observa o site do museu (se não a legenda da parede), em 2019, apenas 6% dos 250 filmes mais vistos tiveram partituras de mulheres.
Há muito mais para ver e refletir, mesmo que o espaço de exposição, com 50.000 pés quadrados, também pareça modesto. (O Museu de Arte Moderna adicionou quase tanto espaço em sua última expansão.) Em outro lugar, há uma extensa Hayao Miyazaki retrospectivo. Instalado na Galeria Marilyn e Jeffrey Katzenberg, fica no final do corredor de uma sala muito menor que contém “The Pixar Toy Story 3D Zoetrope”, uma diversão giratória semelhante a um carrossel que apresenta maquetes de personagens da franquia Disney.
Os dois andares “Pano de fundo: uma arte invisível”É uma vitrine para a imensa reprodução do Monte Rushmore usada em“ North by Northwest ”. Em outras galerias reservadas para a maior e mais provocante exposição do museu, a multiparte “Stories of Cinema”, você pode ficar boquiaberto com as deslumbrantes sapatilhas de rubi que Judy Garland usava como Dorothy quando batia os saltos em “O Mágico de Oz” e ficava boquiaberta um dos trenós de “Citizen Kane”, brilhando como uma joia em uma luz suave. Em outro lugar, um modelo de fibra de vidro do tubarão em “Jaws” flutua sobre escadas rolantes.
Essas relíquias têm charme e uma aura icônica, e há um prazer inegável em vê-las pessoalmente. Mais de uma vez, eu me vi sorrindo descontroladamente para um objeto – legal, a máquina de escrever que Joseph Stefano usava para escrever “Psicose”! – mesmo enquanto tentava decidir se esses itens eram artefatos cinematográficos importantes, isca para turistas pronta para Instagram ou, na verdade, ambos. François Truffaut, por exemplo, achou pouco valor em um museu de cinema que gastava recursos em objetos ao invés da preservação de filmes ou programação (ambos serão bem representados no museu pelos acervos da própria academia). “Colocar uma fantasia de Garbo ao lado da caveira de ‘Psycho’ foi um truque para os turistas”, disse ele.
Truffaut estava errado, eu acho, e não apenas porque eu gostaria de ver de perto a caveira daquele choque de Hitchcock. Filmes são muitas coisas: arte, artefatos, representações, afirmações, manifestações de tempos e espaços específicos, reais e imaginários. Mas eles também são preenchidos e definidos por objetos materiais que têm seu próprio significado e magia. Nada torna isso mais claro do que “O caminho para o cinema: destaques da coleção de Richard Balzer”, uma seleção fantástica dos primeiros dispositivos ópticos com nomes maravilhosos como o praxinoscópio, que atende ao nosso curioso desejo humano de visualizar máquinas.
“Stories of Cinema” se estende por três andares e tem um nome que lembra fortemente Sundance. A primeira parte fica no térreo, no imponente Sidney Poitier Grand Lobby, um espaço abobadado de aparência industrial não especialmente convidativa. Em grandes monitores montados em uma sala escura, você pode sentar-se paralisado assistindo a clipes selecionados da história do cinema internacional, abrangendo o mainstream comercial e a vanguarda. Há trechos do trabalho da primeira mulher cineasta, Alice Guy Blaché (dois clipes), bem como de Yasujiro Ozu (seis), John Cassavetes (um! Vamos lá!) E Steven Spielberg (nove), bem como de muitos 2021 candidatos ao Oscar (oito).
A primeira parte de “Histórias” é expansiva o suficiente para não ofender, embora vá gerar discussões. Como os clipes não são identificados (a lista está online), também tem a qualidade de um jogo que permite aos visitantes adivinhar quais “X-Men” foram compactados (“Dias de Futuro Passado”) e esperar para ver se Roman Polanski, quem foi expulso da academia, fez o corte. Ele o fez (dois clipes), embora Woody Allen, o favorito do Oscar que se tornou persona non grata, não o tenha feito. Ele nunca entrou para a academia, mas sua exclusão aqui é marcante. Em vez disso, o museu tem como objetivo os cineastas que, juntos, tendem a representar uma vanguarda paralela e menos conhecida que tem sido sistematicamente ignorada, esquecida e marginalizada.
Para esse fim, o museu fez algumas outras escolhas notáveis, incluindo sobre a formação do cânone. O filme independente “Mulheres reais têm curvas” ganhou um lugar de destaque ao lado de “Cidadão Kane” na segunda parte de “Histórias”. Esta seção também destaca Bruce Lee; o diretor de fotografia Emmanuel Lubezki (colaborador de Alfonso Cuarón); e a editora Thelma Schoonmaker (mais conhecida por seu trabalho com Martin Scorsese). Também aqui está o pioneiro afro-americano Oscar Micheaux, um independente radical que trabalhou fora de Hollywood. Sua exposição e outra temporária organizada por Spike Lee incluem algumas das poucas referências a DW Griffith, da infâmia de “The Birth of a Nation”.
Lee falou no passado sobre assistir “Birth” em uma aula na Universidade de Nova York, onde assistiu ao filme sem levar em consideração o racismo de Griffith. Essa atitude foi muito comum nos estudos de cinema. Por muito tempo, estudiosos e críticos tenderam a se concentrar nos aspectos estéticos e narrativos da obra de Griffith, ignorando ou omitindo seu racismo. Entre outras coisas, “Birth” tornou-se uma ferramenta de recrutamento para a Ku Klux Klan. A colocação de Griffith no museu é emblemática da dificuldade que enfrenta: dar-lhe destaque geraria críticas, mas deixá-lo de lado distorce o verdadeiro arco do cinema americano.
Abordei o assunto de Griffith e as provocações apresentadas por cineastas irritados como ele com Jacqueline Stewart, a diretora artística e de programação do museu. Falando por telefone na terça-feira, Stewart notou com uma risada que a manhã tinha se afastado dela. Poucas horas antes, a Fundação MacArthur havia anunciado que ela era uma das recebedoras de seu 2021 concessões “genius”, reconhecimento para um estudioso do cinema altamente conceituado que deu um salto incomum e bem-vindo para o destaque público, principalmente como apresentador do Turner Classic Movies. Stewart entrou para a equipe do Museu da Academia apenas em janeiro, depois que as exposições foram projetadas. Ela descreve seu papel como “ajuste fino”.
Enfrentando os desafios que o cinema americano apresenta, Stewart disse que tanto nas “referências principais quanto nas indiretas” aos cineastas, o museu busca incentivar as pessoas a aprender mais. Os maiores sucessos estão aqui, mas também estão os filmes que provavelmente não serão incluídos em cânones mais rarefeitos. O museu, disse Stewart, queria usar seu espaço para surpreender e inspirar. “Acho que as pessoas ficarão surpresas com o modo como chegamos à narrativa nesta iteração de abertura do nosso museu é por meio desses dois cineastas negros”, referindo-se a Micheaux e Spike Lee. Se, por exemplo, os visitantes procuram saber mais sobre Griffith por meio de Micheaux, ela continuou: “Acho isso incrível”.
Resta saber se os visitantes buscarão mais do que selfies com os bots de “Star Wars”. Isto é, se eles pararem de transmitir por um tempo e saírem de casa.
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