FILADÉLFIA – Passe algumas horas nas redes sociais e você encontrará discussões acaloradas sobre quem pode falar por quem. Isso o torna um bom momento para uma exposição de arte de Emma amos, um pintor, gravador e tecelão que lutou com questões antigas de identidade e autoridade que pareciam recém-urgentes. “Emma Amos: Color Odyssey”, um levantamento de seu trabalho organizado pela Museu de Arte da Geórgia e agora em exibição no Museu de Arte da Filadélfia, chega em um momento oportuno.
No entanto, o show também é uma lição sobre o papel que Amos, como uma artista negra, criticou em sua vida e foi escalada mesmo após sua morte no ano passado. Com curadoria de Shawnya L. Harris do Museu da Geórgia e, na Filadélfia, Laurel Garber, “Color Odyssey” contém cerca de 60 obras. É uma pesquisa estimulante, mas não é, como Amos merece, um grande retrospectiva (veja: a megaexposição de Jasper Johns no final do corredor). Espaço adicional para permitir a inclusão de pelo menos um projeto de grande escala e uma linha do tempo nas galerias teria sido um bom começo.
A falta é aparente caminhando por “Color Odyssey” porque a exposição confirma seu brilho. O trabalho de Amos é rigoroso e complexo, inteligente e apaixonado, repleto de estímulos intelectuais e emocionais. Ela tentou reformular a história – da arte, do país, dela própria – de sua posição de mulher negra. Amos não queria apenas um lugar à mesa; ela queria refazer a própria mesa.
Ela começou como muitos artistas americanos fizeram nos anos 1950: inspirada pelo então dominante expressionismo abstrato. Seu primeiro show solo, que aconteceu em sua cidade natal, Atlanta, contou com gravuras abstratas. Um exemplo está em exibição aqui, intitulado “Pompeii (Red)” (1959), e sua saturação antecipa seus próximos experimentos com cores. A peça acompanha duas outras abstrações, incluindo uma pintura sem título com uma mão livremente renderizada em meio a passagens insistentes de preto, branco e cinza. Amos mostrou essa pintura em 1965 na única exposição montada por Spiral, um influente mas efêmero coletivo de artistas negros; depois de se mudar de Atlanta para Nova York em 1960, ela se tornou o membro mais jovem e única mulher do grupo. Na mesma exposição Spiral, ela também exibiu “Without Feather Boa” (1965), uma gravura de si mesma usando óculos escuros azuis e aparentemente nada mais.
Essas duas obras de arte radicalmente diferentes estão penduradas lado a lado no Museu da Filadélfia, onde parecem representar uma encruzilhada para seu criador: abstração ou figuração, preto e branco ou em cores? Escolheu a representação cromática e nunca mais olhou para trás, mas também não desistiu do seu compromisso com a pintura expressiva.
Na verdade, tem-se a sensação de que Amos nunca rompeu totalmente com nada, seja um estilo ou meio. Toda a sua carreira foi um processo aditivo de expandir suas habilidades e técnicas e, em seguida, encontrar maneiras de combiná-las ou complementá-las. Nos anos 1960, ela trabalhou para um designer têxtil comercial e, mais tarde, ensinou tecelagem – ocupações que ela manteve escondidas no início porque o estabelecimento de arte as desprezava como artesanato.
Em meio à contracultura trippy dos anos 60, Amos fez uma série de pinturas ácidas com grossos blocos e faixas de cores que parecem atuar como barreiras. As figuras femininas nessas obras sedutoras se transformam em mulheres negras confiantes em gravuras dos anos 1970 e 1980. As estampas são tecnicamente complexas: Amos às vezes combinava métodos diferentes em uma única peça ou fazia algo incomum, como cortar a chapa de impressão para criar um contorno branco espesso ao redor de um corpo. Mesmo se você não conhecesse os meandros de seu processo, os múltiplos e intrincados padrões em um trabalho como “To Sit (With Pochoir)” (1981) são deslumbrantes.
Ao mesmo tempo, há um gambito conceitual acontecendo aqui. Muitas das figuras usam maiôs, remetendo ao motivo dos banhistas adotado por modernistas como Cézanne e Matisse. Amos substituiu os corpos das mulheres brancas, tradicionalmente estilizados e nus por contemporâneos, parcialmente vestidos e realistas, trocando o olhar masculino voyeurístico por um feminino íntimo. Ao fazer isso, ela inseriu as mulheres negras na história da arte e reivindicou o lazer e a liberdade implícita da água como sua.
A questão da libertação – como se libertar – tornou-se a força motriz de sua prática no final dos anos 80. Você pode sentir isso na terceira galeria, onde sua arte irrompe com um novo dinamismo e energia. De repente, suas figuras estão em movimento, sejam suspensas em meio a proezas atléticas ou caindo e flutuando no ar. O solo sólido da realidade deu lugar a espaços expressionistas e metafóricos que podem ser cósmicos, como no deliciosamente caótico tríptico “Flying Circus” (1987), ou mais expressamente político, como em “Equals” (1992), que apresenta Amos flutuando no contexto de uma bandeira americana a ondular. As estrelas da bandeira não estão ancoradas, e o retângulo azul que as segurava foi substituído por uma reprodução de uma fotografia da era da Depressão de trabalhadores negros do sul. “Equals” sugere que a única maneira de os afro-americanos alcançarem equidade e justiça é desalojar o paradigma existente neste país, como Malcolm X – cuja imagem se repete na parte superior e inferior da peça – tentou fazer.
Não é apenas o assunto que torna esses trabalhos tão potentes. Superando sua reticência (graças a uma temporada co-apresentadora de um PBS programa de TV sobre artesanato na América), Amos começou a trazer tecidos para sua arte, primeiro suas próprias tecelagens e depois vários tipos de tecidos africanos. Ela experimentou formar figuras a partir dele, mas acabou usando-o principalmente para acentuar e enquadrar suas pinturas, um dispositivo que lhes dá textura literal e profundidade histórica. Mesmo enquanto pintava suas obras com eficácia, com linhas profundas e pinceladas vigorosas, ela incluía tecidos e os pendurava como pergaminhos ou tapeçarias. Incorporando cores e padrões ousados e brilhantes, ela infundiu prazer em suas peças ao abordar temas sérios. Amos embaralhou todas as categorias em que ela poderia se encaixar: artesanato e arte, trabalho feminino e masculino, africano e ocidental, sério e divertido.
A exposição inclui duas de suas peças mais icônicas, “Work Suit” e “Tightrope” (ambas em 1994). Ambos são autorretratos irônicos nos quais Amos toma emprestadas imagens de pintores ocidentais brancos canônicos (Lucian Freud e Paul Gauguin, respectivamente) para comentar sobre a dificuldade de sua posição como uma artista negra. Eu os tinha visto em reprodução, mas não estava preparado para o nível de detalhe e diversidade de cada um. Os melhores trabalhos de Amos podem prender sua atenção por um longo tempo, enquanto seus olhos e cérebro tentam desvendar sua complexidade técnica e conceitual.
Os escritores do catálogo de “Color Odyssey” identificam sua abordagem como essencialmente uma forma de colagem; no livro “Art on My Mind” de 1995, o estudioso bell hooks chama isso de “qualidade muito pós-moderna” que celebra a mistura e a miscigenação. Qualquer que seja sua definição, para Amos, havia resistência e liberdade na heterogeneidade – uma capacidade de ser ela mesma ao mesmo tempo e uma oportunidade de repensar os tropos e armadilhas da história.
Em “Modelos” (1995), por exemplo, ela alinha uma das representações de Gauguin de sua esposa taitiana adolescente, Tehamana; uma fotografia etnográfica de uma mulher africana com um texto impresso ao seu redor; e uma imagem de uma estátua grega nua masculina. Ao lado deles estão letras que não soletram nada, mas aludem ao conhecimento. O trio é um desafio para considerar como os padrões de beleza são estabelecidos, mas eu leio também como uma espécie de proposição: Se os dois primeiros foram considerados objetos de estudo válidos para os homens brancos, então o terceiro deve ser o mesmo para as mulheres negras. Vinte e cinco anos atrás, Amos fez uma pergunta que ainda fazemos agora: quem tem o direito de ser um sujeito?
Emma Amos: Color Odyssey
Até 17 de janeiro no Museu de Arte da Filadélfia, 2600 Benjamin Franklin Pkwy, Filadélfia. 215-763-8100; philamuseum.org.
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