Claudia Mitchell, uma ceramista de Acoma Pueblo, no Novo México, junta argila em uma mesa entre duas formações rochosas de arenito, martelo e picareta prontos. Primeiro ela agradece à Mãe Barro – a Terra – em orações e oferendas que incluem uma pitada de fubá, um pequeno pedaço de turquesa e, sempre, água – o presente mais precioso do alto deserto. Ela também agradece as mulheres que vieram antes dela, especialmente sua avó. Lucy M. Lewisuma ceramista muito aclamada que trabalhou até os 80 anos e cujas mãos, lisas e macias por anos de barro, nunca perderam o aperto forte.
Em seu próprio trabalho, Mitchell, 59, incorpora cacos de cerâmica de gerações anteriores que encontra ao longo da estrada, triturando-os até transformá-los em pó para dar resistência extra aos potes antes de serem queimados. Por meio de seus vasos, “o espírito de todas aquelas pessoas é trazido de volta à vida”, disse ela. “Nosso passado e presente se tornam o futuro na cerâmica.”
Agora ela está ajudando a ampliar a compreensão da arte americana. Em uma mudança radical para os museus, Mitchell é um dos 68 oleiros Pueblo, artistas e líderes culturais convidados a organizar “Fundado na Argila: O Espírito da Cerâmica Pueblo” no Metropolitan Museum of Art, a primeira exposição de nativos americanos que teve curadoria da comunidade. Os objetos foram todos selecionados por membros do Pueblo Pottery Collective e os rótulos destacam as vozes e perspectivas dos povos Pueblo, em vez do estilo tradicional de rótulo de museu. (O show, até junho de 2024, continua com hora marcada em um ambiente mais intimista no Fundação Vilcek em Manhattan, antes de viajar para o Museu de Belas Artes de Houston e o Museu de Arte de Saint Louis.)
˜A ideia da exposição coletiva surgiu no Escola de Pesquisa Avançada (conhecido como SAR) em Santa Fe, NM, um centro de recursos acadêmicos, imprensa acadêmica e programa de residência artística instalado em um complexo de adobe histórico. Sua imensa coleção de cerâmica Pueblo, datada de 1050-1300, é a espinha dorsal de “Grounded in Clay”, que estreou na Museu de Arte e Cultura Indiana em Santa Fé no verão passado. “Achamos que era muito importante que nosso pessoal visse a exposição primeiro”, disse Brian D. Vallo, consultor de museu e ex-governador de Acoma Pueblo, perto de Albuquerque, que é curador da exposição de Vilcek.
O objetivo era identificar pelo menos um curador de cada comunidade nativa, disse Elysia Poon, diretora do Centro de Pesquisa de Artes Indianas da SAR. Ela abordou a Fundação Vilcek, que tem sua própria coleção extensa de cerâmica, sobre a parceria com vários organizadores. “Acho que eles não esperavam terminar com mais de 60”, disse ela. (Seis curadores não são de comunidades Pueblo; dois deles são indígenas).
Para alcançar participantes em potencial, Poon e sua equipe visitaram as comunidades de Pueblo, distribuindo panfletos durante os dias de festa e outros eventos culturais. Cada curador foi convidado a selecionar uma ou duas obras de barro para serem interpretadas como bem entendessem, através de um ensaio manuscrito, um poema ou uma gravação de voz. “Tradicionalmente, você cria grandes temas e depois escolhe as peças”, disse Poon. “Fizemos isso ao contrário.”
Desta forma, a exposição oferece um modelo alternativo para o business-as-usual euro-americano, que muitas vezes excluiu as comunidades de origem de interpretar sua própria cultura material, deixando isso para estudiosos que tendem a ver as obras através de lentes históricas da arte desapaixonadas.
As diretrizes desenvolvidas pelo SAR, agora incorporadas no Met, representam uma mudança ambiciosa na prática em que os profissionais do museu trabalham lado a lado com as comunidades nativas para documentar objetos, conceituar suas narrativas e expandir o acesso dos povos indígenas às coleções. É uma estratégia cada vez mais adotada por instituições como o Colby Museum of Art no Colby College no Maine, que trabalhou com parceiros da comunidade nativa na mostra atual, “Pintado: Nossos Corpos, Corações e Aldeia”, oferecendo perspectivas de Pueblo sobre a Taos Society of Artists, um grupo anglo-americano.
“É emocionante ter mais vozes em espaços de exibição”, disse Tom Eccles, diretor executivo do Centro de Estudos Curatoriais no Bard College, que forma jovens curadores. “Muitas vezes pensamos em curadores como tendo um conhecimento excepcional, mas hoje o conhecimento também é sobre a experiência. Quanto mais experiências trouxermos para esses objetos, melhor.”
Ele acrescentou: “Os curadores de hoje não estão apenas em diálogo com obras de arte, eles também estão em diálogo e engajados com as comunidades. Essa é uma mudança fundamental.”
“Grounded in Clay” apresenta curadores nativos de 19 comunidades Pueblo do Novo México, mas também do Arizona (Hopi) e Texas (Ysleta del Sur Pueblo). “Estamos entusiasmados com a oportunidade de colocar essas diretrizes em prática”, disse a Dra. Patricia Marroquin Norby, curadora associada de arte nativa americana (Purépecha) do Metropolitan Museum, que colabora com comunidades de origem desde que assumiu seu cargo em 2020, oferecendo perspectivas nativas na coleção Diker da American Wing e em exposições como “memórias de água.”
Mas a escala da colaboração em “Grounded in Clay” é sem precedentes, incluindo muitos ceramistas que carregam tradições ancestrais. A exposição oferece aos não-nativos uma janela para as dimensões intangíveis, pessoais e emocionais da cerâmica Pueblo, “o recipiente literal pelo qual nosso povo se sustenta, psíquica, cultural e espiritualmente”. Dr. A. S. José Aguilaro vice-oficial de preservação tribal de San Ildefonso Pueblo, escreve no catálogo.
Com mais de 50 peças fortes, os potes de água, potes de armazenamento, tigelas e potes de feijão são tão distintos quanto rostos humanos. Nascidos da terra, do fogo e da água, muitos se lembram dos tons de laranja, vermelho e bronzeado dos planaltos, penhascos e arroios do sudoeste. Alguns têm intrincados padrões em zigue-zague em preto e branco inspirados em nuvens ou raios riscando o céu, trazendo a bênção da chuva. Outros celebram perus, papagaios ou tartarugas em pinturas vibrantes. Embarcações centenárias mostram sua idade e desgaste – os arranhões, fissuras, solavancos, rachaduras e reentrâncias revelam o quão bem usados e amados eles eram, tanto quanto um livro de receitas familiar manchado de óleo.
“A beleza criada na argila é tão imperfeita quanto nós, mas eleva-se com significado e propósito”, escreve Anthony R. Chavarria (Kha’p’o Owingeh/Santa Clara), curador de etnografia do Museu de Arte e Cultura Indiana.
Chavarria lembrou por telefone uma tigela de micáceo brilhante com uma borda de massa de torta feita por sua avó e as disputas que irrompiam sobre quem iria tomá-la como cereal matinal. Para o show, ele se viu atraído por uma jarra de água de pedra polida com gargalo alto e borda larga. “Eu vejo a gola e o gargalo alto neste frasco, na maneira como sua borda se abre”, escreve ele. “Eu vejo minha avó na beleza da terra.”
Blackware é normalmente obtido por um processo de queima de redução, usando esterco de vaca ou ovelha para modular a chama – a falta de oxigênio, misturada com a fumaça, transformará a tigela de barro vermelho quente em um preto rico.
Um exemplo espetacular que dá as boas-vindas aos visitantes no Met é um vaso monumental “avô” com uma pele de ébano iridescente de Lonnie Vigil (Nambe Pueblo), um ceramista talentoso. Ele começou a construí-lo bobina por bobina em sua mesa de cozinha de fórmica vermelha dos anos 1950 – um “feito arquitetônico que se tornou mais comovente pelo fato de ser equilibrado à mão e sentir – não por máquina”, escreve Nora Naranjo Morse, um artista e poeta que é outro curador.
“As pessoas perguntam: ‘Como você fez um pote tão perfeito?’” Vigil me disse. Ele não tem uma resposta. Ele disse que entrou em “um espaço de sonho”.
Em entrevista à Fundação Vilcek, Brian Vallo disse que sua avó paterna, Juana Vallo, pintava seus potes com hematita preta moída, um mineral, com pasta de espinafre selvagem como aglutinante. Era uma jornada de um dia inteiro para coletar argila. “Meu avô dizia que se você entrar com a mente muito pura, a argila será mais fácil de remover”, disse Vallo. Para o show, ele escolheu uma jarra de água Acoma pintada com pássaros inspirados em Zuni que sua avó chamaria de “Zuni Fat Tails”. Em Acoma, as mulheres coletavam água da chuva em cisternas formadas naturalmente no topo da mesa e depois equilibravam os jarros bulbosos em suas cabeças – “basicamente carregando uma nuvem”, disse ele.
Na cultura Pueblo, os potes marcam eventos importantes da vida. Eles recebem bebês e comemoram uma perda. “É bom ter bastante à mão”, observa Mitchell, o ceramista, “porque nunca se sabe quando alguém vai viajar”.
Para “Grounded in Clay”, Norby também contratou quatro artistas Pueblo contemporâneos em outras mídias; essas obras questionam a exploração industrial e ambiental de sítios indígenas sagrados. “Yupkoyvi”, do fotógrafo Michael Namingha, por exemplo, é uma composição estranhamente rosa em serigrafia e esmalte com areia aplicada à mão. Ele aborda antigas lajes de arenito em Fajada Butte em Chaco Canyon, um locus da cultura Puebloan ancestral, erguido para medir solstícios e equinócios, que foi irrevogavelmente alterado pelo tráfego de pedestres de turistas e arqueólogos e pela exploração industrial.
Os curadores da comunidade podem fornecer orientação aos museus ao descobrir objetos em suas coleções que são culturalmente sensíveis ou protegidos por leis federais de repatriação. Vallo disse que no Vilcek ele avistou uma tigela cerimonial. Ele pediu ao grupo que considerasse devolvê-lo ao Tesuque Pueblo, o que a fundação fez. “Entendo que agora está de volta ao uso”, disse Vallo.
A repatriação nem sempre é desejada pelos Pueblos, acrescentou. Algumas comunidades “não repatriam itens que nunca deveriam ter saído”, disse ele. “Eles diriam que perderam a essência do que os torna sagrados.” Assim que “Grounded in Clay” terminar sua turnê, as comunidades de origem participarão da criação de “um plano robusto para a administração desses itens”.
Até então, a infusão de vozes Pueblo e experiências de vida no show foi profunda para artistas como Rose B. Simpson (Kha’p’o Owingeh/Santa Clara), a célebre escultora que trabalha em uma variedade de mídias e vem de uma longa linhagem matrilinear de artistas de barro (sua exposição “Contracultura” está atualmente no Whitney Museum of American Art).
Os povos indígenas e suas histórias foram “menosprezados e objetificados”, disse ela, acrescentando que uma exposição como esta pode devolver a um objeto “sua vida e identidade. Mudamos de extrair para respeitar. Este show é incrivelmente importante porque inicia esse processo.”
Como curadora, escolheu um cântaro preto de Santa Clara (c. 1880-1900) com o rebordo partido. “Senti que tínhamos muito em comum”, disse ela. “Vivendo em um contexto pós-colonial-genocida, ainda quebramos partes de uma história complicada.”
Em Santa Fé, na School for Advanced Research, Simpson sentou-se sozinho em uma sala silenciosa com as panelas. “Isso faz com que você perceba que esses potes estão observando você”, disse ela. “Foi muito legal conhecê-los e conhecê-los — e agora estamos dando a oportunidade a outras pessoas de conhecê-los. Esses potes verão os visitantes tanto quanto os visitantes veem os potes”.
Fundido na argila: o espírito da cerâmica Pueblo
Até 4 de junho de 2024, no Metropolitan Museum of Art, 1000 Fifth Ave., (212) 535-7710; metmuseum.org. Funciona com hora marcada até 2 de junho de 2024, na Vilcek Foundation, 21 East 70th Street em Manhattan; (212) 472-2500; vilcek.org.
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